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出版者:中国林业出版社

作者:王树进

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-1

价格:98.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787503823114

丛书系列:

图书标签:

• 了解枯木
• 枯木艺术
• 中国传统艺术
• 雕刻
• 民间艺术
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• 传统文化

《中国枯木艺术》 这是一本关于中国枯木艺术的深度探索。本书将带领读者穿越古今，领略枯木在中华文化中的独特魅力与深远意涵。我们不仅仅是欣赏枯木本身作为一种自然雕塑的形态之美，更将深入挖掘其背后承载的哲学思想、审美情趣以及在不同历史时期所扮演的角色。 一、 枯木的哲学意蕴：静默中的生命力 在中国传统哲学中，枯木并非生命的终结，而是另一种形态的生机。“留得残荷听雨声”、“枯藤老树昏鸦”，这些诗句并非描绘绝望，而是通过静默的枯木，传递出一种历经风霜、沉淀岁月的淡然与豁达。本书将从儒释道等多个哲学流派出发，解读枯木所象征的“道法自然”、“无常”、“涅槃”等深刻概念。我们将探讨为何在中国人的眼中，枯木能够引发对生命、时间和存在本质的思考，其背后蕴含着怎样的生命观和宇宙观。 二、 枯木的艺术表现：形态、意境与象征 枯木以其独特的形态——扭曲的枝干、斑驳的纹理、简洁的线条——成为中国艺术家们钟爱的创作素材。本书将系统梳理枯木在中国绘画、书法、雕塑、盆景等艺术门类中的演变与发展。 绘画中的枯木： 从宋元时期的水墨写意，到明清的文人画，枯木如何成为表达画家心境、寄托情感的重要载体？我们将解析不同时期画家笔下枯木的造型特点、构图方式以及象征意义，例如象征君子高洁的品质，或是表达对社会现实的隐喻。 书法中的枯木： 枯木的线条感和力度常常与书法的飞白、枯笔相得益彰。我们将探讨枯木的造型如何启发书法家，在笔画中捕捉那种苍劲、古朴的韵味。 雕塑与工艺中的枯木： 历代匠人如何利用枯木的天然形态，巧夺天工，将其塑造成富有艺术感染力的器物、摆件，甚至是家具？本书将展示一些精美的枯木雕刻作品，分析其工艺特点和艺术价值。 盆景艺术中的枯木： “枯木逢春”是盆景艺术中一种极致的追求。我们将深入探讨枯木在盆景造型中的运用，如何通过枯木与活体植物的结合，创造出“枯荣相依”、“死生契阔”的生命意境，以及其所象征的坚韧不拔的生命力。 三、 枯木的文化意象：历史、宗教与民俗 枯木在中国文化中，远不止于艺术表现，它更承载着丰富的历史记忆、宗教信仰和民俗传说。 历史的见证者： 许多古老的枯木，如古树枯干，本身就是历史的活化石。它们经历了王朝的更迭，见证了时代的变迁。本书将通过一些具体的案例，讲述那些与历史名人、重大事件相关的枯木故事，赋予枯木以历史的厚重感。 宗教的象征： 在佛教中，枯木有时被用来象征“空性”与“无常”，也寓意着修行者历经苦难后的解脱与新生。我们将探讨枯木在佛教寺庙、壁画、雕塑等艺术形式中的体现，以及其所代表的宗教思想。 民俗的寄托： 在一些地方的民俗活动中，枯木也扮演着特殊的角色，例如用于祭祀、象征驱邪纳福等。本书将搜集整理一些有趣的枯木民俗传说，展现枯木在民间生活中的多重功能。 四、 枯木的当代价值：传承、创新与可持续 在现代社会，我们如何重新认识和欣赏枯木艺术？本书将探讨枯木艺术在当代社会的传承与创新。 传承与保护： 面对自然环境的变化和艺术形式的多样化，如何保护珍贵的枯木资源，并将枯木艺术的精髓传承下去？ 创新与发展： 艺术家们如何运用现代材料、技术和观念，将枯木艺术推向新的高度？当代艺术家们对枯木的理解和创作，又为这一古老艺术注入了哪些新的生命力？ 可持续的理念： 枯木本身是自然再生的一部分，其艺术创作也与环保、可持续发展的理念相契合。本书将从这一角度，探讨枯木艺术在当下社会的重要意义。 结语： 《中国枯木艺术》将是一次对静默生命力量的深度礼赞，一次对中国传统文化意蕴的细腻解读。它鼓励我们以一种全新的视角去审视那些被遗忘的、被视为“枯寂”的自然形态，从中发现生命最原始、最纯粹的力量，以及蕴含其中的东方智慧。本书旨在为读者提供一个全面、深入的视角，去理解和欣赏中国枯木艺术的独特魅力，感受那份“枯而不死”、“静而有声”的生命哲学。

