书画（上下全彩版） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南美术出版社

作者:易兴宏 编

出品人:

页数:340

译者:

出版时间:2005-4

价格:198.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787535622211

丛书系列:

图书标签:

• 书画
• 艺术史
• 绘画
• 书法
• 中国艺术
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• 技法
• 全彩图书

艺海撷英：中国古代绘画与书法鉴赏导览 本书是一部系统梳理和深入解读中国古代绘画与书法艺术的综合性著作。它旨在为艺术爱好者、专业研究者以及渴望提升审美鉴赏能力的读者，提供一个全面而精到的认知框架与实践指南。全书内容丰富，结构严谨，力求在宏观历史脉络与微观艺术技法之间搭建起坚实的桥梁。 卷一：墨韵流芳——中国书法艺术的演进与精髓 第一章：文字的诞生与书体的肇始 本章追溯了汉字从甲骨文、金文的萌芽阶段，直至秦朝小篆、隶书的确立历程。重点分析了不同历史时期书写工具（如竹简、木牍、帛书）对字体结构和线条质感产生的根本性影响。我们详细探讨了隶书“蚕头燕尾”的结构美学，它如何标志着中国书法从实用性文字向独立艺术形式过渡的关键一步。 第二章：楷书的定型与楷则的建立 楷书，作为最能体现汉字规范美的字体，是本章的核心。我们深入研究了魏晋南北朝时期楷书的多元面貌，如钟繇的古朴、欧阳询的险劲、虞世南的温润、褚遂良的秀逸。随后，重点剖析了唐代楷书的巅峰——“颜欧柳赵”四家，解析了颜真卿“雄浑博大”的书风如何融入对儒家气节的表达，以及柳公权“颜筋柳骨”中蕴含的结构学原理。本章辅以大量的碑帖拓本细节图，指导读者辨识笔画的提按顿挫与结体的呼应关系。 第三章：行草的自由与情感的抒发 本章聚焦于中国书法中最具生命力和表现力的行书与草书。行书被视为“写字与写画之间的桥梁”，我们梳理了王羲之《兰亭集序》中“一字千金”的自然流美，以及其后历代行书大家如苏轼、黄庭坚、米芾在笔法和章法上所进行的创新与突破。 草书部分，我们首先区分了章草、今草和狂草的差异。重点讲解了张旭“颠张”与怀素“醉素”如何将笔意推向极致，探讨了狂草中点画的“飞白”效果与“气”的运行规律。通过对古人“学书贵在‘得心应手’”的论述，引导读者理解书法创作中“意”高于“形”的艺术哲学。 第四章：篆隶的复兴与书法的碑帖之争 明清以降，书坛出现了对汉魏碑刻的重新发掘与推崇。本章分析了清代碑学兴起对帖学的冲击。我们详述了邓石如、吴昌硕等人在篆书、隶书领域如何吸收金石入书，赋予传统字体以新的生命力。同时，也探讨了篆刻艺术中“刀法入笔法”的互相影响，揭示了篆隶对现代书家在体势构造上的深刻启示。 --- 卷二：丹青妙境——中国绘画的流派与意境 第五章：山水画的源流与“以形写神” 中国绘画的灵魂在于山水。本章从东晋顾恺之“以形写神”的理论出发，追溯了六朝时期人物画对自然景物的初步关注。重点解析了唐代李思训的青绿山水与王维的水墨山水开创的南北二宗。 随后，我们进入宋代的成熟期，深入剖析了董源、巨然的“披麻皲”法，及其如何奠定了元代文人山水画的基础。本章特别关注“意境”的塑造，讲解了中国山水画如何不是对自然景物的客观摹写，而是画家“胸中丘壑”的外化表现。 第六章：文人画的兴起与“格调”的追求 元代，“文人画”理论的成熟是绘画史上的里程碑。本章详细阐述了“士人”身份对绘画创作的影响。以“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）为核心，分析了他们如何追求笔墨的内在趣味，强调“写意”胜于“写形”。我们阐释了倪瓒“一丘一壑，淡无人色”的极简主义美学，以及黄公望《富春山居图》中蕴含的浑厚笔墨语言。 第七章：明清绘画的地域性与多元探索 明代绘画呈现出地域和流派的显著分化。本章梳理了“浙派”的院体遗风与“吴门画派”（沈周、文徵明、唐寅、仇英）的文人化倾向。重点讲解了董其昌提出的“南北宗论”及其对后世画坛的深远影响。 进入清代，以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为代表的正统派如何继承与整合前代技法，形成了注重“笔墨结构”的典范。同时，我们也不忽视“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）的叛逆精神，特别是石涛“我自发我胸臆”的革新意识，如何预示了近代绘画的转向。 第八章：花鸟画的写实与写意之辩 本章系统介绍中国花鸟画的发展脉络。从唐代边鸾的工笔富丽，到五代两宋黄荃一派的“黄家富贵”，展示了院体花鸟的精致与细腻。随后，我们转向文人花鸟画的成熟，分析了宋徽宗瘦金体的入画技巧，以及后世陈道复、徐渭在写意花鸟中融入的书法笔意和个人情感的表达。八大山人“孤鸟”“怪石”中所寄托的哲学思辨，也将在本章得到深入剖析。 --- 结语：传统艺术的当代回响 本书最后一部分总结了中国古代绘画与书法在“诗、书、画、印”四位一体的艺术格局下，是如何共同构建起独特的东方审美体系。我们强调，理解这些艺术的精髓，不仅是对历史的追溯，更是对当代创作者在精神气质和笔墨语言上寻求突破的有力支撑。本书力求以严谨的学术态度，结合清晰的图解和直观的对比分析，引导读者真正领略东方艺术的博大精深与无穷魅力。

