中国黄梅戏经典无事生非二碟装(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽音像出版社

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出版时间:1900-01-01

价格:10.0

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isbn号码:9787884011827

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• 黄梅戏
• 戏曲
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古典戏曲瑰宝：徽韵流芳，薪火相传 —— 一部关于中国传统戏曲艺术宏大图景的深度探索 （注：本简介旨在描绘一个与“中国黄梅戏经典无事生非二碟装(VCD)”主题范围相近，但内容完全独立、侧重于更广阔的戏曲文化背景、艺术理论与历史脉络的著作。） --- 【图书概览】 《徽韵流芳，薪火相传：中国地方戏曲艺术的演变与当代价值》是一部宏大而精深的学术专著，它以中国丰富的地域文化为经，以数千年戏曲艺术的发展史为纬，旨在梳理和剖析中国地方戏曲艺术体系的复杂结构、美学特征、历史流变及其在现代社会中的文化担当与创新路径。本书并非简单地罗列剧目，而是深入挖掘支撑这些剧种得以存续和发展的社会土壤、哲学思想、音乐结构与表演体系。 【第一卷：土地与腔调的交融——地方戏曲的地域根源】 本卷着重于阐释中国地方戏曲“因地而生，随俗而变”的根本规律。作者从地理学、人类学和社会学的角度切入，探究了不同地域气候、风俗、方言、宗教信仰如何塑造了地方戏曲独特的“腔调”与“腔韵”。 一、南腔北调的地理划分与审美差异： 本书详尽对比了中国南北方戏曲在声腔、板式和器乐配置上的根本区别。北方以其高亢、激昂、注重叙事的特点（如晋剧、秦腔）为例，分析了黄土高原文化中蕴含的豪迈与苍凉；南方则侧重于婉约、细腻、注重意境的营造（如粤剧、昆曲），探讨了江南水乡文化对“情”与“韵”的极致追求。这种地域性的美学差异，并非简单的风格分野，而是不同生存状态下对生命体验的艺术投射。 二、方言的生命线与声腔的演化： 戏曲语言的运用是地方剧种生命力的关键。本卷特别设立章节，分析了方言、土语在特定剧种中的不可替代性。例如，某些剧种的韵白与说唱，严格遵循特定的声调系统，一旦脱离了其母语环境，便失去了原有的音乐性和表现力。本书通过对几种典型声腔（如徽州地区的古调）的音位学分析，揭示了声腔对民间歌谣、山歌、小调的继承与发展，展现了从民间俗乐向舞台艺术提升的艰难历程。 三、仪式与世俗：庙会、社戏的文化载体： 戏曲最初并非纯粹的娱乐形式，而是社会生活、祭祀仪式的有机组成部分。本卷追溯了“社戏”、“庙会戏”的田野调查资料，论证了戏班如何作为乡村社会的文化中介，传播道德观念、记录历史事件，并充当了社区认同的粘合剂。这种社会功能，深刻地影响了剧目题材的选择和表演尺度的拿捏。 【第二卷：体系的构建——戏曲的音乐学与表演理论】 深入到戏曲艺术的内部结构，本卷致力于构建一套系统的、跨剧种的理论分析框架，重点关注音乐、表演、脸谱、服装四大核心要素的内在逻辑。 一、板式结构与“程式化”的奥秘： 本书详细解析了中国戏曲独特的“板式”结构，指出板式不仅是音乐的节拍组织，更是叙事和抒情的骨架。不同于西方音乐的固定曲式，戏曲的板式具有极强的灵活性和“一板三眼”的节奏弹性。随后，重点探讨了“程式化”表演的理论深度——它如何通过高度凝练的动作语汇，实现“以虚写实”、“以小见大”的审美效果，并剖析了“圆、打、火、亮”等基本功的哲学内涵。 二、虚拟空间的构建与“写意”美学： 戏曲舞台的极度简约，迫使观众和演员共同完成对场景的想象。本书引用大量古代戏曲理论文本，阐释了“虚实相生”的写意美学。一把水袖如何能表现出风雨雷电、喜怒哀乐，一个眼神如何能传达千言万语，这其中蕴含着独特的东方哲学观，即承认并利用空间的无限可能性。 三、人物“型”的塑造：脸谱、服饰与行当的符号学意义： 脸谱和服饰并非简单的装饰，而是成熟的视觉符号系统。本卷从符号学角度，解构了不同颜色、线条和纹样所代表的人物性格、阶层和命运。同时，对“生、旦、净、丑”四大行当的表演技法进行了对比研究，强调了行当划分在传承中对演员专业性的严格要求。 【第三卷：历史的断层与当代的重塑——现代戏曲的挑战与未来】 收官之卷将目光投向近现代以来，地方戏曲所经历的剧变与创新。 一、从“乱弹”到“新编”的百年风云： 本卷梳理了二十世纪初，在“五四”新文化运动和西方戏剧思潮冲击下，地方戏曲面临的生死抉择。探讨了如何在新编历史剧、现代戏中，实现传统腔调与现代叙事节奏的融合与冲突，分析了“移植”经典文学作品时，在音乐和表演上遇到的技术难题。 二、抢救性挖掘与数字化存档的必要性： 面对老艺人凋零、年轻一代兴趣减退的困境，本书强调了对濒危剧种的抢救性工作。详细介绍了声腔母带的录制、口述历史的收集、以及利用数字多媒体技术对复杂表演技艺进行三维建模保存的实践案例，指出这是对非物质文化遗产负责任的态度。 三、传统艺术的“剧场性”重构： 成功的当代改编，并非简单地“现代化”舞台布景，而在于能否在尊重核心美学的前提下，提升剧场的直接感染力。本书探讨了如何运用现代灯光、音响技术，在不破坏戏曲韵味的前提下，拓展观众的接受度，使古老的艺术形式在当代语境下重新焕发生机，实现真正的“薪火相传”。 --- 【本书价值】 本书是戏曲研究者、艺术院校师生、文化遗产保护工作者以及所有对中国传统美学有兴趣的读者不可或缺的案头之作。它摒弃了对地方戏曲的零散介绍，力图提供一个宏观、系统、富有洞察力的理论视野，深入剖析了中国地方戏曲作为一种活态的、复杂的艺术体系的生命力所在。阅读本书，不仅是了解戏曲，更是理解中国传统文化深层的精神气质与审美旨归。

