具体描述
作者简介
安德烈·巴赞（Andre Bazin, 1918～1958），法国《电影手册》创办人，二战后西方最重要的电影批评家、理论家，法国新浪潮电影之父。
崔君衍，毕业于北京外国语大学，巴黎大学访问学者，哈佛大学高级访问学者，香港城市大学访问教授。主要著述有《现代电影理论信息》、《电影心理学研究》、《电影符号学》等；主要译作有《世俗神话》、《电影哲学概说》、《影片美学》；主编有《电影美学与心理学》、《电影艺术词典》、《现代艺术大辞典》电影分科等。
目录信息
读后感
1.《摄影影像的本体论》 照相术的发明彻底打破了传统绘画艺术对现实世界复原的想象和努力，直接通过摄影机复制对象，传统绘画中无法解决的艺术家的主观性问题在摄影技术这里得以解决。人类与时间抗衡的心理愿望（木乃伊情结）在照相术的发明以及之后活动影像的出现这里得到了真...
评分从未想过看一本关于电影的书是如此费劲儿。抱着耐心、好奇心、崇敬啃完了。啊，我这是啃完了一部哲学著作啊。 首先，书里面的所有影评对应的电影都。没。有。看。过。作者的笔风非常具有辩证性，说巴赞是电影的亚里士多德，真算体会到了，虽然评价的是电影，基本属于大众文化，...
评分20世纪50年代电影语言以及电影批评的转向，几乎是西方文学在二十世纪转向的一个缩影。1911年，当乔托•卡努杜振臂一挥，在《第七艺术诞生》中将电影推上艺术的万神殿时，电影还只是缪斯众姐妹里最孱弱的一位，但那时，卡努杜已经意识到诗与电影的某种亲缘关系。诗在“千年”...
评分 评分巴赞在《“完整电影”的神话》中提出了一个疑问：电影发明过程中所有决定性阶段都是在技术条件尚未齐备时就完成了，可是为何人们要到许多年以后才开始发明电影？为什么视觉暂留的光学原理自古便被认识到了，可是却迟迟不能被发明家所运用？为什么综合动作的研究始终在前，照相...
用户评价
我得说，拿到这本**《光影絮语录》**的时候，我原本是抱着一种“随便翻翻”的心态，毕竟市面上的电影理论书太多了，大多都是陈词滥调，缺乏新意。然而，这本书完全颠覆了我的预期。它最引人入胜的地方在于其强烈的批判性和大胆的思辨性。作者似乎从不满足于对既有理论的复述，而是不断地提出尖锐的问题，挑战我们对“经典”的固有认知。书中关于“作者论”在当代语境下的有效性讨论，简直是火花四溅，让我不得不停下来反复琢磨。他引入了大量的后结构主义和符号学观点，但行文却出奇地流畅，没有丝毫晦涩难懂的学究气。更妙的是，他将理论探讨与具体的、甚至有些冷门的影片案例结合得天衣无缝，使得那些抽象的概念瞬间具象化、可触摸。我尤其欣赏他对商业片与艺术片之间界限模糊化的探讨，这让身为普通观众的我，也开始重新审视自己那些被贴上“爆米花”标签的观影体验，从中挖掘出更深层次的文化内涵。这本书的价值，不在于提供标准答案，而在于提供了一套强大的、可迁移的分析工具，让你在面对任何一部新电影时，都能进行一次智力上的深度探险。读完它，感觉自己的“观影智商”都得到了一个显著的提升。
评分这部被誉为影史瑰宝的著作，**《电影的奥秘》**，简直是为所有对光影艺术怀有虔诚之心的人量身打造的圣经。我花了整整一个周末沉浸其中，仿佛被卷入了一场穿越时空的影像盛宴。作者的笔触细腻入微，将电影诞生之初那股蛮荒而又充满魔力的气息捕捉得淋漓尽致。他对于默片时代那些先驱者的描绘，不是干巴巴的历史罗列，而是充满了对他们筚路蓝缕的敬意与深切的理解。比如，书中对梅里爱如何运用剪辑创造奇迹的剖析，简直让我茅塞顿开，原来那些看似简单的技巧背后，蕴含着如此惊人的创造力和对叙事节奏的精准把控。更让我惊喜的是，书中对不同国家电影流派的梳理，清晰明了，却又绝不流于表面。无论是德国表现主义的阴郁美学，还是苏联蒙太奇理论的革命性影响，作者都用极其生动的案例和深入浅出的语言进行了阐释，让人在阅读过程中，不仅增长了知识，更重要的是，点燃了对那些经典作品的重新审视的渴望。读完后，我立刻找出了几部老电影重温，那种感觉，就像是拿到了一份隐藏的“导演解说稿”，每一个镜头、每一次运镜，都充满了新的意义和生命力。这本书真正做到了，它不仅仅是讲述了电影“是什么”，更重要的是，它教会了我们如何去“看”电影，去感受光影背后的情感与哲思。
