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出版者:上海教育出版社

作者:傅利民

出品人:

页数:166

译者:

出版时间:2005-10

价格:25.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787544400886

丛书系列:

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《西方管弦乐队配器法精要》内容简介 本书旨在为音乐专业学生、作曲家及编曲者提供一套系统、深入且实用的西方管弦乐队配器技术指导。 聚焦于古典时期至浪漫主义晚期这一西方管弦音乐发展的核心阶段，本书以清晰的逻辑结构，详尽剖析了大型管弦乐队中各类乐器组（木管、铜管、打击乐及弦乐）的音域特性、音色特点、演奏技法、组合潜力及其在不同织体与和声背景下的应用策略。 本书超越了简单的乐器性能罗列，深入探讨了配器作为一门艺术与科学的内在规律。它不仅教授“如何写给小提琴”，更阐释了“在特定的情感表达和音乐结构中，小提琴群应如何与中提琴、大提琴及低音提琴形成有效的张力与融合”。 --- 第一部分：管弦乐队的基石——乐器组特性与音域规划 本部分是理解西方配器体系的基础，详细介绍了管弦乐队四大声部家族的个体特征及其相互关系。 第一章：木管组的色彩魔术师 木管组以其极强的音色可塑性和快速的反应能力著称。 长笛与短笛： 深入分析其高音区的穿透力与穿透性，尤其关注短笛在辉煌段落中的装饰性应用。探讨长笛在低音区的“管乐的弦乐感”的微妙处理，以及使用泛音（flageolet register）创造的空灵效果。 双簧管与英国管： 强调双簧管特有的、略带鼻音的、穿透力强的中高音区音色，以及其在表达牧歌式旋律和略带忧郁色彩时的不可替代性。详尽解析英国管的音域特点，如何通过与圆号的配合，创造出中提琴声部难以企及的温暖与深沉。 单簧管家族： 全面覆盖降E调单簧管、降B调/A调单簧管，以及中音单簧管（Clarinet in C/Alto Clarinet）。重点分析其宽广的音域，特别是“黑匣”（chalumeau register）的醇厚与“清晰音区”（clarion register）的明亮对比。详细论述单簧管如何在不同调性中灵活转换，以适应和声要求。 巴松与低音巴松： 探究低音声部的骨干，巴松如何提供坚实的基础，以及其在中音区（tenor register）出人意料的歌唱性。低音巴松的运用，则侧重于对整个乐队低频下限的拓展和深化。 木管的组合与衔接： 探讨如何通过交替演奏（alternating passages）实现木管组内部的无缝衔接，以及利用不同乐器的音区重叠（doubling）来增强特定旋律线的力度与清晰度。 第二章：铜管组的力量源泉 铜管组代表着力量、庄严与英雄主义，其发声原理决定了其在宏大配器中的核心地位。 圆号（French Horn）： 被誉为“最像人声的铜管乐器”。本书将圆号置于核心地位，分析其在多调性写作中的调性灵活性，以及如何通过手制音（hand-stopping）技巧实现音色的柔化与模糊化。重点讨论圆号组在和声铺陈和连接木管与低音部时的桥梁作用。 小号（Trumpet）： 区分降B调、C调小号在音色上的细微差异。重点解析其高音区的辉煌性，以及在“弱奏”（pianissimo）时如何保持清晰度。探讨在巴洛克和古典时期配器中，其纯粹的军乐色彩与浪漫主义后期更具融合性的运用方式。 长号（Trombone）： 深入研究其滑管机制带来的连续音高变化潜力。详述次中音长号与低音长号的配置比例，以及它们在和声底部提供的厚重感。 大号（Tuba）： 作为一个独立的低音乐器，分析其如何在不牺牲清晰度的情况下，承载最深沉的低音，并与低音提琴、低音巴松形成有效的低音区“三明治”结构。 铜管组的布局： 详细讲解如何在不同织体中安排铜管，例如，是让它们齐奏支撑主旋律，还是分散使用来增加和声的色彩变化。 第三章：弦乐组——情感的万花筒 弦乐组是西方管弦乐队的绝对主体，其音域覆盖最广，表现力最为丰富。 小提琴 I 与 II： 深入探讨双层（Double stopping）与三层演奏的技法，分析如何通过对位关系将两组小提琴的音区错开，以达到比单线更饱满的效果。重点区分在不同把位上的音色变化。 中提琴： 强调中提琴在中声部的“粘合剂”作用，分析其音色在安静时略带的忧郁与在强奏时对整体和声的支撑作用。 大提琴与低音提琴： 大提琴不仅是低音声部，其高把位（Thumb position）的旋律性写作技巧。低音提琴则侧重于节奏的稳定性和低频的支撑，同时探讨其在独奏段落中展现出的罕见的力量感。 弓法与触弦技法： 系统梳理“触弦”（Articulation）在弦乐中的无限可能：如连弓（Legato）、分弓（Détaché）、跳弓（Sautillé）、撞弓（Martelé）、大力拉奏（Col legno）和泛音（Harmonics）等，并结合实例说明每种技法的情感指向。 第四章：打击乐器的点睛之笔 打击乐组被视为管弦乐队的“调味料”，其使用需精准且富有目的性。 定音鼓（Timpani）： 不仅仅是节奏工具，而是音高和色彩的控制者。