7 46094 2 DEXTER GORDON （CD） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:未定义音像出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:99.0

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isbn号码:9780777746097

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• 爵士乐
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蓝调的深沉回响：爵士乐大师的未尽之章 一部关于二十世纪中叶爵士乐黄金时代的深度剖析，聚焦于那些在聚光灯之外，却对音乐产生了深远影响的乐手群像。 本书并非简单地罗列爵士乐史上的名人堂成员，而是深入挖掘那些在特定历史时期，以其独特的乐器驾驭能力和创新精神，构建起后世难以企及的音乐版图的幕后英雄与边缘探索者。我们将目光投向五十年代末至六十年代初，那个从硬波普（Hard Bop）的激情四射向自由爵士（Free Jazz）的无拘无束过渡的微妙十年。 第一部分：调性之外的探索——从“硬”到“野”的过渡 爵士乐的演进从来不是线性的，而是螺旋上升的。在迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的“冷”与约翰·柯川（John Coltrane）的“热”之间，存在着一个充满实验性的灰色地带。本书的开篇将详尽考察那些试图在既有的和声结构中寻找突破口，却又未完全抛弃旋律根基的乐手。 1. 钢琴的结构重塑： 我们将分析特德·多比（Tadd Dameron）风格的继承者们，他们如何在保持三和弦的坚实基础上，引入了复杂的色彩音与不协和音程，以模拟现代主义绘画的视觉冲击力。重点探讨一位名叫“拉斐特·布鲁克斯”（Lafayette Brooks，虚构人物，以代表一类音乐家）的钢琴家，他在芝加哥的地下酒吧中如何用他的左手伴奏打破了传统节奏组的固定模式，使低音线条本身成为一种旋律驱动力。书中将详细拆解他为数不多的录音片段——例如那首著名的《黎明前的寂静》（Pre-Dawn Stillness）——揭示其和弦替换的精妙之处，这些替换既是对比波普传统的致敬，也是对其过度装饰的温和反叛。 2. 低音提琴的革命： 在节奏组中，低音提琴手（Upright Bassist）的角色在六十年代初经历了翻天覆地的变化。从纯粹的时间保持者，他们开始向独奏乐器转型。本书将细致考察几位早期受斯科特·拉弗罗（Scott LaFaro）影响的贝斯手，他们如何在保持稳定的四分音符脉动（Walking Bass）的同时，利用双音（Double Stops）和更多的切分音，为萨克斯风和号角乐器提供了更具挑战性的对话基础。我们将特别关注他们对节奏的“预读”能力——如何通过微妙的前抢或后跟，来引导整个乐队情绪的涨落，而不是被动地跟随鼓点。 3. 小号与中音萨克斯风的“言说”艺术： 在那个“内省”成为关键词的年代，号角乐器必须学会“说话”，而不是仅仅“唱歌”。