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出版者:湖北教育出版社

作者:

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页数:0

译者:

出版时间:2004年07月

价格:43.0

装帧:平装

isbn号码:9787535137302

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《和声的奥秘：从巴赫到德彪西的音乐之旅》 一部深入探索西方古典音乐和声演变史的恢弘之作 书籍简介： 《和声的奥秘：从巴赫到德彪西的音乐之旅》并非一本简单的音乐史概述，而是一次对西方音乐核心——和声——进行深度剖析与历史溯源的史诗性探索。本书旨在带领读者穿越时空，追溯和声语言自文艺复兴晚期萌芽，历经巴洛克时期的严谨规范，跨越古典主义的清晰结构，抵达浪漫主义的色彩斑斓，最终探究印象主义的和声革新，直至现代音乐的模糊边界。 本书的结构严谨，逻辑清晰，将复杂的音乐理论以深入浅出、富有启发性的方式呈现给音乐爱好者、专业学生乃至严肃的古典乐迷。我们不满足于罗列“谁在何时创作了什么”，而是深入探究“他们为何如此写作”，探究和声的每一次重大转变背后，所蕴含的哲学、社会和技术驱动力。 第一部分：根基的构建——从众调音乐到巴洛克的规范 本部分聚焦于西方音乐体系的基石——调性（Tonality）的确立过程。我们将从十六世纪的教会调式（Modal Music）如何逐步让位于功能和声（Functional Harmony）的兴起开始。 第三章：对位法的辉煌与和声的萌芽 详细分析帕莱斯特里那（Palestrina）对位法的纯净之美，探讨其与早期数字低音（Basso Continuo）概念的过渡关系。重点阐述四部和声的出现如何从声部交织的逻辑中解放出来，形成独立的垂直结构。 第四章：巴赫与平均律的胜利 本书认为，巴赫（J.S. Bach）的贡献不仅在于其无与伦比的对位技巧，更在于他通过《平均律键盘曲集》对十二平均律的推广和确立。我们将细致解析巴赫作品中，尤其是在他的赋格曲和清唱剧中的和声进行，如何确立了主、属、下属三和弦的统治地位，以及导音如何成为推动音乐前进的强大驱动力。此处不谈音乐会体验，而是专注于乐谱背后的结构逻辑。 第二部分：平衡与情感——古典主义的清晰与浪漫主义的扩张 随着音乐的重心从教会和宫廷转向公共音乐厅，和声的运用开始服务于更清晰的结构和更强烈的情感表达。 第七章：海顿与莫扎特的清晰布局 古典主义时期的和声追求的是透明度和比例感。本章将通过分析奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部，揭示奏鸣曲式如何成为调性展开的最佳载体。我们关注古典时期如何巧妙地使用不协和音（如七和弦、九和弦的短暂出现）来增加戏剧张力，但最终总会回到一个稳定、明确的终止式。 第十章：贝多芬的张力边缘 贝多芬（Beethoven）是连接古典与浪漫的桥梁。我们重点剖析他如何拓展传统和声的边界，例如更频繁地使用远关系调的转调（如C小调到降E大调的快速转换），以及在发展部中对和弦功能进行更长时间的模糊处理，为浪漫主义的色彩铺平道路。 第十二章：肖邦的色彩和弦与“情感的密码” 浪漫主义的浪潮席卷而来，和声不再仅仅是结构支撑，而是情感的直接表达。肖邦（Chopin）的作品被视为这一时期的典范。本书将详细解析他如何大量使用经过音、装饰性音，以及各种复杂的七和弦和九和弦，尤其是他那标志性的延留音和内声部的复杂运动，这些都极大地丰富了和声的“色彩感”，使其脱离了严格的框架。 第三部分：界限的消解——从瓦格纳到印象主义的革命 进入十九世纪后期，传统的功能和声体系开始面临前所未有的挑战。调性仿佛被拉伸到了极限，暗示着即将到来的瓦解。 第十五章：瓦格纳与“不协和音的无限期” 本书对瓦格纳（Richard Wagner）的分析将聚焦于《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”。这一和弦的模糊性和其在乐曲中迟迟不解决的特性，被视为对传统功能和声语法最猛烈的冲击。我们探讨这如何迫使听众接受和声本身的“状态”而非其“功能”，预示着调性本身的松动。 第十七章：德彪西与“垂直思维”的觉醒 印象主义音乐代表着和声发展史上的另一次范式转移。德彪西（Debussy）的创新并非是破坏调性，而是“悬置”调性。本书将深入研究他如何引入五声音阶（Pentatonic Scale）和全音阶（Whole-Tone Scale），以及他如何将和弦视为独立的“音响色块”，而非必须导向解决的工具。这是一种从“横向逻辑”转向“垂直审美”的关键转变。我们关注其和弦进行中的平行移动（Parallelism），这在功能和声体系中是被严格禁止的。 总结：和声的未来回响 本书的收尾部分将探讨德彪西之后，和声如何走向二十世纪的多元化，包括对李斯特（Liszt）晚期作品中暗示的调性模糊的处理，以及这些和声概念如何影响了后来的印象派作曲家如拉威尔（Ravel）的精妙配器。 《和声的奥秘》旨在提供一个清晰、连贯的叙事线索，展示和声作为西方音乐语言如何一步步演化，每一次突破都建立在对前人规范的深刻理解之上。它不是对某一种音乐体验的描摹，而是对音乐结构原理的学术性追溯与深度解读。读者将获得一套理解从巴赫的精确到德彪西的朦胧之间，所有伟大音乐作品背后“结构性思想”的钥匙。

