大学书法鉴赏

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出版者:西南师范大学出版社
作者:曹建
出品人:
页数:191
译者:
出版时间:2003-7
价格:26.00元
装帧:
isbn号码:9787562128984
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

当前的书法教育转型的目标就是由实用性向艺术性转化,这是时代赋予我们这一代书法教育者的重任,也是历史发展的必然趋势。《大学书法鉴赏(各专业适用)》关注书法艺术性的剖析,试图让读者从中感悟先民们创造的书法艺术的独特魅力。全书分为上下两编,上编着重介绍书法鉴赏必须了解的基础知识以及书法艺术的规定性,下编着重解析书法史上经典作品的艺术魅力。如果说上编是感悟书法的基础,那么,下编就是顿悟书法的无数契机。为了扩大读者的知识面,加深对于有关问题的理解,在全书后附录了相关书论,读者诸君可以根据需要选取。

社会的演进使我们祖先习惯的强弓硬弩变成了飞机导弹,高科技带来许多先民们难以想象的变化,但是,人的生存时间还是那么地有限。在这有限的时间里头,何处寻找生活的趣味呢?无疑,艺术中有。作为中国独有的书法艺术,必然以此吸引国人的目光,让你栖居,诗意地享受笔墨带来的乐趣。

翰墨流芳:中国古代书画艺术的千年回响 一卷史诗,尽览中华文明的笔墨精魂。 本书并非一部聚焦于某一特定艺术门类的工具书,而是一次跨越千年的文化溯源之旅。它旨在为读者构建一个宏大而精微的中国古代书画艺术全景图,深入剖析其独特的审美哲学、技术演变及其对社会文化的深远影响。我们将从遥远的史前岩画和刻符开始,沿着历史的长河,审视秦汉的浑厚古朴,魏晋的风流飘逸,唐代的恢弘气象,宋代的理学内敛,直至元、明、清的个性解放与文人意趣的极致表达。 第一章:笔墨的起源——从陶符到篆隶的定型 本章聚焦于中国书写艺术的最早形态及其向成熟书体的过渡。我们首先探讨新石器时代遗址中发现的刻画符号与陶文,它们是文字诞生的萌芽。随后,重点解析商周时期的甲骨文和金文,深入阐释其“契刻”与“铸造”的物质特性如何塑造了早期文字的造型语言——雄浑、对称、富于宗教神秘感。 秦始皇统一六国后,推行的“书同文”政策催生了小篆。本章将细致描绘小篆的结构特征、笔画规范及其在政治统一进程中的文化意义。紧接着,我们将阐述隶变的伟大意义:隶书作为“八分书”的成熟,彻底打破了篆书的象形束缚,确立了横、波、挑等基本笔势,为后世楷书的形成奠定了坚实的“蚕头燕尾”基础。我们还将对比分析汉代简牍、帛书与碑刻上的隶书风格差异,体会不同载体对书写的影响。 第二章:魏晋风度与书法精神的觉醒 魏晋南北朝时期,伴随着玄学思潮的兴起和士人阶层的崛起,书法艺术完成了从“实用性书写”向“纯粹性艺术”的蜕变。本章的核心在于探讨“风度”与“个性”的融入。 我们将详细分析张芝的“草圣”地位,以及东晋“二王”(王羲之、王献之)父子的历史贡献。重点剖析王羲之如何集前代之大成,融篆隶笔意于今草、行书之中,形成“尽善尽美”的典范。通过解读《兰亭集序》的笔法变化、章法布局以及其所蕴含的生命哲思,读者将理解为何王羲之被尊为“书圣”。同时,本章也会对比探讨钟繇、卫夫人等早期大家对楷书体势的初步探索,以及北方碑学(如《张猛龙碑》、《龙门二十品》)在战乱背景下所呈现出的拙朴、雄强与外放的地域性风格。 第三章:盛唐气象与书体的法度森严 唐代是中国封建社会的鼎盛时期,书法艺术也达到了前所未有的高峰。本章将书法的风格演变与唐代的政治、宗教、文化自信紧密联系。 楷书在唐代被推向了规范化的极致。我们将集中探讨“初唐四大家”:欧阳询的险劲、虞世南的温润、褚遂良的秀逸以及薛稷的瘦硬。