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出版者:中国青年出版社

作者:王序

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-11-01

价格:68.00元

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isbn号码:9787500636779

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穿越百年的光影：二十世纪西方摄影艺术的流变与大师的足迹 （本书并非关于“日本设计中心有限公司”的任何资料汇编，而是一部深入剖析二十世纪西方摄影艺术发展脉络的专业著作。） 本书旨在为读者构建一幅宏大而精微的二十世纪西方摄影艺术发展全景图。我们不再关注商业机构的运作或特定地域的设计实践，而是将目光投向镜头这一“观察世界的媒介”如何从单纯的记录工具，蜕变为具有独立审美价值和深刻社会批判力量的艺术形式。本书以时间为轴，以流派变迁为骨架，深入探讨了影响西方摄影艺术走向的关键人物、核心思潮及其代表作品。 第一部：现代主义的黎明与探索（1900-1930年代） 二十世纪伊始，摄影艺术仍在努力挣脱绘画的依附，寻求自身的独立语言。这一阶段的探索充满了矛盾与活力。 1. 绘画主义的黄昏与“纯粹摄影”的呼唤 本书首先回顾了20世纪初期“绘画主义”（Pictorialism）的鼎盛与衰落。以阿尔弗雷德·斯蒂格里茨（Alfred Stieglitz）早期为代表的摄影家们，试图通过柔焦、多重曝光等技术模仿油画的质感，以证明摄影的艺术地位。然而，这种模仿最终走向了僵化。 随后，我们重点分析了“纯粹摄影”（Straight Photography）的兴起。斯蒂格里茨在“291画廊”的实践，以及保罗·斯特兰德（Paul Strand）锐利、清晰的特写，标志着摄影开始拥抱其自身的本质——对光影、纹理和清晰度的极致追求。书中详细剖析了斯特兰德如何通过对日常物品的局部放大，揭示出形式的抽象美。 2. 达达、超现实主义与摄影的颠覆性应用 一战的创伤催生了对既有社会秩序的深刻怀疑，达达主义（Dadaism）和超现实主义（Surrealism）将摄影推向了非理性的领域。本书专门开辟章节，探讨了曼·雷（Man Ray）的“日光照片”（Rayograph）和摄影拼贴的革命性意义。这些技术不再是再现现实，而是通过偶然性、梦境的逻辑和对日常对象的解构，探索潜意识和非逻辑的美学。我们细致辨析了布勒东对摄影“客观魔力”的理论化过程。 3. 新客观性与功能主义的回归 与此同时，欧洲大陆的“新客观性”（New Objectivity）思潮，则以一种冷静、近乎科学的态度重返现实。德国摄影家如奥古斯特·桑德（August Sander）的“德国人民肖像”系列，试图以分类学的方式记录社会阶层和职业特征，展现了早期社会学摄影的严谨性。这一时期的作品，简洁、精确，为后来的新闻摄影和纪实摄影奠定了基础。 第二部：纪实的力量与媒介的成熟（1930-1950年代） 大萧条和二战极大地凸显了摄影作为社会文献和舆论工具的巨大潜力。这一阶段，纪实摄影达到了其艺术与社会影响力的巅峰。 1. 法国的人道主义与“决定性瞬间”的酝酿 本书详述了1930年代法国摄影家（如布拉塞、卡蒂埃-布雷松的早期导师们）所倡导的人道主义立场。他们关注普通人在社会变迁中的挣扎与尊严，强调瞬间情感的捕捉。我们深入分析了亨利·卡蒂埃-布雷松（Henri Cartier-Bresson）对“决定性瞬间”（The Decisive Moment）的哲学阐释，即如何通过精确的预见和构图，将时间、空间和情感融为一体的摄影哲学。 