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出版者:上海文化出版社

作者:金丹元

出品人:

页数:427 页

译者:

出版时间:2005年2月1日

价格:35.0

装帧:平装

isbn号码:9787806466636

丛书系列:

图书标签:

• 艺术思维
• 艺术史
• 艺术
• 设计理论
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妙趣横生的中国艺术发展脉络：从远古的神话想象到近代的思想激荡 中国艺术，以其悠久的历史、独特的审美追求和深邃的哲学内涵，在世界艺术史的长河中熠熠生辉。本书并非一部枯燥乏味的艺术史的陈列，而是一场穿越时空的奇妙旅程，一次对隐藏在中国艺术作品背后那颗跳动着智慧与情感的心灵的深度探索。我们将一同拨开历史的迷雾，细致观察那些传世之作，理解它们是如何孕育而生，又是如何承载着一代又一代中国人的精神世界。 从遥远的史前时代，那些刻画在岩壁上的神秘符号，到商周时期青铜器上狞厉而精美的纹饰，我们看到的是先民们对自然力量的敬畏，对神灵世界的想象，以及部落文明初生的痕迹。这些早期艺术品，虽然粗犷，却已显露出一种独特的、与西方古典艺术迥异的东方气质，它们更加注重意境的传达，而非纯粹的写实模仿。 秦汉时期，随着大一统王朝的建立，艺术也展现出磅礴的气势。兵马俑的宏伟壮观，展现了帝国的力量与秩序；汉画像石的生动鲜活，则勾勒出当时社会生活的各个层面，从祭祀庆典到日常生活，从神话传说到历史故事，无不栩栩如生，充满了朴素的生命力。我们还将审视这一时期绘画、书法艺术的初步发展，感受其初具规模的艺术语言。 魏晋南北朝，这是一个充满动荡与变革的时代，也是中国艺术走向成熟的关键时期。佛教艺术的传入，为中国带来了全新的造型语言和宗教题材，敦煌石窟的壁画和塑像，便是这一时期艺术融合与创新的辉煌代表。同时，文人阶层开始崛起，绘画、书法艺术开始受到士人精神的影响，追求“神韵”的审美理念逐渐形成，顾恺之、王羲之等艺术大家的作品，至今仍是我们理解中国艺术精髓的钥匙。我们将深入探讨“以形写神”、“飞白”、“风骨”等艺术批评概念的起源与发展，理解它们如何指导着艺术家的创作。 隋唐盛世，是中国艺术的黄金时代。宗教艺术、宫廷艺术、民间艺术呈现出百花齐放的繁荣景象。唐三彩的丰腴华美，展现了开放包容的盛唐气象；阎立本、吴道子的绘画，更是将人物画和山水画推向了新的高峰。书法艺术在这一时期也迎来了巅峰，颜真卿的雄浑、柳公权的秀劲，各自形成了鲜明的艺术风格。我们还会关注唐代诗歌与绘画、书法之间密不可分的联系，以及它们共同构建的盛唐文化图景。 宋代，是中国艺术史上一个更加注重理性与内省的时代。理学思想的影响，使得宋代艺术更加追求意境的深远和格调的雅致。山水画成为主流，张择端的《清明上河图》以其精细的写实技巧，描绘了北宋都城的繁华景象，而范宽、郭熙等山水画大师则以宏大的笔触，表现出人与自然的和谐统一。书法艺术也更加强调个性与抒情，黄庭坚的放达、米芾的奔放，都展现了艺术家独特的精神世界。瓷器艺术在宋代也达到了前所未有的高度，哥窑、汝窑、定窑、景德镇窑等名窑瓷器，以其温润的釉色、精巧的造型，成为中华文明的瑰宝。我们将探讨宋代文人雅士的生活方式，以及他们如何影响了艺术的审美取向。 元代，草原民族的统治为中国艺术带来了新的活力与变奏。赵孟頫的行书、山水画，以其圆润秀丽的风格，影响了后世。同时，戏曲艺术在元代蓬勃发展，成为人民群众喜闻乐见的艺术形式，其丰富的表现力和深刻的思想性，为中国文学艺术增添了新的维度。 明清两代，中国艺术在继承传统的基础上，展现出新的发展。绘画方面，文徵明、唐寅等“吴门画派”的细腻雅致，徐渭、八大山人的恣意狂放，都呈现出不同的艺术面貌。董其昌的绘画理论，更是对中国山水画的发展产生了深远影响。小说、戏曲艺术在这一时期也达到了新的高峰，如《红楼梦》、《牡丹亭》等作品，都成为了中国文学艺术史上的不朽之作。同时，海外交流的增加，也为中国艺术带来了一些新的元素。我们将深入分析明清时期版画、工艺美术的成就，以及它们与社会生活的紧密联系。 近代以来，随着西方文化的涌入，中国艺术面临着前所未有的挑战与机遇。传统艺术形式如何在新时代找到新的出路？新的艺术思潮如何在中国落地生根？速写、油画、雕塑等西方艺术形式的引入，与中国传统绘画、书法艺术发生了激烈的碰撞与融合。这一时期，艺术家们在继承传统与学习西方之间艰难探索，为中国艺术的现代化奠定了基础。我们将审视这一时期艺术家的创作困境与思考，以及他们为中国艺术的革新所付出的努力。 本书旨在通过对中国艺术的各个时期、各种形式的细致梳理与深入解读，展现中国艺术背后蕴含的独特的思维方式、哲学观念和审美追求。我们将不拘泥于简单的历史年表，而是力求揭示艺术作品是如何与社会、文化、思想发生互动，又是如何反映和塑造着中国人的精神世界。通过这趟探索之旅，您将能够更深刻地理解中国艺术的魅力所在，以及它在中国文明发展进程中的独特地位。