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这本书的资料整合能力堪称一绝，几乎可以作为一部小型的艺术史参考手册来使用。它汇集了大量罕见的文献资料、早期的图纸记录以及不同流派艺术家的私人信件片段。这些一手资料的穿插使用，使得文本的厚度大大增加，也让读者有一种置身于历史现场的感觉。最让我感到惊喜的是，书中有一部分内容专门探讨了艺术品在不同气候带和不同光照条件下的长期变化规律，这对于收藏和保护工作具有实际指导意义。作者细致入微地描述了木材因湿度变化而产生的微小形变，以及紫外线对天然色泽的影响，这种近乎科学实验般的严谨态度，让人对作者的专业性深信不疑。总而言之，这是一部内容扎实、视野广阔、且充满了对传统艺术深沉热爱的著作，它无疑是该领域内一部重要的里程碑式的作品。

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这本书的装帧设计实在是太让人眼前一亮了，那种带着古朴气息的封面材质，触感粗粝却又有一种莫名的温润，让人爱不释手。打开书页，首先映入眼帘的是那些高清的彩印图片，每一张都像是精心打磨过的艺术品。对于一个痴迷于传统手工艺的人来说，这些图版简直是视觉的盛宴。从那些繁复精妙的雕刻纹理，到色彩沉淀出的时间痕迹，无不透露出匠人精神的厚重。我尤其喜欢其中关于材料选择和初步处理的章节，作者没有止步于表面的华美，而是深入挖掘了不同木材特性如何影响最终的艺术表达。那种对细节的执着，以及对材料的敬畏之心，通过文字和图像的完美结合，被淋漓尽致地展现出来。这本书的排版也十分考究，留白恰到好处，使得原本可能显得沉闷的学术性内容，读起来也有一种呼吸感。它不仅仅是一本介绍技艺的书籍，更像是一部行走在时间长河中的艺术鉴赏指南，引领读者去发现那些被现代审美忽略的、深藏在材料肌理中的故事和灵魂。

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从一个纯粹的审美鉴赏者的角度来看，这本书提供了一套非常清晰且富有层次感的鉴赏体系。它不仅仅停留在“好看”与否的层面，而是教会读者如何“看穿”表象，直达肌理深处的意图。作者引入了一些非常独到的术语来描述木材的“张力”和“呼吸感”，这些概念虽然抽象，但在配合具体的案例分析后，立刻变得具象可感。我特别欣赏作者在不同历史时期的风格演变中，所展现出的批判性眼光。他敢于指出某些时期因为迎合权力或市场需求而出现的“形式大于内容”的倾向，同时也会毫不吝啬地赞扬那些在逆境中依然保持独立精神的创作者。这种平衡、不偏不倚的评判标准，让这本书的论述更具公信力和学术价值，同时也为我们提供了评估当代作品的有力参照系。

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阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是一场心灵的对话。我惊讶于作者对于地域性文化符号的敏感捕捉和细腻解读。他似乎拥有某种魔力，能将那些看似枯燥的地域风俗、民间传说，巧妙地编织进艺术品的解析之中。例如，在探讨某一特定区域的雕刻风格时，作者引述了当地的祭祀仪式和农耕时节的变迁，一下子就让那件作品的“意义”活了起来，不再是孤立的物件。这种跨学科的视野，极大地拓宽了我对“艺术”边界的理解。更难得的是，作者的笔触充满了温度，他赞美了那些默默无闻的工匠，记录了他们坚守传统的艰辛与不易。读到某些段落时，我仿佛能闻到木屑飞扬的味道，感受到工匠手中刻刀的每一次稳定而有力的落下。这种对“人”的关怀，使得全书在学术的严谨性之外，多了一份人文主义的温暖底色，让人在欣赏艺术之美的同时，也对传承者抱以深深的敬意。

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这本书的叙事结构设计得非常巧妙，它没有采用线性叙事，而是通过一系列围绕“生命周期”展开的专题进行阐述。从树木的选取、入窑的陈化，到最终的塑形与打磨，每一步骤都被赋予了哲学层面的思考。特别是关于“残缺之美”的探讨，令我印象深刻。作者大胆地指出，在某些流派的创作中，保留木材本身的虫蛀痕迹、自然的裂纹，甚至是最原始的粗粝感，恰恰是最高境界的返璞归真。这与当下许多追求完美无瑕的审美倾向形成了鲜明对比。我从中领悟到，真正的艺术并非对自然的模仿或征服，而是对自然规律的顺应与共舞。书中对工具论的梳理也极其到位，那些传统的手动工具，在作者的描述下，仿佛都拥有了独立的生命和独特的“脾气”，它们是艺术家手中的延伸，是实现理念的媒介，而非简单的工具。这种对创作过程本体的深入挖掘，对我个人的实践思维有着极大的启发。

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