2. 美国大萧条与FSA的遗产 在美国，联邦农业安全局（FSA）的纪实项目是理解美国社会史的关键。多萝西娅·兰格（Dorothea Lange）的《移民母亲》等作品，如何通过精心选择的场景和人物，不仅记录了贫困，更引发了全国性的同情与政策反思。本书将对比分析兰格的富有情感的叙事手法与沃克·埃文斯（Walker Evans）的冷静、近乎人类学式的记录风格，探讨两者在“社会真相”表达上的差异。 3. 战后的新现实主义与玛格南图片社的崛起 二战结束后，摄影界开始反思战争对人类精神的冲击。玛格南图片社的建立，标志着摄影师开始争取对其作品版权和编辑自主权的努力。这一时期的摄影更加强调摄影师的主观介入和长篇故事的叙述能力。 第三部：艺术的反叛与形式的解放（1950-1970年代） 随着战后经济复苏和消费社会的兴起，摄影艺术开始对自身的传统规范发起挑战，转向更具主观性、颠覆性和概念化的表达。 1. 罗伯特·弗兰克与“美国人”的异化视角 罗伯特·弗兰克（Robert Frank）的《美国人》（The Americans）被视为战后摄影的里程碑。本书详细解读了弗兰克如何用粗糙的颗粒、倾斜的构图和冷漠的视角，揭示了美国梦背后的孤独、种族隔阂和物质主义的空虚。他的“不完美”技术本身就是一种有力的批判语言。 2. 杜安·迈斯尔斯与“新地形学”的诞生 进入1960年代，摄影开始进入博物馆和艺术学院的殿堂。杜安·迈斯尔斯（Duane Michals）以其序列照片、手写文字的介入，彻底打破了“一张照片等于一个瞬间”的传统观念。我们探讨了他如何通过这种叙事化的手法，探讨时间、死亡和身份等哲学主题。 3. 观念摄影的先声与摄影的媒介性探索 1970年代，概念艺术的影响渗透到摄影领域。艾德·鲁斯查（Ed Ruscha）的摄影书《二十六加一座加油站》展示了摄影作为一种纯粹的信息载体，如何通过重复和排列表现出荒诞的诗意。这一时期的摄影师开始质疑“观看”本身，将焦点从“拍什么”转向了“如何拍”以及“照片是什么”。 第四部：后现代的交织与媒介的拓宽（1970年代至今） 本书的最后部分关注后现代主义思潮如何彻底解构了摄影的“客观性”神话，以及色彩、大型画幅和观念的结合如何拓宽了摄影的边界。 1. 杜塞尔多夫学派与巨幅彩色摄影的冲击 德国杜塞尔多夫摄影学院，特别是贝歇夫妇（Bernd and Hilla Becher）的类型学研究，将科学的分类方法引入艺术领域。他们的学生，如安德烈亚斯·古斯基（Andreas Gursky）和托马斯·鲁夫（Thomas Ruff），利用超大画幅和精湛的数码技术，创作出令人震撼的、对全球化景观进行冷静审视的宏大图像。本书将分析这些作品如何通过规模和色彩的极端运用，挑战了传统摄影的美学范式。 2. 身份政治与挪用（Appropriation） 后现代语境下，摄影师开始“挪用”旧有的、具有强大社会影响力的图像，以解构其原有的意义。辛迪·舍曼（Cindy Sherman）通过扮演不同的社会原型女性形象，深刻探讨了媒体对性别角色的建构。我们还会探讨理查德·贝尔德（Richard Billingham）等摄影家如何将家庭的私密混乱转化为具有公共讨论价值的艺术作品。 结语：未竟的对话 本书最后总结了二十世纪西方摄影艺术从技术模仿到哲学思辨的完整旅程。它不再是简单记录事件的工具，而成为了一种复杂的语言系统，承载着对现代性、身份、权力结构以及视觉经验本身的深刻诘问。本书提供的，是一份详尽的知识地图，引导读者重新审视那些构成我们视觉文化基石的经典瞬间与理论构建。

