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出版者:广西美术出版社

作者:王维新

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-09-01

价格:8.8

装帧:

isbn号码:9787806252932

丛书系列:

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• 铜版画
• 绘画
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• 版画
• 艺术创作
• 绘画技巧

好的，这是一本关于西方古典音乐欣赏与鉴赏的图书的详细简介，旨在引导读者进入一个宏大而迷人的听觉世界，完全避开铜版画相关内容。 --- 乐章的回响：西方古典音乐的世纪之旅与深度聆听指南 导言：开启通往永恒旋律的钥匙 你是否曾被一段旋律深深打动，却不知其背后的历史脉络与情感张力？你是否渴望不再只是“听”音乐，而是真正“理解”音乐的呼吸、结构与灵魂？ 《乐章的回响：西方古典音乐的世纪之旅与深度聆听指南》并非一本枯燥的音乐史教科书，而是一份邀请函，邀请每一位渴望提升生活品味、拓展精神疆域的读者，跨越时空，与巴赫、莫扎特、贝多芬、马勒等音乐巨匠进行一次深入而真诚的对话。 本书旨在为古典音乐初学者提供清晰的入门路径，同时为有一定基础的爱好者提供更精深的鉴赏视角。我们相信，音乐的魅力不仅在于其悦耳，更在于其所承载的人类文明的精华与哲思。 第一部：溯源与奠基——中世纪到巴洛克（约 450 年 – 1750 年） 这一部分将带领读者回到西方音乐的源头，理解西方音乐如何从单一的宗教咏叹发展为结构严谨的艺术形式。 1. 奠基石：中世纪的圣歌与早期复调的萌芽 我们将探讨格里高利圣咏如何塑造了西方音乐的音高观念，以及奥尔加农等早期复调技巧如何为和声的诞生铺平道路。理解“模态”（Mode）而非“调性”（Tonality）在这一时期的统治地位，是进入古典音乐世界的第一把钥匙。 2. 盛世的辉煌：巴洛克（Baroque）的结构之美 巴洛克时期，是音乐理性与情感张力达到极致平衡的时代。本章将重点解析巴洛克音乐的三大核心特征：对位法、数字低音（Basso Continuo）以及情感理论（Doctrine of Affections）。 键盘的革命： 深入剖析巴赫（J.S. Bach）的《平均律钢琴曲集》，解释“平均律”的意义，以及赋格（Fugue）这一精妙的音乐建筑如何通过主题的模仿与再现来构建宏伟的听觉景观。 歌剧的诞生与发展： 从蒙特威尔第（Monteverdi）对人声戏剧性的开创，到亨德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio）如何将宗教叙事提升到歌剧般辉煌的舞台。 协奏曲的雏形： 维瓦尔第（Vivaldi）的《四季》是如何通过独奏乐器与乐队的对比，开创了协奏曲的范式，并体现了对自然场景的细腻描摹。 第二部：理性与情感的对话——古典主义时期（约 1750 年 – 1820 年） 古典主义是对巴洛克繁复装饰的反叛，追求清晰、平衡、和谐的“自然美学”。 3. 结构至上：奏鸣曲式的解密 本章将系统性地拆解奏鸣曲式（Sonata Form）的三个基本部分——呈示部、发展部、再现部。我们将通过海顿（Haydn）的“交响曲之父”的身份，观察奏鸣曲式如何在交响乐、室内乐和奏鸣曲中被确立为核心框架。 