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出版者:辽宁美术出版社

作者:张克非

出品人:

页数:45

译者:

出版时间:2001-1

价格:20.00元

装帧:平装

isbn号码:9787531425731

丛书系列:

图书标签:

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• 绘画
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• 色彩
• 速写
• 院校专业
• 考前冲刺

《飞跃星辰：你的艺术设计启航计划》 这不仅仅是一本书，更是你踏入广阔艺术设计世界的第一步，一份为你量身定制的启航计划。我们深知，对于每一个怀揣艺术梦想的你来说，前方的道路既充满机遇，也伴随着挑战。 《飞跃星辰》将是你最可靠的伙伴，为你照亮前行的方向，赋予你翱翔的翅膀。 一、 洞悉设计脉络，点亮创作灵感 本书将带你深入浅出地探索艺术设计的核心理念与发展脉络。从古老的艺术起源，到当代多元化的设计风格，我们将为你梳理清晰的设计发展线索。你将了解到不同时期、不同文化背景下的设计美学，认识到设计如何与社会、科技、人文紧密相连。 设计简史纵览： 从史前壁画到工业革命，从包豪斯运动到后现代主义，我们将带领你穿越时空的隧道，感受设计理念的演变与革新。 风格流派解析： 深度剖析从现代主义到后现代主义，再到当代设计趋势，如极简主义、赛博朋克、可持续设计等，理解它们的独特美学特征和代表作品。 跨界融合的艺术： 探讨设计与其他艺术门类（如摄影、建筑、时尚、音乐）的交融与碰撞，激发你打破界限的创作思维。 灵感捕捉与激发： 学习如何从日常生活中、自然界中、历史文化中捕捉灵感，并将其转化为独特的创意。我们将分享一系列行之有效的灵感激发技巧和方法。 二、 夯实基础技法，塑造专业素养 扎实的基本功是成就优秀设计的基石。《飞跃星辰》将为你提供系统、严谨的基础技法训练，让你在掌握核心技能的同时，培养卓越的专业素养。 素描基础强化： 从线条的运用、形体的塑造，到明暗的光影表现、空间感的营造，我们将提供详尽的练习素材和专业的指导，帮助你建立扎实的素描功底，无论是写实表现还是意象传达，都能游刃有余。 色彩理论与实践： 深入理解色彩的心理效应、色彩的和谐搭配、色彩的对比与统一，并通过大量的色彩练习，让你掌握色彩的运用技巧，为作品注入生命力。 构成设计原理： 学习点、线、面、形的组合与变化，掌握平衡、韵律、对比、统一等构成基本原则，理解构图对于作品视觉冲击力的重要性。 速写训练与观察力培养： 通过高效的速写练习，训练你的快速捕捉物象、提炼特征的能力，同时磨砺你的敏锐观察力，让你对世界的细节有着更深刻的感知。 透视与构图精讲： 掌握一点透视、两点透视、三点透视等透视原理，以及黄金分割、对称、对角线等经典构图法则，确保你的作品结构清晰、画面稳定。 三、 拓展设计思维，构建创新体系 设计不仅仅是技法的堆砌，更是思维的碰撞与创意的飞扬。《飞跃星辰》将引领你进入设计的思维殿堂，为你构建一套系统的创新体系。 创意发散与收敛： 学习头脑风暴、联想、类比等多种创意发散工具，并掌握如何从海量创意中筛选、提炼，形成有价值的设计方向。 用户导向的设计： 理解用户需求在设计过程中的核心地位，学习如何进行用户研究，洞察潜在需求，创造真正解决问题、满足用户体验的设计。 概念设计与叙事表达： 学习如何提炼设计的核心概念，并运用视觉语言将其有效地传达给观者，让你的设计作品不仅仅是好看，更能讲述故事，传递情感。 设计流程与项目管理： 熟悉从需求分析、概念设计、方案细化到最终呈现的完整设计流程，培养项目管理的意识，让你在未来的设计实践中更加高效有序。 跨学科设计思维： 鼓励你借鉴心理学、社会学、哲学等学科的知识，拓宽设计的边界，让你的设计更具深度和人文关怀。 四、 聚焦实践应用，链接未来职业 理论与实践相结合，才能真正实现设计梦想。《飞跃星辰》将紧密结合设计实践，为你打开通往职业世界的大门。 不同设计领域的探索： 简介平面设计、UI/UX设计、工业设计、服装设计、插画设计等热门设计方向，为你提供初步的认知和了解，帮助你找到最适合自己的发展路径。 案例分析与项目复盘： 精选国内外优秀设计作品，深入剖析其设计理念、创意过程和最终效果，让你从中学习成功经验。同时，我们也将引导你复盘自己的练习作品，找出不足，持续改进。 作品集构建指导： 提供实用的作品集准备建议，包括作品的选择、呈现方式、个人陈述的撰写等，帮助你打造一份令人印象深刻的作品集，为未来的学习和就业打下坚实基础。 设计行业趋势前瞻： 关注设计行业的最新发展动态和未来趋势，让你提前把握行业脉搏，为未来的职业发展做好准备。 学习方法与资源分享： 分享高效的学习方法，推荐优质的设计书籍、网站、在线课程等资源，让你能够持续学习，不断提升。 《飞跃星辰：你的艺术设计启航计划》，将是你艺术设计旅程中最闪耀的星辰，指引你勇敢前行，飞向属于你的璀璨天空。我们相信，通过本书的引导，你将不仅掌握专业技能，更能点燃内心的创作火焰，成为一名真正有思想、有创造力的优秀设计师。

