没骨人物技法入门奥秘 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:辽宁美术出版社

作者:杜庆元

出品人:

页数:52

译者:

出版时间:1999-11

价格:20.00元

装帧:

isbn号码:9787531423812

丛书系列:

图书标签:

• 武术
• 传统技法
• 内功
• 养生
• 功法
• 入门
• 技巧
• 武学
• 中国武术
• 身体修炼

《画骨与写神：中国人物画的笔墨之道》 本书是一部深度探索中国人物画创作精髓的专著，旨在为有志于学习传统中国人物画的读者提供一套系统、深入的笔墨技法指导。不同于市面上许多侧重于“形似”的教程，本书将重点放在“神似”的营造上，通过对历代名家画作的细致剖析，揭示笔墨在传达人物精神气质、情感波动以及内在生命力方面的独特作用。 本书共分为五个部分，层层递进，由浅入深地引导读者领悟中国人物画的笔墨奥秘。 第一部分：笔墨基础——线条的生命力 此部分将回归中国画最根本的表达语言——笔墨。我们不只讲解如何握笔、用墨，更重要的是如何让线条“活”起来。我们将从“用笔”的十八描说起，细致讲解描法的演变与实际运用，探讨不同笔法（如顿、挫、转、折、提、按）如何塑造出人物的骨骼、肌肉、衣纹等不同质感。同时，还将深入讲解“用墨”的浓淡干湿变化，如何通过墨色的层次感来表现人物的光影、体积感，以及渲染出画面的空间深度。此外，墨的晕染、破墨、积墨等技法也将一一阐述，帮助读者理解墨在塑造形体与烘托氛围上的无限可能性。我们将通过大量的图例，对比不同名家在同一题材上的笔墨处理方式，让读者直观感受笔墨的魅力。 第二部分：造型的智慧——骨骼与筋脉的勾勒 虽然本书不直接教授“没骨”技法，但对于人物画而言，理解“骨骼”是造型的关键。本部分将引导读者从解剖学角度而非西方写实素描的角度，去理解中国画中人物的骨骼结构，以及筋脉在肢体语言中的体现。我们将讲解如何通过简洁而精准的线条，准确地捕捉人物的动态和体态，做到“虽由人作，宛自天开”。这包括对头部、颈部、躯干、四肢等关键部位的比例关系和结构关系的理解，以及如何通过线条的走向和力度来暗示骨骼的起伏和肌肉的走向。我们还将探讨如何在静态的画面中通过人物的姿态和微小的表情来暗示其内在的情绪和故事，让人物“站”起来，并“活”在纸上。 第三部分：衣纹的语言——随形赋彩的笔墨之舞 人物画的灵魂，很大程度上寄寓于其衣纹的描绘。本部分将深入研究中国画中衣纹的处理之道。我们不追求西方绘画中对衣料褶皱的细致刻画，而是强调“随形赋彩”，即衣纹的走向和晕染要紧密地贴合人物的形体，并能传达人物的气质和性格。我们将讲解不同的衣纹画法，如高古游丝描、曹衣当风、吴带当风等，并分析它们各自的特点和适用的题材。重点在于如何通过笔墨的虚实、浓淡、干湿来表现衣料的质感（如丝绸的垂坠、麻布的粗糙），以及如何通过衣纹的走向来强化人物的动态和情感。书中将选取大量不同时代、不同风格的名家作品，详细解读他们笔下的衣纹是如何服务于整体画面的。 第四部分：神韵的捕捉——眼睛与表情的传达 “画龙点睛”是中国画的精髓所在，而眼睛和表情则是人物画中传达“神韵”的关键。本部分将引导读者如何透过笔墨，捕捉人物最细微的神情和内在的情感。我们将从眼睛的结构入手，讲解如何用最简练的几笔勾勒出眼神的“炯炯”或“迷离”，以及如何通过瞳孔、眼白、眉眼之间的细微关系来传达人物的喜怒哀乐、思虑深浅。同时，还将探讨面部其他表情（如嘴角、颧骨、额头）的微妙变化，以及它们如何与眼神相互呼应，共同塑造出人物生动的性格。本部分还将涉及人物“气韵生动”的几个重要方面，如如何通过人物的姿态、手势与眼神的配合，来表达人物的内心世界，达到“心有灵犀”的境界。 第五部分：意境的营造——墨色与构图的和谐统一 最后，本部分将升华到艺术的意境层面。我们将探讨如何通过墨色的整体运用和巧妙的构图，来营造出具有东方哲学意味的人物画意境。这包括如何运用墨的虚实、浓淡来处理背景与人物的关系，如何通过“留白”来引发观者的想象，以及如何通过构图的疏密、取舍来突出画面的主题和人物的精神。我们将结合具体的创作案例，讲解如何将笔墨、造型、神韵等要素融为一体，达到“笔有尽而意无穷”的艺术效果。本书将强调中国人物画的写意精神，即在“似与不似之间”寻求一种更高的艺术境界，让画面不仅是人物的再现，更是画家心境与哲学思考的体现。 本书的编写，力求语言通俗易懂，图文并茂，既有理论的深度，又有实践的指导性。我们相信，通过对本书的学习，读者将能够更深刻地理解中国传统人物画的笔墨之道，掌握其精髓，并最终在自己的创作实践中，画出有骨有神、气韵生动的人物作品。