随后,本章将详细解析“颜筋柳骨”的并立与互补。颜真卿以其浑厚博大的胸襟,开创了“颜体”,其方正雄浑、内含筋骨的力量感,被视为盛唐气象的最好注脚。柳公权则以骨力洞达、结构谨严著称,形成了另一高峰。 在章草与今草方面,唐代也涌现出怀素的狂放不羁与张旭的颠张醉素,他们的草书不再仅仅是速写,而是将音乐的节奏感、舞蹈的肢体语言融入笔端,实现了“狂而不乱,放而能收”的艺术高度。 第四章:宋代尚意与文人书画的交融 宋代,“尚意”取代了唐代的“尚法”,哲学思辨和个人情趣成为书写的主导。本章重点分析宋代文人书画一体的审美倾向。 我们将聚焦“宋四家”:苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄。苏轼倡导的“我书意造法”——强调抒发个人性情,追求“拙厚自然”;黄庭坚将长枪大戟般的笔势融入笔画,开创了“黄体”的奇崛之美;米芾则以“刷字”著称,其潇洒跌宕、率真洒脱的行草,极大地拓展了书法的表现力。本章还将讨论宋徽宗赵佶对瘦金体的创新,以及宋代版刻技术对书风传播的影响。 第五章:元明清的多元探索与书画的合璧 元代,赵孟頫力图复古,以晋韵入元,倡导“风流雅正”,对后世影响深远。元代书风呈现出对唐宋经典的重新整合与个人风格的提炼。 明清时期,书坛进入了更加多元和个性化的阶段。我们探讨明代的吴门画派与董其昌的“南北宗论”如何深刻影响了书画的审美取向。董其昌提倡的“淡墨为主,以书入画”,强调笔墨的文人趣味与意境的营造。清代碑学的大兴,是对宋元以来帖学(以笔法、线条为重)的一种反拨。康熙、乾隆时期的碑帖对勘,以及金石学的兴盛,使得北碑的古拙力量重新回到书坛主流,为近现代书法的变革埋下了伏笔。本章将分析邓石如、吴昌硕等碑学大家如何将篆隶入楷,开辟新的境界。 第六章:书画艺术的审美哲学与技法解构(非书论) 本章不讨论具体的书家,而是从宏观角度解构中国书画艺术背后的共同哲学基础。 首先,解析“气韵生动”的内涵,探讨其如何贯穿于点画、结构和章法的全过程。其次,深入剖析中国画中“留白”的艺术——它不仅是空间处理,更是虚实相生、意境空灵的哲学表达。我们将对比分析山水画中的“皴法”与书法中的“用笔”之间的对应关系,理解为何中国书画被视为“一源两干”。最后,探讨“文人画”理论中对“诗、书、画、印”四绝合一的追求,展示艺术如何在精神层面达到高度统一。 本书以严谨的学术梳理与流畅的叙事笔触,带领读者领略中国古代书画艺术的博大精深,感受那穿越时空、依然鲜活的笔墨生命力。它是一本引导审美提升、丰富文化底蕴的入门与进阶之作。

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读后感

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用户评价

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作为一名对中国传统文化充满好奇的读者,我一直在寻找一本能够系统且深入地介绍书法鉴赏的书籍。这本书无疑满足了我的所有期待。它没有空泛的理论,而是结合了大量的实例,从古代碑帖到近现代名家作品,几乎涵盖了各个时期具有代表性的作品。作者的讲解深入浅出,既有专业性的分析,又不失趣味性,让我能够在轻松愉悦的氛围中学习。我尤其欣赏书中对“笔法”的讲解,它并不是简单的技巧堆砌,而是将笔法与书写者的情感、意境紧密结合,让我看到了笔法背后的生命力。书中还提到了许多关于临帖的技巧和方法,为我未来的学习指明了方向。它不仅仅是一本书,更像是一位经验丰富、循循善诱的老师,引导我一步步走向书法鉴赏的殿堂。

