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出版者:上海音乐出版社

作者:史季民

出品人:

页数:181

译者:

出版时间:2003-9

价格:24.00元

装帧:

isbn号码:9787806673720

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乐理新教程——探索音乐语言的奥秘 音乐，如同宇宙的呼吸，情感的低语，是人类最古老、最普世的交流方式之一。它能激荡心灵，触动灵魂，却又常常因其抽象而显得难以捉摸。我们沉醉于旋律的优美，惊叹于和声的丰富，却往往止步于那层层叠叠的规则和原理。然而，音乐的魅力，恰恰在于其内在的逻辑与秩序。《乐理新教程》正是这样一位循循善诱的向导，它将带领你穿越音乐的表象，深入其核心，领略那隐藏在音符背后的严谨与精妙。 本书并非一本枯燥乏味的理论汇编，而是一次充满启发的探索之旅。我们旨在为每一位热爱音乐，渴望更深层次理解音乐的你，提供一把解锁音乐语言的钥匙。无论你是初涉音乐殿堂的学生，还是希望系统梳理理论知识的演奏者，亦或是对音乐创作充满好奇的爱好者，《乐理新教程》都将是你不可或缺的伙伴。 为何要学习乐理？ 很多人认为，音乐是靠天赋和感觉来创作和演奏的，理论知识只会束缚思维，扼杀灵感。但事实并非如此。乐理，并非冰冷的公式和僵化的规则，而是对音乐现象的观察、总结和提炼。它如同语言的语法，是构建清晰、有逻辑的表达的基础。 理解音乐的“为什么”： 学习乐理，能让你明白为什么某些旋律听起来如此悦耳，为什么某些和弦组合能产生如此强烈的共鸣，为什么音乐会有不同的情绪色彩。这种“为什么”的理解，能极大地提升你欣赏音乐的深度和广度。你不再是被动地接受，而是能够主动地分析、辨别，从而发现更多音乐的细节和精妙之处。 提升演奏和演唱技巧： 掌握乐理，能帮助你更准确地理解乐谱，更深刻地把握音乐的结构和情绪，从而更精准、更有表现力地进行演奏或演唱。你知道乐句的走向，知道和声的支撑，知道节奏的律动，这些都能让你在练习和表演中事半功倍。 激发创作灵感： 乐理提供了丰富的创作素材和方法。了解不同的调式、和弦进行、复调技巧，能为你提供源源不断的创作灵感。你可以有意识地运用这些理论知识，构建出自己独特的声音世界，将脑海中的旋律和情感转化为真实的音乐。 促进音乐交流： 乐理是音乐界的通用语言。掌握了乐理，你就能更顺畅地与他人交流音乐思想，与乐队成员沟通演奏细节，与作曲家分享你的理解。这种清晰、准确的沟通，对于音乐的合作和发展至关重要。 《乐理新教程》的核心内容概览 《乐理新教程》的设计，力求逻辑清晰，循序渐进，让你在掌握基本概念的同时，逐步深入到更复杂的音乐构建。本书不会让你感到 overwhelmed，而是通过精心设计的章节，让你每一步都走得扎实而自信。 第一部分：音乐的基石——音高与节奏 音高与记谱法： 我们从最基础的“声音”出发，介绍音高是如何被定义和划分的。本书将详细讲解现代音乐记谱法，包括五线谱、谱号、音符、休止符、附点音符等。我们将通过直观的图示和生动的比喻，让你迅速熟悉这些音乐的“文字”。 音程的奥秘： 音程是构成旋律和和声的基础。本书将深入浅出地讲解各种音程的类型、性质及其在音乐中的作用。你将学会如何识别和构建大调、小调、增、减音程，理解它们所带来的不同听觉感受。 音阶与调式： 音阶是旋律的骨架，调式则是旋律的“色彩”。我们将详细介绍大调音阶、自然小调音阶、和声小调音阶、旋律小调音阶，并引入不同的调式（如教会调式）的概念，让你理解不同调式所赋予音乐的独特风情。 节奏与节拍： 音乐的脉搏在于节奏。本书将系统讲解节奏的基本概念，包括拍号、小节、强弱规律。