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这本厚重的画册一拿到手，我就感觉重量感十足，油墨的香气混杂着纸张特有的干燥气息，一下子把我拉回了备考那段充满激情与焦虑的时光。装帧设计非常考究，封面采用了哑光处理，不易反光，中间的烫金字体“艺术的殿堂”显得既庄重又不失灵动。内页的纸张质地也选得极好，那种微微泛黄的米白色，对于油画和素描作品的呈现来说，简直是绝佳的底色，色彩的过渡显得格外柔和而富有层次感，即便是打印出来的图像，也仿佛能感受到原作笔触的起伏。我记得我当时翻阅时，首先被里面的章节结构吸引了，逻辑性极强，从最基础的形体结构到复杂的光影处理，再到后期的人体动态速写，层层递进，没有丝毫的跳跃感，就像一位经验丰富的老教授在为你规划每一步的学习路径。尤其是关于石膏像的解析部分，不仅提供了多角度的参考图，更搭配了细致的解剖学说明，指出哪些线条是支撑体积感的关键，哪些阴影是营造空间感的灵魂，这远比那些只展示成品图的书籍要实用得多。这种注重底层逻辑和原理的讲解方式，让人在学习过程中建立起扎实的理论基础，而不是仅仅停留在模仿表象的层面。即便是现在来看，那种严谨的学术态度也让人敬佩，它不仅仅是一本应试手册，更像是一本艺术鉴赏与技法结合的入门教材，值得反复研读和收藏。

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我必须赞扬这本书在“时间管理与应试策略”部分的处理方式，这部分内容常常是其他画册中被轻视的“花边信息”，但这本书却给予了足够的重视，且内容极其务实。它不是空泛地喊口号，而是给出了非常具体的“时间分配模型”。比如，在规定时间内完成一幅头像写生，作者建议在开始的15分钟内必须完成头部基本结构和光影定稿，剩下的时间全部用于细节的深化和环境的处理，并提供了不同科目的计时参考表。更让我受益的是关于“素材积累与记忆库”的章节。它指导我们如何系统地收集和分类自己擅长的题材、色彩倾向和人物动态，以便在考场上能够迅速调动储备。它甚至建议建立一个“错误清单”，记录自己最容易犯的笔误和结构失误，并在考前进行针对性回顾。这种高度的实战性、系统性和反思性，使得这本书从一本技法书，升华为一本“应试项目管理手册”。它清晰地告诉我，光有技术是不够的，在有限的压力环境下，高效的执行力才是决定胜负的关键。这种对考试全流程的深刻洞察，是真正从考生角度出发才能写出来的。