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这本书的排版和印刷质量都令人赞叹,纸张的触感温润,字迹清晰,图片色彩饱满,即使是放大细节,也能感受到原作的质感。但更让我沉醉的是书中对书法美学的深入剖析。作者并没有简单地告诉我们什么好看,什么不好看,而是通过对线条的粗细、墨色的浓淡、结构的疏密等要素进行细致的解读,让我逐渐掌握了一套鉴赏的“语言”。我尤其喜欢书中对“骨力”和“韵味”的描述,这些抽象的概念被作者用生动形象的比喻解释得淋漓尽致,让我一下子就明白了其中的奥妙。比如,将坚实的笔画比作“筋骨”,将流畅的线条比作“血脉”,这种说法非常直观,也更容易理解。书中对不同时代的书法风格进行对比分析,也让我看到了书法艺术在历史长河中的发展与演变。它让我认识到,书法不仅仅是技巧的展现,更是时代精神的缩影。

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这本书不仅仅是关于鉴赏,更像是一次关于中国传统文化精神的探索之旅。作者通过对书法作品的解读,巧妙地将中国人的哲学思想、人生态度以及审美情趣融入其中。我被书中关于“气韵生动”的论述深深吸引,它不仅仅是对作品视觉效果的评价,更是对作品内在生命力和精神境界的肯定。它让我看到了,书法不仅仅是线条的艺术,更是精神的表达。书中对古代文人雅士如何通过书法来寄托情怀、表达志向的描述,让我对书法的理解上升到了一个新的高度。它让我明白,书法不仅仅是技艺,更是人生的写照。这本书让我对中华文明有了更深切的认同感和自豪感。

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我一直觉得书法是一种高雅的艺术,但始终不得其门而入,总感觉它高高在上,遥不可及。直到我遇到了这本书,它彻底改变了我以往的看法。作者用一种非常平易近人的语言,将原本复杂的书法理论变得浅显易懂,仿佛打开了一扇尘封已久的心灵之窗。书中对不同书体,如篆、隶、楷、行、草的演变过程,做了非常精彩的梳理,让我能够清晰地看到它们各自的特点以及相互之间的传承关系。我印象最深刻的是关于楷书的讲解,作者并非简单地罗列规则,而是深入剖析了每个笔画的形态,以及它们组合起来的逻辑,让我仿佛置身于古代书房,亲眼见证大师们的创作过程。更难能可贵的是,书中还穿插了许多书家的故事和趣闻,这些鲜活的案例让冰冷的文字瞬间鲜活起来,也让我对这些伟大的艺术家有了更深层次的理解和共鸣。读完这本书,我不再害怕拿起毛笔,而是充满了尝试的勇气。它不仅仅是一本关于鉴赏的书,更是一本能激发我学习热情的启蒙之书。

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这本书给我最大的感受是,书法鉴赏是一门既需要理论知识,又需要感性体悟的艺术。作者在讲解理论知识时,旁征博引,引用了大量的古代文献和书论,让我对书法的发展脉络和美学原则有了清晰的认识。但更重要的是,书中充满了作者对书法艺术的真挚情感和独到见解。他用充满诗意的语言,描绘了书法作品的视觉效果,以及作品所传达的情感和意境。我被书中对王羲之《兰亭序》的解读深深打动,作者将《兰亭序》的美,描绘得淋漓尽致,让我仿佛亲眼看到了王羲之在那个洒脱的午后,挥洒自如地创作出传世之作。这本书让我对书法产生了由衷的敬意和热爱。