4. 莫扎特的澄澈心灵 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）的音乐是古典主义的完美体现。本书将聚焦于其歌剧的革新，如《费加罗的婚礼》中对社会阶层与人性细腻的刻画，以及他晚期交响曲中那种“看似简单，实则深不可测”的旋律构造。 5. 贝多芬的桥梁作用：从古典到浪漫的跨越 路德维希·凡·贝多芬（L.v. Beethoven）是古典音乐史上承前启后的巨人。我们将分析他如何从继承海顿的衣钵（如早期的奏鸣曲）逐步发展出独特的个人风格，尤其关注其“英雄式”的戏剧冲突（如第三号“英雄”交响曲），以及他如何拓展了传统乐章的长度和情感深度，为浪漫主义埋下伏笔。 第三部：情感的奔放与个体精神的颂扬——浪漫主义时期（约 1820 年 – 1910 年） 浪漫主义音乐的核心是“自我表达”与“无限向往”。音乐不再仅仅是形式的完美，而是内心世界的投射。 6. 诗意的旋律与英雄的史诗 艺术歌曲的黄金时代： 深入舒伯特（Schubert）与舒曼（Schumann）的艺术歌曲（Lied），理解钢琴伴奏如何不再是简单的和声支撑，而是与人声共同叙事的“第二位歌者”。 标题音乐的兴起： 探究李斯特（Liszt）的“交响诗”（Symphonic Poem）如何通过一首乐曲讲述一个完整的故事或描绘一幅画面，以及柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》中“主导动机”（Idée fixe）的运用。 民族主义的色彩： 考察德沃夏克（Dvořák）和柴可夫斯基（Tchaikovsky）如何将本民族的民间音乐元素融入宏大的交响结构中，创造出既具有普世性又饱含地域风情的作品。 7. 晚期浪漫主义的庞大叙事与迷惘 随着时代发展，音乐变得愈发宏大、和声变得愈发复杂。本章分析瓦格纳（Wagner）的“主导动机”理论在歌剧中的革命性应用，以及马勒（Mahler）的交响曲如何成为探讨生命、死亡与宇宙哲思的巨大载体。我们将学习如何聆听马勒作品中那近乎“百科全书式”的复杂配器与瞬间的寂静。 第四部：解析与欣赏——如何进行有效聆听 本书的实践部分旨在提供具体的听觉训练工具。 8. 听觉训练：从噪音到音乐的转变 我们不教你如何演奏，而是教你如何“捕捉”。本章提供一系列针对不同时期的聆听练习： 辨识乐器组： 如何区分弦乐组、木管组、铜管组以及打击乐组的音色特点，以及它们在交响乐中的功能。 追踪旋律线： 学习如何在复杂的对位或管弦乐织体中，快速锁定主要旋律的走向。 理解和声色彩： 区分大调（明朗）、小调（忧郁）以及不协和音程带来的紧张感，理解和声进行如何推动情感发展。 9. 走进音乐厅的礼仪与准备 为初次踏入音乐厅的读者提供实用指南，包括曲目单的阅读方法、乐章间休息的意义、以及如何调整心态以获得最佳的现场聆听体验。 结语：古典音乐的现代意义 在喧嚣的数字时代，古典音乐如何继续滋养我们的精神？本书最后将探讨 20 世纪至今的音乐发展（如印象主义、新古典主义等对早期传统的继承与颠覆），并鼓励读者将古典音乐融入日常生活，将其视为一种应对现代焦虑的“精神庇护所”。 --- 读者对象： 渴望系统了解西方古典音乐历史、结构和欣赏方法的音乐爱好者、文化探索者，以及所有希望将“背景音”提升为“主动体验”的听众。 本书特点： 结构清晰、语言流畅、案例丰富，避开晦涩的乐理术语，专注于音乐背后的情感逻辑与结构美学。通过本书，您将不仅能叫出作曲家的名字，更能听懂他们用音符写下的宏大故事。