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我得承认，这本书的深度和广度超出了我最初的预期，但这也带来了一点“消化不良”的副作用。它似乎试图涵盖中国书画史的方方面面，从魏晋风骨到宋元雅致，再到明清流变，几乎没有放过任何一个重要的流派和代表人物。对于一个初学者来说，这种信息的密集轰炸确实有点让人望而生畏。我常常需要停下来，翻阅一些辅助资料，才能勉强跟上作者的论述节奏。不过，一旦我沉下心来，开始细品那些文字分析时，又会豁然开朗。作者在解读作品时，不仅仅停留于技法层面，更深入地探讨了作品背后的时代精神和社会背景，这使得那些冰冷的画作一下子变得有血有肉，有了鲜活的历史温度。这种跨学科的视角，让阅读过程充满了探索的乐趣，尽管有时候需要我付出额外的努力去理解那些晦涩的术语和典故。

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坦率地说，作为一名普通读者，我发现在阅读过程中，我对某些篇章的理解深度还是有所欠缺，这更多地反映了我自身知识储备的不足，而非书籍本身的缺陷。尤其是关于一些冷门地域画派或者非主流文人艺术家的介绍部分，内容显得异常扎实，学术性极强，我感觉自己像是在啃一块硬骨头。虽然这些内容对于专家学者来说或许是精华所在，但对于我这种想系统性了解并欣赏艺术的爱好者来说，阅读起来略显吃力，我不得不承认自己跳过了部分过于专业的段落。然而，这本书的价值恰恰在于其兼顾了学术的严谨性和大众的可读性，即便是略过那些深奥的部分，基础的知识体系也已经搭建得非常牢固了。它像一座巨大的宝库，既有金银珠宝，也有朴实无华的基石，总有一部分能被不同层次的求知者所获取。

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天哪，终于把这套《书画（上下全彩版）》读完了，心情真是五味杂陈，与其说是读完，不如说是经历了一场视觉和精神的洗礼。这本书的装帧设计本身就透露着一种典雅的气质，纸张的质感摸上去非常舒服，拿在手里沉甸甸的，让人感觉这是一件值得珍藏的艺术品。刚翻开第一册时，我就被那些高清的彩色印刷震撼到了，无论是古代名家的水墨丹青，还是精妙绝伦的工笔重彩，每一个细节都展现得淋漓尽致，仿佛能透过纸面感受到墨汁在宣纸上洇开的韵味，或者颜料的细腻笔触。尤其是一些局部放大图，简直是艺术史研究的宝贵资料，让我这个业余爱好者都能清晰地观察到笔锋的力度变化和线条的提按顿挫。虽然我不是专业的艺术评论家，但光凭这视觉冲击力，这本书就值回票价了。它不仅仅是图册的堆砌，更像是一部凝结了中华数千年审美精华的百科全书，让人对“美”有了更深层次的理解。

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这套书的排版布局真是体现了匠心独运。它巧妙地将宏大的历史叙事与具体的作品赏析结合起来，每一章节的过渡都处理得非常自然流畅。比如，在讨论到某个书家独特的用笔习惯时，紧接着就会配上几幅他不同时期的代表作进行对比展示，这种图文并茂的编排方式，极大地提升了阅读体验的效率和趣味性。我特别欣赏它对“意境”二字的探讨，不同于市面上很多只重技巧的书籍，这套《书画（上下全彩版）》似乎更关注中国艺术中那种“言有尽而意无穷”的东方哲学。读着读着，我就感觉自己的心境也慢慢沉静了下来，仿佛真的进入了古人笔下的山水之间，体验那种超然物外、与自然合一的境界。这种对精神层面的引导，是任何冷冰冰的学术著作都无法比拟的。

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购买这套书之前，我对比了市面上好几家出版社的类似主题读物，最终决定选择这套“上下全彩版”，主要是冲着它的“全彩”二字去的。事实证明，这个决定是无比正确的。色彩的还原度极高，很多我以为只能在博物馆里才能近距离欣赏的唐宋绢本设色画，在这本书里呈现出的光泽感和层次感，几乎可以以假乱真。这对于理解古代画家如何运用矿物颜料和植物染料，实现不同的视觉效果至关重要。它让我意识到，书画艺术远非黑白水墨那么简单，其中蕴含着对色彩哲学的深刻理解。总而言之，这是一套值得所有对中国传统艺术抱有敬意和好奇心的人士必备的案头书，它不仅提供了知识，更提供了一种欣赏世界的方式，一次穿越时空的对话，感觉自己通过它，与那些伟大的灵魂进行了无声的交流。

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