我们对比研究了几位致力于在音色上做文章的乐手。他们不再追求纯粹的音准，而是故意引入气声（Air Sound）、喉音（Guttural Tones）和颤音（Vibrato）的极端变化，以此表达内在的焦虑与挣扎。书中将对比分析两位代表性人物——一位在纽约的俱乐部中坚守着“灵魂的重量”，另一位则流亡至欧洲，将欧洲古典音乐的对位法融入到即兴的片段之中。 第二部分：地域性的声音——超越纽约的爵士地图 爵士乐的中心长期被纽约占据，但六十年代，德克萨斯、底特律、以及西海岸的特定区域，开始孕育出具有强烈地域色彩的声音，它们往往更粗粝、更贴近蓝调的根源，或融入了拉丁美洲和民间音乐的元素。 1. 德州的“粗粝感”： 德克萨斯州的音乐深受布鲁斯影响，爵士乐在这里变得更加“接地气”。书中将聚焦于一位原声吉他手（Acoustic Guitarist），他如何在爵士和声的框架下，坚持使用拨片演奏出带有清晰滑音（Slide）效果的音符，使他的独奏听起来像是电吉他经过了大幅度的音量衰减。我们将探讨这种风格如何挑战了传统爵士乐对精致技巧的偏爱，转而追求一种更原始的情感表达。 2. 西海岸的“凉爽之影”： 与东海岸的“热”形成鲜明对比的是西海岸的“凉”。但这不是五十年代那种光洁的酷派（Cool Jazz）。六十年代的西海岸，受到环境变化和城市疏离感的影响，发展出一种更具迷幻色彩的爵士乐。书中将描述一位擅长使用小号弱音器（Mute）制造出“太空感”的乐手，他的音乐中充满了回声和延迟效果，仿佛是音乐家在空旷的沙漠之夜进行思考。 3. 节奏的拓扑学：鼓手的独立宣言 鼓手，作为乐队的“时间建筑师”，在此时期获得了前所未有的解放。他们不再只是提供稳定的背景，而是开始进行“位移”（Displacement）和“重组”（Re-contextualization）。我们将详尽分析那些专注于“纹理”（Texture）而非“速度”的鼓手。 书中将使用乐谱分析的方法，展示他们如何通过对镲片（Cymbals）的精细敲击——轻柔的边缘敲击、延迟的钟声（Bell Hit）——来创造出如同雨滴落在不同表面上的声学效果。我们还将讨论一位鼓手如何故意在四小节的乐句中，将重音放在第二和第四拍之外，从而制造出一种持续的、令人不安的“摇摆感缺失”状态，这种状态迫使其他独奏者必须重新校准他们的内部时钟。 第三部分：录音棚作为乐器 本书的最后一部分将探讨技术革新如何反过来塑造了音乐的创作过程。六十年代初，录音技术从单纯的记录工具变成了音乐的延伸。 我们将分析录音工程师如何利用立体声场的极限，将贝斯和鼓放置在声场的两端，而将钢琴和萨克斯风置于中央，制造出一种“环绕式”的听觉体验，即使是单声道播放也能感受到这种空间上的张力。更重要的是，我们会探讨那些故意在录音中保留的“瑕疵”——例如麦克风的轻微失真、演奏者的呼吸声，甚至是演奏过程中器械的轻微撞击声。这些声音，被视为表演的不可分割的一部分，而非需要被消除的杂音，象征着爵士乐从追求完美的殿堂艺术向更真实、更人性化的现场表达的回归。 通过对这些细微之处的聚焦，本书旨在勾勒出一幅宏大且多层次的二十世纪中叶爵士乐的画卷，一个充满未被充分记录的对话、未被发掘的实验和正在酝酿中的革命的时代。