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这本书的排版和装帧设计，本身就是一种艺术体验。虽然我购买的是电子版，但那种对视觉效果的重视程度依然可以感受到。图文搭配得体，那些精选的铜版画作品图片，即便是通过屏幕观看，其细节的锐利度和层次感的丰富度也令人赞叹。很多步骤图的拍摄角度都非常专业，清晰地展示了工具与材料接触的微观瞬间，例如酸液滴落在金属表面的反应速度，或是刮刀刮除飞尘时的精确路径。这些视觉辅助，极大地弥补了纯文字描述的不足。我个人非常欣赏作者在讲解腐蚀过程时所使用的类比，他将化学反应比喻成一场精心编排的戏剧，每个角色（酸、时间、温度）都有其登场时机和作用，这使得原本枯燥的化学知识变得生动有趣，易于记忆。总而言之，这是一本在技术指导与美学熏陶之间找到了完美平衡点的实用手册。

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我是一名在校的美术系学生，主修版画方向，对于各类技法理论书籍的阅读量不小，但坦白说，很多教程读起来总感觉少了点“烟火气”。这本书的独到之处在于它对“过程美学”的深入探讨。它不仅仅关注最终成品是否完美，更着重于艺术家在创作过程中所经历的心流状态和对材料的敏感度培养。书中关于如何通过调整压痕深度来控制画面灰调的章节，简直是醍醐灌顶。我过去常常陷入对“完美”的执念，导致画面僵硬，而作者强调的“每一次落刀都是对材料的一次对话”，让我学会了如何与铜板进行更自由的交流，接受材料可能带来的“意外惊喜”。此外，对于工作室的安全与环境维护部分的论述也极其到位，这些细节往往是教科书里一带而过的内容，但对于长期创作者来说至关重要。作者在行文间流露出对传统工艺的敬畏和对创作者切身困境的理解，使得整本书读起来像是一场深入的心灵对话，而非单向的知识灌输。

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购买这本书之前，我主要是在网上论坛和零散的博客文章中学习铜版画知识，信息碎片化且良莠不齐，很多操作细节的差异常常导致结果大相径庭。这本书最大的贡献在于它提供了一套系统化、经过实践检验的“标准流程”。它清晰地界定了什么是最佳实践，什么是非必要的弯路。例如，在处理铜板的脱脂和清洁环节，书中列举了至少三种被公认为有效的清洁剂配方，并详细分析了它们各自对不同厚度铜板的适应性，这种严谨度是我在其他地方未曾见过的。更重要的是，作者在讲解“平版腐蚀”和“雕刻腐蚀”时，对两者的哲学差异也有所阐述，这帮助我明确了我的创作意图更偏向于哪种表达方式。阅读完这本书后，我感觉自己不再是“摸着石头过河”，而是有了一份可靠的航海图，能够自信地驶入铜版画这片深邃的海域。它不仅仅是一本工具书，更像是一个值得信赖的导师。

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这本关于铜版画的指南，简直是为我这种对传统艺术形式心生向往却又不知从何下手的“小白”量身定做的。我一直对那种精细的线条和独特的肌理效果感到着迷，但市面上那些晦涩难懂的专业书籍总让我望而却步。然而，这本书的叙事方式异常亲切，它没有一上来就抛出一堆复杂的化学术语和设备名称，而是像一位经验丰富的老匠人，耐心地拉着你的手，从最基础的工具识别开始讲起。作者的文字功底非常扎实，描述画面效果时，那种生动的比喻，仿佛能让人隔着纸张闻到油墨的味道，看到版面被压印时产生的力度感。尤其让我印象深刻的是，书中对不同腐蚀剂性质和反应时间差异的讲解，它不是简单地罗列数据，而是结合了实际操作中的“失败案例”进行分析，让我提前预知了哪些步骤容易出错，并提供了具体的补救措施。这种“经验传授”的模式，极大地降低了我对这个领域产生畏惧的心理门槛。读完前几章，我已经迫不及待地想要清理出一块工作台，准备尝试制作我的第一个简单的线刻版了，那种跃跃欲试的感觉，是很多理论书籍无法给予的。

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作为一个业余的版画爱好者，我更侧重于探索铜版画在当代艺术语境下的应用，特别是如何将这种古典技法融入到混合媒介的创作中。这本书在这方面展现了令人惊喜的广度和深度。它并没有将铜版画局限在传统的黑白印制上，而是花了相当大的篇幅去探讨如何进行色彩的叠加、如何巧妙地运用脱墨技术来增加画面的层次感，甚至提到了如何将数码输出的图像与手工腐蚀的版面进行复合处理。书中收录的那些当代艺术家的案例分析，非常具有启发性，它们打破了我原有的思维定势，让我意识到铜版画的潜力远超我的想象。特别是关于如何通过选择不同的纸张纹理和湿度来影响最终墨色的渗透和扩散效果的详尽描述，对于追求个性化视觉语言的我来说，提供了无数新的实验方向。这本书的价值在于，它不仅教会了你“如何做”，更激发了你去思考“可以怎样做”。

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