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这本书最大的亮点在于其对“构图与布局”的论述，可以说是独树一帜。我过去一直认为构图就是简单的三分法或者对角线法则，直到我看到了书中关于“视觉引导线”和“留白哲学”的探讨。作者用了大量的篇幅，通过古代优秀作品（如中国传统山水画的意境营造）与现代设计原则相结合的方式，阐述了画面中“非主体元素”的重要性。它详细分析了如何通过引导观众的视线，巧妙地在画面中制造节奏感和呼吸感，而不是简单地把所有主体堆砌在画面中央。其中一个关于“不确定性”构图的章节尤其让我眼前一亮，它强调了在设计中适度地打破平衡，反而能带来更强的张力和趣味性，这对于在有限的考试空间内设计出令人印象深刻的作品至关重要。这种宏观的、全局的视角，把我从单纯的局部精细描绘中解脱出来，让我开始学会“设计”一幅画，而不仅仅是“画”一幅画。这种思维上的转变，是任何速成技巧都无法替代的宝贵财富。

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我必须承认，我买这本书时是抱着一种“赌一把”的心态，因为市面上关于高考的复习资料往往都带有强烈的功利性，内容往往空泛且时效性不强。然而，这本书在色彩理论部分的深度和广度，远远超出了我作为应试准备的预期。它没有停留在简单的“三原色”理论，而是深入探讨了不同光照环境下环境色对物体固有色的影响，特别是对“冷暖对比”的处理，提供了非常直观的案例。我记得有一幅静物写生练习，仅仅通过调整背景的冷暖倾向，就能让前景的苹果瞬间“跳”出来，那种空间感的营造是教科书里很难详细描述的。书中的解析思路非常现代，引入了一些当代艺术的色彩搭配理念，避免了传统学院派过于保守和沉闷的配色方案。另外，编者在配图的选择上也十分用心，大量采用了对比度极高的优秀作品，然后逐一拆解其配色逻辑，这对于我们这些需要快速提高色彩敏感度的考生来说，简直是“雪中送炭”。它教会我的不是如何“涂色”，而是如何用色彩来“叙事”和“构建情绪”。我感觉自己像是获得了一把解锁色彩世界的钥匙，不再畏惧复杂的光影和材质表现。

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老实说，我买过不少所谓的“速成”画集，大多都是图片堆砌，美则美矣，但对于我这种零基础摸索过来的“野路子”选手来说，简直是灾难——根本不知道作者是怎么想的。但是这本画集（我猜是某个培训班的内部资料被优化了）给我的感觉完全不同，它像一个沉默寡言但极其可靠的导师。最让我感到震撼的是其中关于“动态捕捉”的那几页，作者没有采用传统枯燥的线条分析，而是用了一种近乎舞蹈分解动作的图示方法，寥寥几笔就勾勒出了人体运动中的重心转移和张力所在。我立刻尝试着模仿了几张，发现之前总是画得僵硬的模特立刻有了生命力，那种“形神兼备”的感觉第一次如此清晰地展现在我的画纸上。更值得称赞的是，它非常注重“材料特性”的讨论，比如炭条如何更好地附着在粗粝的纸面上，铅笔不同硬度在表现微妙肤色时的效果差异，甚至连修改工具的选择都有专门的篇幅进行论述。这说明编纂者不仅仅是画家，更是深谙绘画实践的工匠。我感觉自己不是在学习“画什么”，而是在学习“如何更好地用工具来表达想法”。这种由内而外的提升，远非临摹几张名家作品所能比拟的，它重塑了我对“绘画”这个行为本身的认知。

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