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这张专辑的包装设计简直是敷衍到了极致，一个简单的塑料外壳，内页的印刷质量像是用最低成本匆忙赶工出来的，色彩暗淡，文字也显得模糊不清。我本来对音质抱有一丝期待，毕竟是经过现代技术重新母带处理的版本，但实际听下来，效果只能用“中规中矩”来形容。人声部分被淹没在乐器的声浪中，鼓点的冲击力也明显不足，尤其是在高音域，总感觉有一层薄薄的“雾气”罩在上面，削弱了原本应该有的那种穿透力。我甚至怀疑，这次的重新发行，仅仅是为了将库存清空而采取的最低限度操作。如果要说有什么亮点，也许是那几首收录进来的早期录音片段，它们的“粗糙感”反而保留了那个年代独有的那种原始的激情，虽然音质很差，但音乐的内核是鲜活的。但即便如此，整体来看，它在听觉体验上是令人失望的，更像是一个收藏家用来填补空缺的周边产品，而非一个严肃的音乐发行。

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这是一张黑胶唱片，封面设计充满了那个时代的复古气息，米白色的背景上，深沉的字体勾勒出乐队的名字，简约却又不失力量感。我把唱针轻轻放下去的时候，耳边立刻被一股强烈的、带着颗粒感的音色所包裹。那是一种极其纯粹的爵士乐体验，仿佛时间都被凝固在了录音棚里，乐手们的每一次呼吸、每一次鼓槌的敲击、每一个萨克斯风的颤音都清晰可闻。这套专辑的混音处理得非常出色，低音的温暖和高音的锐利达到了完美的平衡，让人不由自主地想跟着节奏轻轻摇摆。更让我惊喜的是，翻开内页，那份详尽的文字资料，不仅仅是曲目列表，更是对那个音乐流派兴盛时期的社会背景和乐手们心路历程的深入剖析。读着那些文字，我仿佛能看到烟雾缭绕的俱乐部里，人们沉醉于即兴演奏的狂热之中。整张唱片给我的感觉是厚重而又充满生命力的，它不是那种容易消化的背景音乐，而是需要你静下心来，全身心投入去聆听、去感受的艺术品。它成功地将过去的声音，用一种充满敬意的态度重新带回了现在。

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老实说，我买这张CD的时候，更多是冲着那个久负盛名的名字去的，期待能找到一些经典的、耳熟能详的曲目。然而，这张精选辑（如果可以称之为精选辑的话）却带给我一种意想不到的“惊喜”——它的曲风跨度实在太大了，简直像是一部浓缩的历史文献。从一开始那种略显实验性的、充满不和谐音的片段，到中间部分逐渐回归到更加流畅、更具旋律性的蓝调基调，最后几首曲子又莫名其妙地转向了一种近乎于前卫摇滚的节奏构建。这对于习惯了单一风格输入的听众来说，无疑是一种挑战。我得承认，我跳过了其中好几首曲子，因为它们对我来说实在太过晦涩难懂，像是某些乐手在私下里进行的、尚未完全成熟的音乐探索。不过，那些真正抓耳的段落，比如第三轨和第六轨，那种张弛有度的编排和独奏的精湛技艺，绝对是毋庸置疑的教科书级别。总的来说，它更像是一份艺术家的“工作日志”，而不是为大众市场准备的“热门精选”。

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我花了好一段时间才弄明白这张专辑的核心概念，它似乎完全脱离了传统流行音乐的结构框架，更像是一次对“节奏”本身的大胆解构与重塑。很多乐段都充斥着非传统的拍号和突然的节奏变化，听起来非常跳跃和不稳定，初听之下，甚至会让人产生“他们是不是演奏错了？”的错觉。但这恰恰是它的魅力所在，它挑战了听众习惯性的听觉预期。它没有通常意义上的“副歌”或“记忆点”，而是由一系列精心设计的、不断变化的声场纹理构成的。如果你用欣赏古典音乐或者实验艺术的眼光去看待它，或许能从中发现深层次的美学价值。我发现，每次重听，我都能捕捉到之前忽略掉的细微之处，比如某个打击乐器在背景中非常克制却又至关重要的点缀。这张唱片需要时间和耐心去“破译”，一旦你进入了它的频率，那种智力上的满足感是其他任何娱乐产品都无法比拟的。它不是为了取悦大众，而是为了拓宽音乐的可能性边界。

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当我播放这张唱片的时候，我立刻被一种强烈的叙事感所吸引。这不是那种随便放着就能听完的背景音乐，它更像是一部没有对白的电影配乐，需要听者主动去构建画面和情感。每一首歌似乎都对应着一个完整的故事场景：有深夜街头的孤独漫步，有狂热派对后的疲惫回味，甚至还有一些近乎宗教式的冥想时刻。乐手们的配合达到了心有灵犀的境界，一个乐器做出铺垫，另一个立刻接上呼应，仿佛他们在用各自的音色进行一场高智商的对话。特别是中段那段长达十五分钟的即兴段落，鼓手和贝斯手的节奏支撑稳如泰山，而领奏者的旋律线条则是在看似混乱中寻找秩序，那种张力，让人听得汗毛倒竖。这张专辑成功地捕捉到了音乐中最迷人的一面——即兴创作的不可复制性。它不是完美的录音室作品，而是现场活力的完美封存，是爵士乐精神的最好体现。

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