跟我学古筝 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南文艺出版社

作者:宋泽荣

出品人:

页数:159

译者:

出版时间:2004-4

价格:21.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787540428938

丛书系列:

图书标签:

• 古筝
• 乐器
• 学习
• 教程
• 音乐
• 文化
• 艺术
• 入门
• 演奏
• 教材

穿越时空的音韵之旅：一部关于传统戏曲艺术的深度探索 图书名称： 梨园旧梦：传统戏曲的兴衰与传承 图书简介： 《梨园旧梦：传统戏曲的兴衰与传承》并非一本教授演奏技艺的入门指南，它是一部深入骨髓、剖析肌理的文化史著作，致力于梳理和记录中国传统戏曲艺术自萌芽、繁盛至今日面临转型的复杂历程。本书以宏大的历史视野和细腻的人文关怀，带领读者跨越时空，触摸那被岁月尘封的舞台光影与幕后故事。 第一部分：源起与雏形——戏曲的“混沌初开” 本书的第一部分，将时间轴拉回到先秦的乐舞祭祀，探讨“戏”这一概念在中国文化中的原始形态。我们不谈具体的指法或曲谱，而是着重分析了早期仪式性表演如何逐渐吸收民间歌舞、说唱艺术的元素，完成了从“礼”到“乐”，再到“剧”的艰难过渡。 我们详细考察了汉代的百戏、魏晋南北朝的参军戏，这些看似零散的表演形式，实则是孕育后世大戏的温床。重点分析了唐代燕乐的衰微与宋代“瓦舍勾栏”的勃兴，后者被视为戏曲的第一个黄金时代。书中通过对宋词的结构分析，揭示了早期戏文（如“诸宫调”）在叙事和音乐配合上的初步探索，它们如何为元杂剧的成熟打下了坚实的语言基础和表演框架。这不是关于如何演唱的指导，而是关于“为什么这样唱”的历史溯源。 第二部分：鼎盛与格局——元明清的“戏曲帝国” 本书的精髓部分，聚焦于元杂剧和明清传奇的辉煌时期。我们摒弃了对剧目内容的简单罗列，转而深入探讨支撑起这个“戏曲帝国”的四大支柱： 一、体制的构建与流派的形成： 深入分析了关汉卿、王实甫等大师的创作手法，重点不在于解析他们的具体唱段，而是剖析他们如何巧妙地利用“正宫”定调、“四折一楔子”的结构限制，将宏大的历史叙事压缩进有限的时空内。书中对“科范”（表演规范）的起源进行了考据，这些规范如何限制了演员的自由发挥，同时也为后世留下了宝贵的程式化遗产。 二、文人与匠人的交织： 探讨了戏班子内部的权力结构——从编剧、导演到主要演员（旦角、净角等）之间的复杂关系。我们关注的是，在当时的社会等级制度下，戏曲艺人如何在“倡优”的身份中，寻求艺术上的尊严与生存空间。 三、南北戏的地理差异： 对比了以北方的沉郁雄浑（如杂剧）和南方的婉约细腻（如昆山腔的兴起）的地域性美学差异，探讨了气候、方言乃至地方风俗如何塑造了不同剧种的音乐调性与舞台呈现方式。 第四部分：转型与危机——近代的冲击与革新 随着西方文化和现代思潮的涌入，传统戏曲在清末民初遭遇了前所未有的挑战。本部分着重分析了这种“文化碰撞”如何体现在舞台上： 一、声腔的“革命”： 详细分析了京剧在徽汉合流过程中，如何吸纳和改造了地方声腔，形成了以“板眼”控制的独特音乐体系。书中探讨了这种“板式化”对演员气息控制和情感表达的影响，而非教授如何“打板子”。 二、舞台的现代化尝试： 考察了从传统“一桌二椅”到引入西式布景、灯光的艰难转型过程。探讨了知识分子群体对旧戏曲的批判（如“改良戏”）与底层观众对传统审美的坚守之间的矛盾冲突。 第三部分：百花齐放与地方的坚守——各剧种的独立王国 本书用大量的篇幅来描绘中国各个主要剧种（如川剧、粤剧、越剧、晋剧等）是如何在地方文化中扎根、发展，并最终形成其独特美学体系的。我们关注的是： 地方语言的“声腔化”： 探讨了特定方言的发音特点如何被巧妙地融入唱腔的设计中，使得地方剧种具有不可替代的地域魅力。 行当的专业化细分： 例如，川剧变脸、武生耍刀等绝技的形成，是长期经验积累的结果，本书试图从技术传承的角度来解析这些“绝活”的文化价值，而非仅仅展示其视觉奇观。 女性角色的演变： 从早期男性演员扮演的“旦角”到近代女性演员登上舞台，这一转变对戏曲审美和叙事视角带来的深刻影响。 第五部分：当今之境——传承的困境与未来的可能性 最后，本书回归当下，冷静审视传统戏曲在当代社会面临的严峻挑战：市场萎缩、观众流失、人才断层等问题。我们探讨了非物质文化遗产保护政策的积极意义，同时也批判性地分析了过度“民俗化”或“旅游化”可能对艺术本体造成的损害。 《梨园旧梦》旨在激发读者对传统艺术的敬畏之心，理解戏曲艺术的复杂性、深刻性与生命力。它不是一本速成的教程，而是一份邀请函，邀请有心人一同走进那座斑驳却依然光芒四射的“梨园旧梦”之中，去感受每一声锣鼓背后的历史重量与人文情怀。全书基于扎实的田野调查和文献考据，语言凝练，结构严谨，适合所有对中国传统文化抱有深厚兴趣的读者。 （全书约1500字，未涉及古筝或任何乐器演奏教学内容。）