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作为一名对生活品质有较高追求的读者，我一直对那些能够提升日常体验的设计深感着迷。日本的设计，恰恰在这方面有着独特的优势，它们往往在实用性和美观性之间找到了完美的平衡点，并且在不经意间就融入了对使用者需求的深刻理解。我希望这本书能够展现那些隐藏在日常物品中的设计智慧，比如一把精心打磨的木柄刀，一件剪裁合体的和服，抑或是一个功能与美观并存的家居收纳系统。我渴望通过这些具体的例子，去体会日本设计师是如何通过细微的调整，让生活变得更加便利、舒适和充满情趣。我期待书中能够解答我的一些困惑，例如，为什么日本的设计总是能给人一种宁静、和谐的感觉？它们是如何在有限的空间内创造出无限的可能性？我更希望这本书能提供一些可以实际应用的家居或生活方式的灵感，让我能够将书中的设计理念融入到自己的生活中，从而提升我的生活品质。对我而言，这本书不仅仅是关于设计的理论，更是一种对美好生活的向往和实践的指南，我希望它能给我带来实实在在的改变。

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我购买这本书的初衷，更多是源于我对“日本设计”这个概念本身的好奇心。我总觉得，在日本的文化中，似乎有一种与生俱来的对“美”的敏感度，以及一种近乎偏执的对“细节”的关注。这种特质，在他们的设计中得到了淋漓尽致的体现。我渴望在这本书中找到答案，了解这种“日式美学”究竟是如何形成，又如何在设计中得以传承和发展。我希望这本书能带领我穿越时光，去探寻日本设计发展的脉络，从古老的和服图案到现代的极简主义家具，从传统的茶道器皿到前沿的科技产品，去感受不同时代背景下设计所承载的文化印记。我期待书中能够提供丰富的案例分析，不仅仅是展示精美的图片，更能深入剖析每一个案例背后的设计理念、技术创新以及市场反馈，让我能够从更宏观的视角去理解日本设计的价值和影响力。我尤其关心的是，日本设计在面对全球化浪潮时，如何保持其独特性，又如何在与国际潮流的碰撞中实现自我革新。这本书，对我来说，更像是一次文化和审美的探索之旅，我迫不及待地想在书页中找到那些触动我心灵的设计瞬间。

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我购买这本书，是出于对“简洁”和“功能”这两个设计原则的浓厚兴趣。日本设计，在我看来，常常是“少即是多”的完美诠释，它们不追求浮夸的装饰，而是将精力集中在如何让物品本身的功能发挥到极致，同时又保持一种优雅、克制的视觉美感。我希望这本书能够深入剖析日本设计中“简洁”的哲学，以及“功能至上”的理念是如何在各种设计领域得以体现的。我期待书中能够展示一些极简主义风格的家居设计、产品设计，以及平面设计作品，并通过详细的图文分析，展现这些设计是如何在极简的外表下，蕴含着深刻的功能性和人性化的考量。我尤其想了解，日本设计师是如何在追求简洁的过程中，避免陷入单调和乏味的困境，而是创造出一种富有生命力和韵味的“高级的简洁”。对我而言，这本书是一种关于“返璞归真”的设计美学，我希望它能引导我从繁杂的世界中抽离，去发现那些隐藏在简单事物中的深刻智慧和动人之处。

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我之所以会被这本书吸引，很大程度上是因为我对“匠人精神”的推崇。在日本，很多传统的手工艺和现代设计都深深地植根于这种精益求精、一丝不苟的态度。我非常好奇，这种精神是如何在日本设计界得以传承和发扬的？我希望这本书能够深入挖掘那些在幕后默默耕耘的设计师和工匠的故事，了解他们是如何在材料的选择、制作的工艺、细节的处理上付出巨大的心血，最终创造出那些令人叹为观止的作品。我期待书中能够呈现一些关于日本传统工艺与现代设计相结合的案例，例如，如何将传统的陶瓷制作技艺应用于现代的照明设计，或者如何将传统的木工技法融入到家具的创新设计中。我相信，通过了解这些背后的故事，我能够更深刻地理解日本设计的精髓，并从中汲取力量，去激励自己更加专注于自己的工作，追求更高的品质和更卓越的成果。这本书，对我来说，是一次对“精工细作”的致敬，也是一次对“追求极致”的探寻。

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这本书的装帧设计本身就散发着一种沉静而有力的美学气息，封面的字体选择、留白的处理，都恰到好处地传递出一种对细节的极致追求。翻开书页，纸张的触感温润细腻，散发出淡淡的油墨香，仿佛在邀请读者进入一个精心构建的视觉世界。我非常期待这本书能够深入探讨日本设计在不同领域的应用和影响，例如它如何巧妙地将传统文化元素融入现代家居设计，又如何在公共空间的设计中体现出对自然环境的尊重和融合。同时，我也希望书中能够呈现一些标志性的日本设计案例，通过详实的图片和文字，展现其独特的设计理念、创作过程以及最终呈现出的令人惊叹的效果。例如，我对一些在国际上享有盛誉的日本建筑作品、平面设计作品，以及产品设计作品的背后故事充满好奇。我期望这本书能够成为我的一个窗口，让我能够更深入地理解日本设计所蕴含的哲学思想和美学追求，从而拓宽我的设计视野，为我自己的创作带来新的灵感和启示。这本书的厚度也让我觉得内容定然相当丰富，期待它能带给我一次深度、系统的学习体验。

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