你将学习如何准确地读谱、演奏和创造各种节奏型，理解切分音、附点节奏等在音乐中的灵活运用。 第二部分：和声的语言——多声部的交织 和弦的构成： 和弦是音乐的“色彩”与“支撑”。我们将从最基本的三个音组成的“三和弦”讲起，详细介绍其构成规则、音响特点以及在音乐中的基本功能。你将学会识别和构建大三和弦、小三和弦、减三和弦、增三和弦。 属七和弦的魅力： 属七和弦是连接和弦、推动音乐发展的关键。本书将详细讲解属七和弦的构成、功能以及它在音乐中扮演的重要角色，让你理解它为何如此“具有张力”和“渴望解决”。 和弦的连接与转位： 仅仅认识和弦是远远不够的，如何将它们巧妙地连接起来，形成流畅、动听的“和弦进行”，才是真正的挑战。本书将讲解基本的和弦连接原则，介绍三和弦和七和弦的转位，让你在创作和理解音乐时，拥有更宽广的视角。 和弦的功能与色彩： 不同的和弦在音乐中有不同的“功能”，它们共同构建了音乐的“语法”。我们将讲解主、属、下属和弦的功能，以及在不同调式下的应用。理解和弦的功能，是掌握和声的关键。 第三部分：旋律与结构的构建 旋律的构成要素： 旋律是音乐的灵魂。除了音高和节奏，旋律还受到音程、音阶、调式、乐句等多种因素的影响。本书将分析旋律的构成要素，探讨如何创作出富有表现力、动听且有逻辑的旋律。 乐句与乐段： 音乐的结构如同建筑。乐句是音乐的“短语”，乐段是音乐的“句子”。本书将讲解乐句的划分、连接，以及乐段的构成与发展，让你理解乐曲是如何一步步展开的。 曲式分析入门： 了解常见的曲式结构，如单段体、二段体、三段体、回旋曲式等，能帮助你更宏观地理解音乐作品的整体布局。本书将对这些基本曲式进行介绍，为你提供分析音乐作品的工具。 第四部分：音乐的表现力与拓展 力度与表情记号： 音乐的情感表达，离不开力度、速度、表情等元素。本书将详细介绍各种力度记号、速度记号以及常用的表情术语，让你在演奏和欣赏音乐时，更能体会音乐的细腻之处。 变奏与模仿： 变奏和模仿是音乐创作中常用的手法。本书将讲解不同的变奏技法，以及模仿在音乐中的应用，为你提供更多创作上的灵感。 初步的复调概念： 复调音乐是多条独立旋律线同时进行的音乐。本书将初步介绍复调音乐的概念，让你对这种复杂的音乐织体有一个初步的认识。 《乐理新教程》的学习优势 系统性与全面性： 本书内容覆盖了乐理学习的核心要素，从基础概念到进阶应用，力求为读者构建一个完整的知识体系。 易懂性与趣味性： 我们摒弃了枯燥的术语堆砌，而是采用通俗易懂的语言，结合大量图示、表格和实例，让乐理学习过程更加生动有趣。 实用性与指导性： 本书不仅教授理论知识，更注重理论与实践的结合。我们将提供大量的练习题，帮助读者巩固所学，并将理论知识应用于实际的音乐创作与鉴赏中。 进阶性与启发性： 本书的设计考虑到了不同层次的读者需求，既能满足初学者的入门需求，也能为有一定基础的学习者提供更深入的探索。我们鼓励读者在理解基本原理的基础上，发挥自己的创造力，去探索更广阔的音乐世界。 本书适用人群 音乐学院学生： 作为入门或进阶的乐理教材，系统扎实地夯实专业基础。 音乐爱好者： 想要深入理解音乐，提升音乐欣赏水平，摆脱“听不懂”的困扰。 器乐演奏者与声乐演唱者： 提高对乐谱的理解能力，提升演奏和演唱的表现力。 业余作曲爱好者： 学习音乐创作的基本理论，将内心的旋律变为现实。 音乐教师： 作为教学参考，丰富教学内容，为学生提供更生动、更有效的指导。 结语 学习乐理，是一场关于音乐的“解码”之旅，也是一次与音乐“对话”的开始。它让你不再是旁观者，而是能够深入其中，理解它的脉搏，感受它的呼吸，甚至参与到它的创造之中。《乐理新教程》正是你踏上这段奇妙旅程的最佳伙伴。让我们一起，用理性的思维，去拥抱那感性的艺术，让音乐在你手中，在你耳中，在你心中，绽放出更加璀璨的光芒。

