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出版者:McGraw-Hill Humanities/Social Sciences/Langua

作者:David Bordwell

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-07-18

价格:USD 68.90

装帧:Paperback

isbn号码:9780072878806

丛书系列:

图书标签:

• 电影理论
• 藝術
• 英文原版
• 专业书
• film
• Amherst
• 电影艺术
• 影视创作
• 摄影技术
• 剪辑艺术
• 电影史
• 导演手法
• 视觉语言
• 叙事结构
• 电影美学
• 镜头设计

《光影叙事：电影艺术的语言与实践》 这是一本深入探索电影这门独特艺术形式的著作。它不仅是对电影表层技巧的罗列，更是一次对电影如何构建意义、传递情感、触动人心的深刻剖析。本书将带领读者穿越光影交错的银幕世界，揭示电影语言的奥秘，理解其背后的创作逻辑与艺术追求。 一、 电影的本质：时间、空间与感知 影片的生命力在于它如何捕捉并重塑我们对时间与空间的感知。本书开篇将从电影最基础的构成元素——画面和声音——切入，解析蒙太奇如何打破线性叙事，制造节奏与情感张力；摄影机如何通过构图、景别、运动来引导观众的视线，塑造人物与环境；而声音设计，从对话、音效到配乐，如何成为情绪的催化剂，深化主题，甚至独立地叙述故事。我们将探讨特写镜头如何放大细节，全景如何展现宏观，而镜头运动则如何赋予画面以生命力和动感，引导我们进入角色的内心世界，或感受环境的氛围。 二、 叙事的力量：结构、情节与角色 电影作为一种强大的叙事媒介，其核心在于如何构建引人入胜的故事。本书将系统梳理电影叙事的结构，从经典的“三幕式结构”到更具实验性的非线性叙事，分析不同结构如何影响观众的观影体验和对故事的理解。我们将深入研究情节的运作机制，包括冲突的设置、悬念的营造、高潮的铺陈以及结局的处理，探讨这些元素如何牵引观众的情绪，使其沉浸于故事之中。同时，人物塑造也是电影叙事不可或缺的一环。本书将解析如何通过视觉呈现、对话、行为以及与其他角色的互动，来刻画立体、可信、能够引发共鸣的角色。我们将讨论主角的动机、成长弧线，以及配角在推动情节发展和丰富主题方面的作用。 三、 视觉的诗学：色彩、光影与构图 电影的视觉语言是一门深邃的艺术。本书将细致剖析色彩在电影中的运用。色彩不仅是画面的装饰，更是情感的载体、象征的符号，能够直接影响观众的情绪和对角色的认知。我们将研究冷暖色调的对比、色彩的象征意义，以及导演如何运用色彩来营造特定的氛围和表达潜藏的主题。光影作为摄影的灵魂，本书将深入探讨其表现力。明暗对比、光源的方向与质感、阴影的运用，无不为画面增添戏剧性和心理深度。我们将分析高调、低调、逆光、侧光等不同打光方式所能带来的视觉效果和情感暗示。构图则是画面的骨架。从黄金分割到对称构图，从前景、中景、后景的安排到线条的引导，每一个构图决策都承载着导演的意图。本书将带领读者理解不同的构图原则如何影响画面的平衡感、视觉焦点以及观众的观看路径，如何通过画面的组织来传递信息和情感。 四、 风格的探索：导演的印记与艺术流派 每一位伟大的导演都拥有其独特的风格，那是他们观察世界、表达思想的方式，也是其作品的灵魂所在。本书将带领读者认识不同导演的个人印记，例如某个导演标志性的镜头语言、偏爱的叙事方式、对特定主题的反复探索，以及其作品在美学上的独特性。我们将追溯电影艺术的发展历程，探讨重要的艺术流派，如法国新浪潮、意大利新现实主义、表现主义电影等，分析这些流派在电影美学、叙事手法和技术创新上的贡献，以及它们如何相互影响，共同塑造了电影艺术的版图。理解这些风格和流派，将有助于我们更深刻地理解电影的多元性和丰富性。 五、 电影的体验：沉浸、解读与反思 观影不仅仅是被动接受信息的过程，更是一次主动的沉浸和解读。本书将探讨电影如何通过节奏、氛围、情感共鸣等方式，将观众完全带入到影片的世界中。我们将学习如何解读电影的深层含义，识别其中的象征、隐喻和潜文本，理解导演的意图和影片所要传达的社会、文化信息。最后，本书将鼓励读者进行反思，思考电影作为一种艺术形式，其对我们认知世界、理解人性、激发想象力所起到的重要作用。它不仅是娱乐，更是思想的载体，是连接个体与社会、当下与历史的桥梁。 《光影叙事》是一次视觉与思想的盛宴，它将赋能读者以全新的视角去理解和欣赏电影，从一个单纯的观众，蜕变为一位懂得欣赏光影背后深刻内涵的鉴赏者。