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最让我感到惊喜的是，这本书在讨论音乐的“诠释”与“录音历史”方面的内容。作者没有将录音视为对原作的简单复制，而是将其视为一种独特的艺术行为。他对不同指挥家录音版本的对比分析，细致到令人发指。比如，他会比较卡拉扬在不同时期的同一部作品的录音，指出早期录音中那种追求的完美线条感与后期录音中略带的沉思与迟疑之间的微妙差异。这种对比，让我意识到，音乐的魅力很大程度上在于演奏者赋予它的生命力。书中甚至探讨了录音技术本身对音乐理解的渗透，比如早期单声道录音如何强化了中央声部的清晰度，而现代环绕声技术又如何尝试重现音乐厅的“空间感”。这种 meta-level 的讨论，极大地提升了阅读体验，让我意识到欣赏音乐不仅仅是听，更是参与到一场跨越时空的对话之中。看完后，我立刻开始翻找那些作者提到的不同版本的唱片，迫不及待地想要亲身验证这些细微的差别，这无疑是对听者最大的褒奖。

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这本书在处理关于“现代性”和“二十世纪早期”的音乐时，展现出了极高的专业性和前瞻性。作者对勋伯格“无调性”的阐释，简直是教科书级别的清晰明了。他没有用故作高深的术语来吓唬读者，而是循序渐进地解释了调性体系是如何“耗尽”的，以及作曲家们寻找新秩序的迫切需求。他用了一个非常巧妙的比喻，将无调性音乐比作在一片熟悉的星图上，突然失去了北极星的指引，而作曲家们正在努力绘制一套全新的导航系统。此外，他对斯特拉文斯基的《春之祭》的描写，不仅仅停留在“节奏的野蛮性”这个老生常谈的层面。作者细致地分析了那里复杂的拍号转换和原始的打击乐动机，如何共同营造出一种“时间被撕裂”的听感。阅读这些部分时，我感觉自己正在经历一场智力上的冒险，从熟悉的听觉舒适区被推向一个充满张力与可能性的新领域。这本书成功地架起了古典与现代之间的桥梁，让那些“听不懂”的音乐变得可以理解，甚至充满吸引力。

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坦白讲，起初我对这种探讨“宏大叙事”的音乐书籍抱有一丝警惕，担心会读到太多陈词滥调的赞美之词。但这部书的价值恰恰在于它的“批判性”和“去神秘化”的努力。作者并没有将贝多芬神化，而是将他置于一个充满挣扎和时代局限性的个体来看待。他对《英雄交响曲》的分析中，没有回避拿破仑理想的破灭对这部作品后期修改带来的影响，这种诚实的剖析，反而让人物形象更加立体可信。更让我眼前一亮的是，书中竟然花费相当篇幅去探讨了十九世纪末期，维也纳乐坛内部的保守与激进之争，以及勃拉姆斯如何在这种环境下，坚持着自己“德奥”的古典主义路线。这提供了一个极佳的社会历史背景，让我理解为什么当时的音乐听众会分裂成泾渭分明的两派。这种将音乐置于时代洪流中的解读方式，使得阅读过程充满了智力上的挑战和乐趣，它强迫你思考：音乐究竟是超脱于世俗，还是它本身就是那个时代最尖锐的社会文件？

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这本书的文笔，老实说，带有一种令人意外的、近乎散文诗般的抒情色彩。它没有采用那种学院派教科书的刻板结构，而是更像一位资深乐迷在深夜咖啡馆里，与你分享他最私密的聆听体验。作者对于浪漫主义时期作曲家的情感描绘，简直是大师级的捕捉。他谈论起肖邦时，那种笔触的细腻，仿佛指尖都能感受到象牙琴键的温度，以及那些隐忍在和弦之间的忧郁和激情。书中对柴可夫斯基《悲怆》的分析，更是直击人心。他没有过多纠缠于交响曲的曲式结构，而是聚焦于那些瞬间的情绪爆发点——比如第二乐章那近乎慵吐的圆舞曲节奏，是如何在表面上维持着优雅，内在却早已被宿命的哀伤所侵蚀。我个人最喜欢的是他分析德彪西段落的方式。他用了很多关于光影、水波和雾气的意象来描绘“印象派”的声响，这极大地拓宽了我对音乐色彩的想象力。当我再听《牧神午后前奏曲》时，我不再是听一串音符，而是真的“看到”了阳光穿过树叶的斑驳光影，那种感官上的重叠体验，非常独特且令人沉醉。

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这部作品的作者显然对古典音乐有着深厚的理解和独特的热情。书中对巴赫复调结构的精妙剖析，简直像一位经验丰富的建筑师在描绘一座宏伟的教堂。他不仅仅是罗列了那些复杂的对位法规则，而是将它们转化为一种可以被普通听众理解的语言。例如，他对赋格曲中主题的引入、模仿和发展过程的描述，让我仿佛能亲眼看到音符是如何像齿轮一样精密地咬合在一起，共同驱动整个音乐的叙事。尤其让我印象深刻的是，作者在探讨某些协奏曲时，对独奏乐器与乐队之间张力的捕捉。他没有采用那种干巴巴的“华彩乐段”分析，而是细腻地描绘了独奏者如何在一片宏大的背景下挣扎、呐喊，最终又如何与整体融为一体，完成一次情感上的升华。读完这些章节，再去聆听勃拉姆斯的任何一部交响曲，都能立刻感受到其中蕴含的逻辑与诗意，不再是简单的旋律堆砌，而是一场精心编排的哲学思辨。这不仅仅是一本入门指南，更像是一把钥匙，能开启通往古典音乐殿堂深处的大门。我惊喜地发现，那些过去只觉得“宏大”或“复杂”的乐章，现在都有了清晰的脉络可以追循。

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