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我最近在寻找一些关于东方水墨画中人物造型的深入研究资料，这本书虽然没有直接冠以水墨之名，但其中对‘气韵生动’的理解，却意外地契合了我的需求。它没有大谈特论那些晦涩的理论，而是通过大量的细节拆解，展示了如何用极简的笔触去表现复杂的内在情感。比如其中关于‘衣纹处理’的几个章节，简直是宝库。很多市面上的教程总是把衣褶画得过于写实，结果人物显得很‘重’，但这本书里展示的那些轻盈飘逸的线条，仿佛一阵风就能吹动它们，这恰恰是东方美学中追求的‘虚实相生’的体现。我特别喜欢它讲解‘动态平衡’的那一页，通过不同重量点位的调整，人物的重心在画面中产生了微妙的倾斜和回旋，这种对重心的把控，比单纯的解剖学知识更直观、更具艺术性。对于想要跳脱出西式素描框架、寻求更具东方神韵的人物表现的创作者来说，这本书提供了一条非常清晰的路径。

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说实话，我对这类强调“奥秘”和“入门”的书籍通常抱持着一种审慎的态度，因为很多时候它们只是把常见知识换个说法。然而，这本书在‘眼神’的刻画上，展现出了极高的专业水准和独到的观察视角。它没有像其他教程那样，教你如何画眼睛的结构，而是深入探讨了眼神所承载的‘心境’。有一个小节专门分析了‘侧视、俯视和仰视时眼球的结构变化与光影反射’，通过精细的对比图，我立刻明白了为什么我画出来的人物总是呆滞的——原来是忽略了眼睑边缘在不同角度下的微妙收缩和放松。这种对细节的极致关注，体现了作者深厚的临床观察经验，远超一般教科书的理论堆砌。它教会我的不是画出一个‘像’的眼睛，而是如何通过眼睛‘说话’，这对于提升人物的表现力是决定性的。

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我个人认为，一本好的技法书，其价值不仅在于它教了你什么，更在于它激发了你什么样的创作冲动。这本书最打动我的地方，在于它对‘人物情绪的视觉化表达’的探讨。它没有给出标准答案，而是列举了大量的案例，分析同一种情绪（比如‘沉思’或‘警觉’）在不同年龄、不同性别的人物身上是如何通过躯干倾斜度、肩膀的松紧度以及面部肌肉的细微变化来体现的。它鼓励读者去‘感受’人物，而不是‘描摹’人物。其中关于如何利用‘光影的对比度’来烘托人物内心情绪的分析，更是精妙绝伦，教会了我如何用明暗关系来制造戏剧张力。这本书仿佛在告诉我，绘画的终极目标是叙事，而人物就是最好的叙事载体。这种从技术到艺术哲学的升华，是许多同类书籍所缺乏的深度。

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这本画册的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那种略带陈旧感的米黄色纸张，触感温润，拿在手里有一种老物件的沉淀感。内页的纸张选择也很有讲究，不是那种亮得刺眼的铜版纸，而是哑光处理的，墨色印上去显得格外柔和，即便是色彩的过渡部分，也不会显得生硬。尤其欣赏的是，全书的排版布局非常克制，大量的留白不是浪费空间，而是一种呼吸感，让每一幅范例都有足够的空间被‘观看’，而不是被其他内容淹没。对于我这种初学者来说，太拥挤的图册往往让人望而生畏，但这本书的编排就像一位耐心的老师，一步步引你进入状态。它在‘形’的捕捉上确实下足了功夫，对于人体结构的基本动态把握，有几组线条的示范，简直是点睛之笔，寥寥数笔，人物的神韵就跃然纸上，那种松弛中蕴含的力量感，我观察了很久才隐约领悟到其中奥妙。我感觉这本书更像是一本艺术欣赏与基础素描的结合体，而不是单纯的技法手册，它注重的是‘意’的传达，而非‘形’的死板复制。

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这本书的结构安排非常反直觉，但深入体验后发现其匠心独运。它没有按照传统‘先画头，再画身’的线性流程，而是从人物的‘肢体转折点’入手，先建立起骨架的流动性。我过去常犯的错误是把四肢当作独立的元素来画，导致连接处生硬。但这本书似乎在强调‘关节是运动的枢纽’，通过对肘、膝、肩这些关键部位的动态分析，读者能更自然地理解身体是如何作为一个整体进行扭转和伸展的。特别是关于手部姿态的解析，它把复杂的手部动作分解成了几个基本的‘形团’，然后用非常流畅的线条将这些形团连接起来，这种抽象化的处理方式，大大降低了初学者对复杂骨骼的恐惧感。读完这部分内容，我感觉自己对人物的‘整体感’和‘连贯性’的理解提升了一个台阶，不再是零散的部位组合。

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