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这本《音乐理论导论》简直是为我这种半路出家、对古典乐理一窍不通的自学者量身定做的！我之前尝试过几本号称“零基础入门”的书，结果要么是术语堆砌，要么就是跳跃性太强，读完一头雾水。但这本书的编排逻辑实在太清晰了。它从最基础的音高、节奏概念开始讲起，像剥洋葱一样，一层一层深入。作者似乎特别懂得初学者的思维定势和常见误区，总能在关键节点插入一些非常形象的比喻或者小故事来解释抽象的概念，比如讲解三和弦构成时，那种“搭积木”的比喻，让我一下子就抓住了感觉。尤其是关于调式和功能和声的介绍，我以前觉得这部分是高不可攀的“大学教材难度”，但这本书用非常朴实的语言，结合大量的范例曲目分析，让我不再是死记硬背音阶，而是真正理解了和声进行背后的“情感逻辑”。书里附带的练习题设计得也十分巧妙，从简单的辨识到复杂的和声推导，难度梯度设计得非常平滑，每次完成一章的练习，都会有一种实实在在的进步感，而不是空泛的“学完了”。对于想要系统性地打好基础，未来想尝试作曲或者深入分析音乐作品的朋友来说，这本绝对是值得信赖的起点。

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我是一个资深的爵士乐手，主要是即兴演奏，对传统古典乐理一直抱有一种“知道点皮毛”的状态，觉得那些复杂的对位法和奏鸣曲式分析与我的演奏关系不大。直到我接触了这本《和声分析精粹》，才发现我错过了多少宝藏。这本书的视角非常独特，它没有拘泥于传统的“对错”评判，而是大量引入了20世纪以来的音乐实践，比如印象派的和声色彩、爵士乐中的延伸音和替代和弦的应用。作者在讲解调性体系时，不是简单地罗列规则，而是着重探讨了“功能是如何被打破和重建的”，这对于一个习惯于即兴和声变化的演奏者来说，简直是醍醐灌顶。书中分析了一些德彪西和拉威尔的片段，那种如何用非功能性的和声制造出模糊、流动的美感，讲解得极其透彻。我甚至开始尝试将书中学到的某些色彩和声运用到我的蓝调即兴中，效果出乎意料地好，让我的演奏层次感和色彩感瞬间丰富了不少。这本书的深度远超一般的乐理入门书，更像是一本连接古典训练与现代音乐思维的桥梁，非常推荐给有一定基础，想要拓宽音乐视野的进阶学习者。

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说实话，我购买这本《音乐理论速查手册》纯粹是为了应付即将到来的音乐学院入学考试，本以为它会是一本冷冰冰的参考书，结果却成了我复习阶段的“救命稻草”。这本书最大的优点就是它的“检索效率”极高。它不是那种需要从头读到尾的教科书，更像是一本结构严谨的工具书。所有的重要概念、记号、术语，甚至是一些不常用的对位规则，都按照字母顺序或者逻辑分类被清晰地索引出来。我经常在做练习题遇到不懂的和弦转位或者特定表情术语时，只需要花不到一分钟就能在书里找到精准的定义、图示和示例。而且，它的排版设计非常人性化，使用了大量的图表和表格来对比相似的概念，比如大小调关系的对比、各种变音记号的视觉呈现，都比我之前那本厚厚的教材直观得多。虽然它可能不适合作为系统学习的**第一本**教材，但对于考前冲刺、快速回顾知识点，或者在排练过程中需要马上确认某个符号含义的乐团成员来说，这本书的实用价值是无可替代的，绝对是案头必备的利器。

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我是一名音乐教育工作者，平时需要指导不同年龄段的学生，从七八岁的钢琴启蒙到高中音乐特长生。我一直在寻找一本既能保证科学性，又足够“有趣味性”的教材。这本《儿童音乐启蒙游戏集》恰好填补了这一空白。它完全抛弃了枯燥的说教模式，而是将乐理知识融入到各种互动游戏中。比如，讲解节奏时，设计了一个“小火车加速与减速”的游戏，让孩子们通过拍手和身体律动来感受不同时值的长短；讲解高低音时，则用“爬楼梯的蜗牛和飞翔的小鸟”的故事来对应音高的远近。最让我称赞的是，它对音高的教学方法非常巧妙，没有过早引入五线谱的复杂性，而是先从唱名和形象符号入手，让孩子们在玩乐中自然而然地建立起对音高的空间感和相对关系。这本书记载的活动方案都非常详尽，包括所需的材料、教学步骤和预期达成的目标，老师可以直接上手应用。自从用了这本书，我班上的孩子们上课的积极性明显提高了，他们不再觉得乐理是抽象的知识点，而是可以触摸、可以玩耍的音乐世界的一部分。

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我对音乐史和美学研究更感兴趣，对纯粹的技法探讨往往感到有些枯燥。因此，当我看到这本《风格与技法：跨越时代的音乐语汇》时，抱着试一试的心态翻阅了它。这本书的独特之处在于，它将乐理知识放在了更宏大的历史语境中去考察。它不是简单地告诉你“巴洛克时期用什么和弦”，而是深入分析了当时社会结构、乐器发展、以及宗教哲学如何共同塑造了那种特定的音乐“语汇”。比如，书中对比了文艺复兴时期声部进行的“平等”与巴洛克时期清晰的“主导性”，探讨了这种变化背后的权力结构转移。作者的文笔非常具有思辨性，他总是在技术细节和哲学思考之间进行巧妙的转换，让人不得不停下来思考音乐背后的“为什么”。我尤其喜欢它对“不和谐音程的解决”这一问题的处理，它不是将其视为一个技术规则，而是看作一种时代对“紧张与释放”美学追求的体现。这本书更适合作为音乐理论的延伸阅读，它能极大地丰富你对音乐作品深层意义的理解，让人从“如何演奏”跃升到“为何如此”。

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还算是很脉络清晰的

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一礼拜自学完 想学和声学了呢

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还算是很脉络清晰的

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中考完自己读的。。。很久以前的事了

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比李重光的好些