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这本书的语言风格极其讲究，它似乎在模仿它所探讨的主题本身——既有古典的凝练和重量感，又充满现代哲学的轻盈和穿透力。阅读过程中，我多次停下来，反复咀嚼某些句子，它们不像纯粹的学术论述，反而更接近于优美的散文，每一段话都像精心雕琢过的玉石，结构紧密，光泽温润。这种对语言形式本身的重视，本身就是对中国艺术精神的一种致敬。它不仅讨论了“我们如何思考”，更通过其本身的呈现方式，向我们展示了“思考可以如何被表达”。对于那些对艺术史的阅读感到疲劳的读者来说，这本书无疑是一剂良药，它让你在吸收知识的同时，也享受到了文学性的愉悦。它证明了，严肃的学术研究完全可以拥有高雅的艺术品格。

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这本书最让我感到耳目一新的，是它对“时间感”的处理方式。在中国艺术语境中，“永恒”与“瞬间”的概念往往纠缠不清，这在书法和绘画的创作中表现得尤为明显。作者通过对不同时期作品的对比分析，巧妙地揭示了这种时间观念的演变。例如，他指出早期青铜器上的纹饰所体现的对“祖先时间”的遵从，与明清文人画中追求“此刻心境”的瞬间凝固，其背后的时间哲学是截然不同的。这种跨越媒介、贯穿古今的比较视野，提供了一种极具穿透力的分析框架。它迫使读者跳出线性史观，去体验中国艺术对时间维度的一种循环往复、层层叠叠的理解。这种深层次的结构性分析，使得整本书的立意远超一般的艺术史著作，更像是一部关于中国文化如何组织其内在时空概念的专著。

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我原以为，涉及“思维史”的著作，大概会是一部充满教条和标准答案的工具书，但《中国艺术思维史》展现出极大的开放性和批判性。作者并不试图建立一个“完美”的艺术发展公式，而是着重探讨了那些“未完成”和“充满张力”的领域。他对那些被传统叙事边缘化的艺术形式——比如民间工艺中的象征意义，或者文人艺术中那些略显“怪异”的笔法——都给予了充分的关注和解读。这种不拘泥于主流、勇于挑战既定认知的态度，使得阅读体验非常畅快。它鼓励读者去质疑，去在已有的经典作品中寻找那些被忽略的细节和潜在的矛盾。这本书与其说是在“告知”你什么，不如说是在“激发”你思考，它成功地在作者的观点和读者的接受之间，搭建起了一座充满活力的对话桥梁。

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这本书的开篇就抓住了一个核心问题：我们如何理解中国艺术的“内在逻辑”？作者并没有简单地罗列朝代更迭或流派特征，而是深入挖掘了贯穿数千年的思维底色。比如，对“气韵生动”的阐释，不再是停留在美学口号层面，而是将其置于哲学和宇宙观的框架下进行剖析。我尤其欣赏作者对于“道”与“器”之间辩证关系的探讨，这使得我们看待山水画的留白、书法中的笔势，乃至园林的空间布局，都有了更深层次的理解。它不是一本教你如何鉴赏艺术品的指南，而更像是一部揭示东方智慧如何渗透进视觉表达的“密码本”。读完后，你会发现，过去那些看似抽象的艺术概念，忽然间变得鲜活而富有生命力，因为你知道了它们诞生于何种深厚的文化土壤。这种层层递进的思辨过程，远比单纯的艺术史梳理来得震撼人心，它拓宽了我对“艺术”本身的定义边界。

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坦率地说，初翻这本厚重的著作时，我有些担心它会过于学术化，充斥着晦涩难懂的术语和繁复的引证。然而，作者的叙事功力实在令人佩服。他总能在宏大的时代背景与微小的个体创作之间，找到一个绝佳的平衡点。举个例子，当他谈及宋代文人画的兴起时，不是简单地归咎于社会结构的变迁，而是细致描摹了当时士大夫阶层在政治失意后，如何转向内心寻求精神寄托的过程，并将这种“退守”转化为一种独特的审美取向。这种将艺术家的心路历程与时代脉搏紧密结合的写法，让冰冷的历史文本变得有血有肉。更难得的是，作者在行文间偶尔流露出的那种对艺术的敬畏与热爱，就像是一位经验丰富的向导，带着你穿梭于历史迷宫，而不是一个冷漠的记录者。这本书读起来，节奏张弛有度，绝不枯燥。

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