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第一部分（第一章） 很容易跟另外一本书《认识电影》来两相比较。 但本书的第一部分内容，《认识电影》是没有涉及的。讲电影的技术，运用技术的人--制作电影的工作人员，电影拍摄，发行，商业运作等。算是对电影产业的全面介绍。 遗憾的是本章最后部分关于电影发行机制的内容已...  

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写在前面：电影像极了游戏，特别是像《土拨鼠之日》《记忆碎片》《蝴蝶效应》这种类型的片子，它们被称为whatif电影，满足了人们对日常生活能否因一小步改变从而totally改变的幻想。电影常常满足幻想，有些套路符合观众的预期从而使得他们得到一种自己存在先验性智慧的错觉，另...  

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说到电影艺术，很多人可能只是看电影，而很少去了解其背后的故事。电影是一门艺术，通过视觉与听觉的共同冲击，使观众能够得到一种超现实的感受。大卫波德维尔这个名字在电影界可谓是耳熟能详，大卫波德维尔和克里斯汀汤普森合著的这本《电影艺术》被翻译成了许多种语言，这本...

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找到最好的说故事的方法。关于特定的场景，你做出了你认为最恰当、有说服力或者有趣的个别决定。然后，在有一天结束的时候，你把他们放在一起，而别人看了会说：“那就是他们的风格”仿佛其中有某种一致性。 我认为不仅是在电影上，在文学上，哪怕在自己的专业上，也有着同样的...  

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这本书在美国出版时，对评论界和学术界是个震撼。她摆脱了长久电影理论的僵硬观念，准确的从形式主义出发，深入浅出注释电影的完整观念。它使阅读理论成为乐趣，使学生进入电影领域有所凭藉。 ——焦雄屏 华语世界最有影响力的电影人，台北金马影展主席 电影学界...  

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说实话，当我拿到这本厚重的关于电影艺术的书籍时，内心是存有一丝疑虑的——如今的电影理论汗牛充栋，还能有什么新意？然而，这本书的独到之处在于它对“声音设计”和“剪辑节奏”这两个常常被初学者忽视的维度给予了史无前例的重视。它没有停留在简单的音效分类，而是探讨了声音是如何在潜意识层面操纵观众的情绪，比如，它分析了特定频率的低音炮轰鸣如何与画面中的压迫感形成共振，从而创造出令人窒息的悬念。在剪辑部分，作者的观点极其犀利，他挑战了传统的好莱坞三幕式结构中对平滑过渡的推崇，转而推崇那些更具冲击力和打破时空连续性的“跳跃式”剪辑，并以大量的案例佐证了这种“失衡”的美学价值。我尤其欣赏其中对蒙太奇理论的现代诠释，不再是生硬的“A+B=C”，而是探讨了非线性的叙事如何解放了观众的想象力，让每一帧画面都成为了一个开放式的符号。阅读这些章节时，我的思绪如同被一股强劲的电流驱动，不断地在过去的记忆、眼前的画面和未来的推测中穿梭，这正是我认为优秀电影艺术应该带给人的体验。这本书更像是一本鼓励你打破常规、挑战既有审美边界的“叛逆指南”。

