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出版者:安徽教育出版社

作者:汪石满

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2003-10

价格:17.00元

装帧:

isbn号码:9787533634629

丛书系列:

图书标签:

• 美术史
• 中国美术
• 艺术
• 绘画
• 书法
• 雕塑
• 工艺美术
• 艺术史
• 文化
• 艺术作品

《中国美术》是一部宏大而深入的艺术史画卷，它以独特的视角，带领读者穿越中华文明的漫长岁月中，探索那些塑造了民族审美精神的艺术瑰宝。本书并非简单地罗列历代名作，而是致力于揭示艺术背后所蕴含的时代精神、哲学思想、社会变迁以及艺术家们的生命轨迹。 翻开本书，首先映入眼帘的是石器时代的艺术萌芽。那些粗犷而充满生命力的岩画、陶器纹饰，无不展现了先民们对自然万物的敬畏与原始的创造力。作者细致地解读了这些早期艺术形式的象征意义，以及它们如何为后世的艺术发展奠定基础。 进入青铜时代，本书将引领读者走进一个辉煌而神秘的国度。那些造型精美、纹饰繁复的青铜礼器，如司母戊鼎、四羊方尊等，不仅仅是工艺的极致体现，更是当时权力、礼制和社会等级的象征。本书将深入剖析这些青铜器的铸造工艺、纹饰主题及其在古代祭祀和政治活动中的重要作用，展现一个气势磅礴、充满神秘色彩的时代。 秦汉时期，中国艺术迎来了一个新的里程碑。本书重点介绍了秦汉雕塑的雄浑与气魄，如秦始皇陵兵马俑的千人千面，以及汉代画像石、画像砖上生动鲜活的生活场景和神话传说。这些艺术作品不仅是写实的记录，更是对帝国统一、民族精神和生死观念的深刻表达。作者将通过对这些作品的细致描绘，展现一个强大而充满自信的帝国形象。 魏晋南北朝时期，是一个思想解放与艺术融合的时代。佛教艺术的传入，为中国艺术注入了新的生命力。本书将详细介绍云冈石窟、龙门石窟等佛教造像的演变，分析其艺术风格与宗教教义的融合，以及中国本土审美情趣的渗透。同时，本书也将探讨书法艺术在这一时期的飞跃，如王羲之《兰亭集序》的飘逸洒脱，展现文人雅士的精神风貌。 隋唐时期，是中国艺术的鼎盛时期。本书将描绘大唐盛世的恢弘气象，从色彩斑斓的唐三彩，到敦煌莫高窟绚丽多彩的壁画，再到阎立本、吴道子等大师的画作，无不展现了中华艺术的辉煌成就。作者将深入探讨唐代艺术所体现的开放、包容、自信的精神，以及其对周边国家艺术产生的深远影响。 宋代，是中国艺术的又一高峰，尤其在绘画和陶瓷领域。本书将重点介绍宋代山水画的写实与意境，如范宽《溪山行旅图》的壮丽，以及马远、夏圭的“马夏”风格。同时，本书也将深入探讨宋代瓷器的艺术价值，如汝窑的素雅、官窑的温润、哥窑的开片，展现文人式的审美情趣和对自然之美的追求。 元代，蒙古族统治下的艺术呈现出新的特色。本书将分析元代绘画中笔墨的自由与写意，如赵孟頫的复古与创新，以及倪瓒的孤高。同时，本书也将探讨元代青花瓷的精美绝伦，展现其作为外销瓷对世界艺术的影响。 明清时期，中国艺术在继承传统的基础上，迎来了新的发展。本书将介绍明代浙派、吴门画派的风格差异，以及晚明时期小说、戏曲等世俗艺术的兴盛。进入清代，本书将重点关注宫廷绘画的精致与世俗绘画的活力，以及景德镇瓷器在釉色、造型上的创新。同时，本书也将探讨这一时期文人画的进一步发展，展现艺术家们对个人情感的抒发和对社会现实的关照。 除了绘画、雕塑、陶瓷和书法等主要艺术门类，本书还会涉及建筑、园林、工艺美术等多个方面，力求展现中国艺术的多元与丰富。作者在梳理各时期艺术风格的同时，还将穿插介绍重要的艺术家及其生平事迹，以及相关的历史文化背景，使得读者能够更全面、更深刻地理解每一件艺术作品的价值与意义。 本书的语言风格力求朴实而富有文采，避免枯燥的学术术语，而是以生动形象的笔触，引导读者走进艺术的世界。每一个章节都如同一次穿越，让读者沉浸在历史的长河中，感受中华艺术的独特魅力。本书的目标是让每一位读者，无论是否具有深厚的艺术背景，都能从中获得启迪，感受到中华民族源远流长的艺术智慧和不朽的审美追求。