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这部黄梅戏精选集，简直是京剧爱好者心中的一剂清凉散。那种水袖一甩、唱腔一亮，瞬间就能把你拉回到那个充满古典韵味的舞台中央。我记得我第一次听的时候，是在一个下着小雨的周末，电视里恰好在播放《天仙配》，那唱腔的婉转悠扬，简直把那份人间的至情至性表达得淋漓尽致。特别是那高腔的运用，时而如高山流水般清澈，时而又似大江东去般磅礴，让人听得如痴如醉。里面的几位老艺术家，他们的身段和眼神里都带着岁月的沉淀，每一个手势、每一个眼神的交流，都仿佛在无声地诉说着一个缠绵悱恻的故事。我想，对于那些痴迷于传统戏曲韵味的朋友来说，这套碟片绝对是值得珍藏的艺术品，它不仅仅是录像，更是一段流动的历史，让你能真切感受到国家级非物质文化遗产的魅力所在。

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我必须承认，对于我们这一代在数字化娱乐中成长起来的年轻人来说，接触传统戏曲确实需要一个“桥梁”。这套碟片，在我看来，就是一座非常优秀的桥梁。它的经典选段选取精准，没有过多冗长铺陈，直击人心。更重要的是，它所呈现的几代艺术家的风范，展现了一种对艺术近乎苛刻的执着和传承精神。观看的过程中，我被那种不为外界喧嚣所动的匠人精神深深感染。他们用最朴素的服饰和舞台，通过声音和肢体的极致表达，构建了一个比任何特效都更宏大、更真实的艺术世界。它让我开始思考，真正的“经典”究竟是如何炼成的，这远比单纯的娱乐消遣更有价值。

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我是一个对音质要求比较高的人，很多老录音的碟片听起来总觉得有点“闷”，高音上不去，低音又发虚。但令人惊喜的是，这套碟片的音效处理得相当到位。虽然我们知道这是早期录制的舞台实况，但经过后期的优化，人声部分的分离度和清晰度都得到了极大的提升。你能够清晰地分辨出二胡的拉弦声、笛子的韵味，以及主要唱腔与伴奏之间的微妙平衡。这种清晰度使得那些需要复杂层次感的合唱段落，也显得层次分明，互不干扰。对于想要学习或者模仿这些经典唱腔的戏曲爱好者来说，这种高保真的音质简直是福音，每一个气口、每一个转音都能被精准捕捉，极大地提升了学习和欣赏的体验。

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说实话，我一开始对黄梅戏的了解并不深，总觉得它可能不如京剧那般大气磅礴，或者越剧那样细腻婉转。但当我真正静下心来欣赏这套碟片里的经典选段时，我才发现自己错得有多离谱。这里的选段非常注重故事的内在情感的挖掘，即便是那些看起来很“寻常”的桥段，在演员的精湛演绎下，也充满了生活的哲理和人性的光辉。尤其是对女性角色的塑造，那种含蓄又坚韧的力量感，特别打动我。例如某几段闺怨戏，没有歇斯底里的哭闹，却能通过寥寥数语和细腻的表情，将那种深闺中的无奈与期盼展现得入木三分。这种内敛的表达方式，恰恰是东方美学的精髓所在，它不把话说满，留给听者无限的想象空间，让人回味无穷，每次看都有新的感悟。

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我对戏曲的理解，很大程度上来自于舞台的“在场感”，那种现场的氛围和演员的气场是录像难以完全复制的。然而，这套VCD系列在镜头运用和舞台调度上做到了相当高的水准。它没有过多花哨的剪辑，而是采用了相对稳定和全面的拍摄角度，保证了观众能够看清主要演员的表情和身段动作，尤其是在那些需要复杂步法和手势配合的段落。同时，布景和服装的细节也得到了很好的保留，让我们得以一窥当年舞台美术的制作水准。虽然是“碟装”形式，但它成功地将剧场的精髓浓缩了下来，即便是没有去过实地剧场的人，也能感受到那种扑面而来的艺术张力，这对于普及地方戏曲文化，功不可没。

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