评分我通常对那些过于“学院派”的理论著作感到头痛，但**《影像叙事的结构解析》**却以一种近乎数学般的严谨性，征服了我这个非专业人士。这本书的伟大之处在于，它提供了一套近乎完美的、可量化的叙事模型，用来拆解任何一部电影的骨架。作者摒弃了那些模糊的情绪化描述，转而关注故事是如何被构建、信息是如何被分层递进地呈现给观众的。他将经典的三幕剧结构，扩展到了更为复杂的多线叙事和非线性叙事中，并且用大量的图表和流程图来辅助说明，这对于习惯了视觉化学习的我来说，简直是救星。书中对于“悬念的数学公式”、“信息延迟的有效性”等章节的分析，清晰地揭示了商业片成功的底层逻辑，同时也为独立电影工作者提供了打破常规的思路。它不是在教你如何讲故事，而是在告诉你，所有被认可的故事，在结构上都遵循着某些普适的规律。读完后，我再去看任何一部好莱坞大片时，眼睛里仿佛多了一副X光透视镜，能清楚地看到导演是如何精准地操纵我的期待和情感释放点的。这是一本工具书级别的著作，实用性、思辨性和结构美感达到了罕见的平衡。
评分说实话，我对理论书籍总是敬而远之，总觉得它们枯燥乏味，像是被锁在象牙塔里的陈旧教条。但是，**《镜头的语言》**完全是另一种体验，它简直就是一本写给“影像迷”的私房笔记，充满了真诚的热情和迷人的细节。这本书的叙事方式极其个人化，作者仿佛坐在你旁边，一边喝着咖啡，一边跟你分享他观察到的那些微小却至关重要的电影技巧。他没有用那些高深的术语去吓唬人，而是专注于“如何做”和“为什么这样做”。比如，他花了好几章的篇幅来讨论景深、焦距和光线在营造角色心理状态上的细微差别，那种分析细致到了令人发指的地步——明明只是虚化了背景，怎么就能让人感受到人物内心的疏离感？通过书中大量插图和对具体场景的分解还原，我第一次真正理解了摄影机运动不仅仅是为了“跟随”角色，它本身就是一种情绪的延伸。这本书的语言风格非常口语化，带着一种老派的优雅和对电影制作工艺近乎偏执的热爱，读起来让人感到无比的亲切和鼓舞。它不会让你觉得高不可攀，反而激发了一种强烈的冲动：拿起相机，去试试看！它证明了，最好的理论，往往是那些能够激发创造力的理论。
评分这本书**《银幕上的哲学》**的阅读过程，对我而言更像是一场精神的朝圣之旅。它并非传统意义上的电影制作指南或历史编年史，而是深入挖掘了电影这种媒介在承载人类终极命题时的独特能力。作者的视角极其宏大，横跨了存在主义、现象学乃至东方哲学对电影文本的阐释。我特别喜欢他对“时间性”在电影中体现的讨论——无论是长镜头中流逝的真实时间，还是剪辑中被压缩或拉伸的主观时间，都被提升到了形而上学的层面。书中对安东尼奥尼、塔可夫斯基等“沉思型”导演作品的解读，精妙绝伦，丝丝入扣，它们不只是在谈论电影，更是在探讨人类面对虚无、记忆和死亡时的不同姿态。坦白说，这本书的阅读门槛不低，需要读者具备一定的哲学背景或愿意投入精力去理解复杂的概念，但一旦跨越了初期的适应期，随之而来的认知震撼是无与伦比的。它让我意识到，电影远不止是娱乐，它是一种强有力的哲学实践场域。它拓宽了我对艺术边界的想象，让我对那些看似缓慢或晦涩的电影有了前所未有的耐心和理解。
评分没有绝对的真实，只是尽力追求艺术的真实。
评分没有绝对的真实，只是尽力追求艺术的真实。
评分巴赞有非常浓郁的现象学意识和视角 这个真的让人非常叹服 一个没有严格现象学训练的人 有如此敏锐的直觉 在monde、chose、ontologie以及动物等问题上即使仅仅只读过萨特也已经有充分的现象学深度 包括cinéma total和réalisme在历史纬度上的telos意味都非常的胡塞尔/Cerf的四卷本很有意思纸张是铜版纸还有很多剧照插图和照片 比英文版读着可爱
评分巴赞有非常浓郁的现象学意识和视角 这个真的让人非常叹服 一个没有严格现象学训练的人 有如此敏锐的直觉 在monde、chose、ontologie以及动物等问题上即使仅仅只读过萨特也已经有充分的现象学深度 包括cinéma total和réalisme在历史纬度上的telos意味都非常的胡塞尔/Cerf的四卷本很有意思纸张是铜版纸还有很多剧照插图和照片 比英文版读着可爱
评分没有绝对的真实，只是尽力追求艺术的真实。
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