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我刚刚读完了一本关于二十世纪后半叶拉丁美洲魔幻现实主义绘画的评论集，视角非常新颖，完全跳出了传统的欧洲中心论来看待艺术的全球化进程。这本书探讨了墨西哥壁画运动的遗产如何在南美洲的当代艺术家手中被解构和重塑，特别是他们如何将本土的神话、政治动荡与超现实的视觉语言结合起来。作者的叙事风格充满了激情与批判性，仿佛带着读者穿梭于巴西的贫民窟和阿根廷的政治集会现场，去理解那些扭曲的形态、大胆的用色和符号化的构图背后所蕴含的社会张力。书中对费尔南多·博特罗那种夸张的体积感，不仅仅看作是风格上的选择，更深入分析了它如何反映了权力与身体、丰饶与贫瘠之间的复杂关系。这本书的价值在于，它强迫你放下既有的审美标准，去接纳一种更原始、更具生命力和政治介入性的艺术表达方式，读起来酣畅淋漓，让人对全球艺术图景有了更具层次感的认识。

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我最近翻阅了一本关于日本浮世绘版画艺术的精美画册，它完全颠覆了我对版画的固有印象。这本书的重点放在了江户时代，尤其是喜多川歌麿和葛饰北斋的作品上。它的印刷质量堪称一流，那些细腻的色彩过渡和线条的张力，在高清复制中得到了极好的还原。书中不仅展示了美人画的千姿百态，还深入探讨了浮世绘如何成为当时大众文化的一种重要载体，它记录了当时的服饰风尚、歌舞伎演员的肖像以及日常生活的场景，简直是一部生动的社会风俗史。让我印象深刻的是关于“批量生产”和“艺术品”之间关系的讨论，浮世绘如何在相对低廉的价格下，将美学普及到寻常百姓家，这对于我们理解当代的大众传播媒介很有启发。作者对色彩学的运用分析也非常到位，比如藏青色如何通过不同批次的木刻而产生微妙的变化，这些细节只有细致的考察才能发现。这是一本集美学欣赏、历史考据和文化研究于一体的佳作，让人流连忘返。

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这本书的结构安排简直是教科书级别的典范，聚焦于二十世纪上半叶抽象表现主义在美国的崛起和演变，我简直是欲罢不能。它不像有些艺术史书那样干巴巴地罗列作品和年代，而是将艺术家们置于二战后的社会文化背景下进行考察，探讨“什么是艺术”、“艺术该为什么服务”等深刻的议题。从波洛克那种近乎冥想式的行动绘画，到罗斯科色域绘画中那种震撼人心的沉浸感，作者都用一种近乎诗意的语言进行了描绘。我特别欣赏书中对“画廊系统”和“艺术评论家”角色的剖析，他们如何共同塑造了一个艺术流派的价值和影响力，这种宏观的社会学视角，极大地拓宽了我对艺术生态的理解。更难得的是，书中收录了大量当时的访谈记录和私人信件片段，让我们得以窥见这些艺术巨匠们在创作巅峰时期的困惑与狂热。读完后，我感觉自己对现代艺术的那种疏离感大大降低了，开始理解那种看似随性背后隐藏的巨大能量和哲学思索。

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这部关于拜占庭时期马赛克镶嵌艺术的专著，其厚重感和学术深度着实令人敬佩，但阅读体验却出乎意料地引人入胜。它聚焦于公元四世纪到十五世纪之间，从君士坦丁堡到拉文纳，那些宏伟的宗教建筑内部所呈现出的光影魔术。作者没有停留在表面的金色辉煌，而是详细解释了每一块特西拉（小方块）的切割角度、玻璃与宝石的成分，以及它们如何共同作用，使光线在一天中产生动态的变化，营造出一种神圣不可侵犯的氛围。书中对不同时期马赛克风格的演变进行了清晰的脉络梳理，比如从早期相对写实的风格，如何逐渐过渡到后期那种高度程式化、强调精神性的表现手法。对于我这样对材料学和工艺史比较感兴趣的读者来说，这本书简直是宝库，它让我明白了，所谓“艺术”，有时就是对光线和材料的极致掌控与虔诚表达。

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天哪，我最近读完了一本关于欧洲文艺复兴时期艺术史的鸿篇巨制，简直是视觉和思想的双重盛宴！这本书的作者对达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等大师的生平、创作背景以及他们作品中蕴含的哲学思想进行了极其深入的剖析。我特别喜欢它对“人文主义”思潮如何渗透到绘画、雕塑和建筑中的细致描摹。比如，书中花了整整一章来探讨《最后的晚餐》中构图的数学原理与人物情感表达的完美融合，从透视法的革命性运用到每个使徒微妙的面部表情，都分析得入木三分。读完之后，我再去博物馆看那些真迹复制品时，感觉完全不一样了，仿佛能透过画作的肌理，直接感受到那个时代艺术家的心跳和挣扎。作者的文笔流畅又不失学术的严谨性，大量的插图高清且排版精美，很多细节图的特写，让我这个非专业人士也能轻松领略到那个时期艺术成就的辉煌。如果对西方古典艺术有任何兴趣，这本书绝对是案头必备的参考书，它不仅仅是知识的堆砌，更是一次穿越时空的艺术朝圣之旅。

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