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这部电影艺术的鸿篇巨制，简直是为我这种对视觉叙事痴迷的电影爱好者量身定做的“圣经”。我几乎是迫不及待地翻开了它，首先映入眼帘的便是那些对光影、构图和景别近乎偏执的深入剖析。书中的文字如同精准的手术刀，将电影画面中那些看似不经意、实则蕴含深意的元素一一拆解。举例来说，书中对不同焦距镜头如何影响观众对空间感和人物心理的描绘，简直是醍醐灌顶。我过去看电影时，总有一种“感觉对了”的模糊认知，但这本书提供了一套严谨的分析框架，让我明白了为什么某些特定的镜头选择会引发特定的情感共鸣。比如，它详细阐述了如何利用深焦镜头来平衡前景和背景信息，从而构建出多层次的叙事张力，这完全颠覆了我对经典场景的理解。作者的笔触流畅而富有洞察力，仿佛是一位经验老到的导演在手把手地教导你如何“看”电影，而不是简单地“被动接受”电影。读完关于场面调度的那几个章节，我立刻去重温了费里尼的几部老片，这一次，我不再只关注剧情，而是完全沉浸在演员们如何在固定空间内完成复杂的走位和互动，那种精妙的平衡感，简直是一场无声的舞蹈。这本书的价值在于，它不仅是理论的堆砌，更是将晦涩的电影语言转化为人人可懂的视觉语法，极大地提升了我对电影艺术的鉴赏层次。

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我必须承认，这本书的阅读过程并非一帆风顺，它要求读者具备一定的专注力和思考的韧性。一些关于电影摄影机的机械原理和光学特性的章节，信息密度极大，我不得不放慢速度，甚至需要借助一些在线图表辅助理解。然而，正是这种需要“努力消化”的过程，才让我觉得物有所值。作者在解释复杂技术概念时，总能找到一个绝妙的比喻，将原本冰冷的技术语言赋予了艺术的温度。例如，当他描述广角镜头带来的“畸变”时，并没有简单地将其归为技术缺陷，而是将其升华为一种捕捉主体焦虑与环境压迫感的有力工具。这种对技术与美学之间辩证关系的深刻理解，贯穿全书。它教会我，最伟大的艺术往往诞生于对既有工具的极限探索和创造性滥用之中。这本书的结构也极为严谨，从基础的构图元素开始，逐步推进到复杂的叙事结构和跨媒体影响，层次分明，逻辑递进自然，就像是为一位有志于深入研究电影的学者铺设的阶梯，每一步都踏实可靠，绝无空中楼阁之感。

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最让我感到震撼和受益的是，这本书不仅仅停留在对经典作品的分析上，它还非常具有前瞻性地探讨了数字技术时代对电影艺术语言的重塑。书中关于“后真相时代”的视觉策略有着精辟的论述，讨论了CGI技术如何模糊了现实与虚构的边界，以及这种模糊性本身如何成为新的艺术表达形式。作者提出了一个尖锐的问题：当一切都可以被轻易地创造和修改时，观众对“真实感”的依赖性是否正在瓦解？这种对当下媒介环境的批判性反思，使得这本书超越了传统的教科书范畴，具备了强烈的时代感。我读到关于虚拟现实（VR）叙事对传统银幕观看体验的挑战时，感觉自己仿佛正在窥视未来十年的电影发展方向。这本书的行文风格充满了探索欲和挑战精神，它不满足于总结过去，更致力于引导读者去思考和参与塑造未来。读完后，我不再只是一个被动的电影观众，更像是一个积极的、带着批判性眼光审视新兴视觉文化的参与者，这是一种极具赋能感的阅读体验。

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这本书的篇幅和深度令人敬畏，但真正让我感到惊喜的是它对于不同历史时期和地域电影风格的跨文化比较分析。它没有固守好莱坞的叙事范式，而是将镜头对准了世界电影的广阔图景。我读到了关于日本默片时期光影哲学的阐述，那里对“留白”和“虚无感”的追求，与西方电影中对信息饱和的偏好形成了鲜明的对比。这种对比分析，让原本抽象的“风格”概念变得具象化。更令人拍案叫绝的是，书中对特定导演的“作者论”的探讨，并非流于表面的标签化，而是深入到他们创作哲学与社会背景的关联之中。例如，书中对某位东欧导演在特定政治高压下，如何利用隐喻和象征主义来表达反抗的详尽解读，让我重新认识到电影作为一种社会记录和批判工具的力量。这本书让我意识到，电影艺术的魅力，很大一部分来自于它能够超越语言的界限，以最直观的视觉符号，进行深刻的文化对话。它拓宽了我对“什么是好的电影”的定义，将我的视野从单一的商业成功，拉向了更深层次的人类表达需求。

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