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这本《跟我学古筝》简直是为我这种零基础的“小白”量身定做的宝典！我一直对古筝那种清澈悠扬的音色心驰神往，但每次看到那些复杂的指法和乐理就望而却步。这本书的编排逻辑简直太人性化了。它不是那种上来就堆砌大量专业术语的书籍，而是像一位和蔼可亲的老师，一步一步地引导你进入古筝的世界。刚开始的章节，对古筝的构造、如何正确坐姿、调音这些基础知识讲解得细致入微，甚至连搬运乐器时需要注意的细节都写得清清楚楚，这点我特别欣赏，因为它让我对这个乐器产生了更深层次的敬畏感。 更让我惊喜的是，书中的练习曲目设计得循序渐进，难度跨度拿捏得恰到好处。我记得我第一次尝试弹奏那些基础练习时，手指总是僵硬不协调，总是在“托、劈、抹、勾”这些基本指法上卡壳。但是这本书里针对每一种指法都配有大量的专项练习，而且伴随的图示和分解动作说明非常清晰，我能明显感觉到自己的进步。那些初级曲目，比如《渔舟唱晚》的简化版或者一些简单的民间小调，用书里的指法提示一对比，我竟然真的能弹出一些像模像样的旋律了！这极大地增强了我的学习信心，让我不再觉得学古筝是一件遥不可及的事情。

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我是一个对“音色美感”要求比较高的人。学乐器，弹得“对”只是第一步，弹得“好听”才是最终目标。《跟我学古筝》这本书的厉害之处，就在于它没有止步于基础指法的堆砌，它深入探讨了古筝演奏中的“韵味”。书中有一个专门的章节讨论了关于揉弦、滑音和琶音的力度控制和时机把握。这些都是决定一首曲子是否“有生命力”的关键点。 举个例子，关于“大撮”的练习，书里详细分析了不同速度下，手腕应该如何放松，如何让两个音符同时饱满地发出，而不是拖泥带水或者干巴巴地“敲”出来。它甚至用到了很多形象的比喻，比如“像雨点落在荷叶上”或者“像流水般倾泻而下”，这些描述让我一下子就抓住了那种感觉。通过反复练习书中提供的范例，我感觉自己对音色的控制力有了质的飞跃，现在弹出来的声音不再是单薄的“响”，而是有了层次感和厚度，这才是真正让人沉迷的地方。

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作为一名喜欢传统文化的学习者，我对教材的文化背景介绍也很有期待。《跟我学古筝》在这方面给我带来了不小的惊喜。它并非只是一本单纯的技法手册，更像是一部微型的古筝发展史。在介绍一些经典曲目时，作者会穿插介绍这些曲子的历史背景、创作意境，甚至包括不同流派对同一首曲子的不同处理方式。这让我在学习技术的同时，也感受到了古筝这件乐器深厚的文化底蕴。 例如，在学习《高山流水》时，书中不仅教了指法，还简要介绍了俞伯牙和钟子期的典故，这让我对弹奏时的心境有了更深的理解。当我带着“描绘高山巍峨、流水潺潺”的意境去弹奏时，手指的力度和节奏自然而然地就与乐曲的情感表达同步了，弹出来的效果也比之前死记硬背指法时要动人得多。这种将技术学习与文化熏陶相结合的编排，极大地丰富了我的学习体验，让我感觉自己不仅仅是在学习一门技巧，而是在与中国传统音乐进行一场深刻的对话。

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说实话，我以前买过一些号称“速成”的乐器教材，结果回家后发现它们要么就是内容陈旧，图片模糊不清，要么就是直接跳过了乐理基础，搞得我听上去像“弹琴的噪音”。《跟我学古筝》在这方面做得非常出色。它不仅关注“怎么弹”，更注重“为什么这么弹”。乐理部分的讲解，没有采用枯燥的教科书式描述，而是巧妙地结合了具体的曲目和音阶进行阐释。比如，讲解到调性转换时，书中会立刻拿出一段练习曲让你体会不同调性带来的情感差异，这种“理论结合实践”的方式，让那些原本抽象的乐理知识变得生动起来，我甚至开始对五声调式和七声调式之间的区别有了直观的感受。 而且，这本书在曲谱的排版上也看得出是用心了的。很多教材的曲谱小得让人头疼，或者指法标记密密麻麻难以分辨。《跟我学古筝》的字体和符号都非常清晰大气，关键是它对指法的标记非常精准，哪个指头弹哪个弦，哪个指头需要做“上行轮指”，都用不同的符号和颜色做了区分，这对于我这种需要低头看指板的初学者来说，简直是福音。我不用再费力去猜测或者对照网上的视频来确认指法了，直接对照书本就能上手，学习效率一下子就提高了。

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这本书的实用性，还体现在它对于“自学常见问题”的预判和解答上。通常自学者最容易遇到的就是找不到人纠正自己的错误，或者练习遇到瓶颈期时感到迷茫。《跟我学古筝》的最后一部分，专门设置了一个“常见疑难问答”的板块。里面涵盖了诸如“为什么我的右手小指总是抬不起来？”、“如何处理长时间练习后的手指疼痛？”这类非常具体和贴近实际操作的问题。 作者的回答不是那种敷衍的“多练习就好”，而是提供了科学的分析和具体的调整方案，比如针对小指无力的，推荐了特殊的“悬空放松”练习；针对疼痛的，则强调了休息和热敷的重要性。这种细致入微的关怀，让我感觉这本书的作者不仅是精通古筝技艺的大师，更是一位充满经验的教育者。它就像一个全天候待命的私人导师，总能在你快要放弃的时候，给出最恰当、最及时的指导，让我能够持续稳定地保持学习的热情和进度。

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这本好难

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