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这本书的内容详实,结构清晰,每一部分都充满了作者的心血。我尤其喜欢书中关于“结构”的讲解。作者将汉字的结构比作建筑的骨架,强调了点画之间的关系,以及整体的平衡与协调。它让我明白,一个字的美,不仅仅在于笔画本身的优美,更在于这些笔画组合在一起所形成的整体美感。书中对不同书家在结构处理上的差异进行了详细的对比,例如欧阳询的严谨、颜真卿的开阔、柳公权的劲健,让我对这些大师的风格有了更深刻的理解。它还让我意识到,即使是同一个汉字,在不同的书家笔下,也会呈现出截然不同的生命力。这本书不仅仅是教我“看”书法,更是教我“懂”书法,让我能够从更深层次去欣赏其中的奥妙。

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这本书的内容就像一位老友在娓娓道来,带着我穿越时空,去领略中国书法的千年风华。作者的叙事风格非常流畅,语言也充满感染力,让我完全沉浸在书法的世界里。我最喜欢的是书中关于“笔墨纸砚”的介绍,它让我了解到,一件完美的书法作品,离不开背后这些看似平凡却至关重要的工具。作者对每一种工具的特性和使用方法都做了非常详细的介绍,让我对书法创作有了更全面的认识。它不仅仅是一本鉴赏的书,更是一本关于中国传统文化生活方式的百科全书。读完这本书,我感觉自己对生活的热爱,以及对艺术的追求,都得到了升华。

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这本书的封面设计就足够吸引我了,沉静的墨色与淡雅的宣纸色交织,仿佛能闻到纸墨的清香,隐约可见的飞白笔触如同远山淡烟,又似水墨晕染出的诗意。当我翻开它,第一感觉是扑面而来的文化气息,那种穿越时空的厚重感油然而生。作者并没有用枯燥的说教方式来阐述书法,而是以一种非常亲切、引人入胜的叙事风格,带我一步步走进书法的世界。它不是那种让你望而生畏的专业学术著作,更像是一位学识渊博的朋友,耐心而细致地为你讲解每一个字的背后故事,每一条线条的情感流露。我尤其喜欢书中关于书写工具的介绍,从笔毫的材质、墨的研磨,到纸张的选择,每一个细节都充满了匠心与考究。它让我意识到,书法不仅仅是写字,更是一种生活态度,一种与自然、与历史对话的方式。阅读这本书的过程,本身就是一次精神的洗礼,它唤醒了我内心深处对美的追求,对传统文化的敬畏,以及对自我表达的渴望。它就像一盏明灯,照亮了我对书法鉴赏的迷茫,让我看到了其中的奥妙与乐趣,也让我对未来的学习充满了信心和期待。

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从这本书中,我学到了很多关于如何“读”书法的方法。作者并没有简单地提供标准答案,而是鼓励读者去独立思考,去感受作品的魅力。书中对许多著名碑帖的分析,都采用了多角度、多层次的视角,让我能够从不同的侧重点去品味作品。我尤其喜欢书中关于“用笔”的讲解,作者将笔法的变化比作音乐的旋律,将不同的笔触比作不同的音符,这种生动的比喻让我一下子就明白了笔法中蕴含的丰富变化和表现力。它让我意识到,书法不仅仅是“写”出来的,更是“用”出来的,每一个笔触都凝聚着书写者的心血与智慧。

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这本书带给我的惊喜远不止于封面和开篇的引言。作者在探讨书法技法时,并没有陷入纯粹的技术层面,而是将哲学、美学、甚至历史的思考融会贯通,形成了一种独特的鉴赏视角。我特别欣赏书中对“意”的阐释,它不仅仅是字面的意思,更是书写者在创作时的精神状态、情感寄托以及对生命的感悟。书中对晋唐时期书法大家的作品分析,让我看到了“古人写字,意在笔先”的真谛。那些看似随意的笔触,实则蕴含着深厚的功力与超然的意境。它让我明白,真正的书法鉴赏,是能够“读懂”每一个字背后的灵魂,去感受书写者传递的情感与思想。书中还探讨了书法与诗词、绘画等其他艺术形式的联系,这种跨领域的融合,让我对艺术有了更广阔的认知。它不是孤立存在的,而是相互辉映,共同构筑了中华文化的瑰丽画卷。这本书如同一个引路人,带领我走进了一个更加丰富多彩的艺术世界。

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