详细论述其调音规则、踏板运用，以及如何通过其持续音（Roll）来增强和声的紧张感或辉煌感。 敲击乐器： 区分具有固定音高（如马林巴、颤音琴、钟琴）和无固定音高（如小军鼓、大鼓、钹）的乐器。重点指导如何在配器中，根据音乐所需的“噪音”或“色彩”来选择合适的打击乐器，避免不必要的堆砌。 --- 第二部分：配器的核心原则与高级技法 此部分将理论知识转化为实际的作曲操作，涉及织体构建、动态控制和对位策略。 第五章：音色混合与织体构建 配器的核心挑战在于如何让不同的乐器在不互相掩盖的前提下共存。 平均律与重叠原则： 探讨如何使用不同音区（Register）的乐器来支撑一个单一旋律线（Unison Doubling），确保其清晰度。例如，如何用长笛的上部与小提琴的下部进行音色“融合”，而非简单的音高叠加。 对比与分离： 学习如何通过音色对比来突出主旋律。例如，将旋律置于管乐组，而将伴奏置于弦乐组，或利用铜管的尖锐与木管的柔和进行对话。 和声的“填充”策略： 解析和声内部各个声部（和弦的根音、三音、五音、七音）应分配给哪些乐器。强调低音的清晰度对和声整体结构的影响，以及高音的密度对音乐“光泽”的决定作用。 第六章：动态控制与力度渐变 动态（Dynamics）在配器中并非仅仅是标记 $p$ 或 $f$，而是乐器组合的物理结果。 固有力度分析： 建立一套关于“哪些乐器天生响亮，哪些乐器天生微弱”的认知体系。例如，在相同的标记下，小号齐奏的实际音量远大于双簧管齐奏。 渐强与渐弱的配器实现： 教授如何通过逐步增加或减少演奏乐器数量（尤其在弦乐组中增加演奏人数），来实现比简单的渐强标记更具说服力的动态变化。 弱奏的挑战： 探讨如何在保持清晰度的前提下，达到极弱的音量（ppp），这通常要求精简乐器配置，并利用那些发声效率高的乐器在中低音区进行。 第七章：对位配器与声部独立性 在复杂织体中，确保每一个声部都能被清晰地听见，是检验配器功力的标准。 声部分离的音区策略： 利用乐器音域的天然区隔来保障对位声部的独立性。例如，将高音旋律置于长笛，中声部对位置于英国管，低音声部置于大提琴。 管弦乐的复调写作： 借鉴巴赫和莫扎特的对位思想，在管弦乐队的框架内实现复杂对位。指导如何使用“变调”（Transposition）技巧，使得不同乐器的对位旋律在听觉上保持一致的逻辑性。 管弦乐的“独奏化”： 详细指导如何将协奏曲的理念融入管弦乐配器中，通过色彩突变、增加弓法变化或使用弱音器（Mute）等手段，使某一乐器组或单件乐器暂时凸显为“独奏者”。 --- 第三部分：风格与历史语境下的配器演变 本书的最后部分将配器技术置于历史发展的长河中考察，使学习者理解不同时期作曲家如何利用其时代的乐器资源。 第八章：从古典到浪漫的配器变迁 古典主义配器（海顿、莫扎特）： 分析以木管为基础，弦乐为骨干的“平衡”配器。重点关注早期乐队中圆号和定音鼓的“填充”作用，而非旋律主导性。 贝多芬的突破： 考察贝多芬如何赋予铜管组以戏剧性的力量，并首次将长号引入交响曲，以拓展情感张力的边界。 浪漫主义的扩张（柏辽兹、瓦格纳）： 研究如何系统地扩展乐队规模，增加木管和铜管的编制，以应对作曲家对极端音响和复杂和声色彩的需求。重点分析“音色叠加”如何成为新的和声构建方式。 第九章：现代配器的预备知识 在掌握了古典浪漫体系后，本章引导学习者初步了解二十世纪配器技术的拓展方向。 特殊效果的系统化： 对如无音演奏（Sul ponticello, Sul tasto）、特定把位和弦、以及大型打击乐组的组合进行简要介绍，为学生向更现代的配器语言过渡提供必要的术语和概念基础。 总结： 《西方管弦乐队配器法精要》不仅是一本工具书，更是一份通往大师级管弦乐思维的路线图。它要求读者投入时间去聆听、去实验，最终掌握将抽象音乐概念转化为令人信服的、有血有肉的管弦乐音响的全部奥秘。

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这本书给我的感觉是，它不仅是一本教材，更像是一位经验丰富的老师，耐心地引导着我走进中国民族器乐配器的世界。作者的语言风格非常平实，却充满了智慧。我尤其欣赏他对“音色融合与对比”的独到见解。他解释说，民族乐器的音色各有特色，有时候需要巧妙地融合，让它们成为一个整体，有时候则需要制造对比，突出个体的闪光点。他举了一个例子，说二胡的凄婉与唢呐的激昂，如何通过巧妙的编排，能够产生出人意料的戏剧性效果。书中的一些配器技巧，比如如何利用打击乐器来烘托气氛，如何通过管乐器的长音来连接乐句，都给我留下了深刻的印象。我之前总觉得民族器乐的打击乐运用比较单一，这本书让我看到了打击乐器在营造节奏、色彩和情感上的巨大潜力。而且，作者在讲解时，还会时不时地穿插一些自己在配器实践中的体会和心得，这让整个学习过程更加生动有趣，也让我觉得这位作者非常接地气，真正理解我们学习者会遇到的困难。

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刚拿到这本书的时候，我就被它厚重的质感和精美的装帧所吸引，但真正让我爱不释手的是书中呈现出的那种“鲜活”的配器思路。它不像很多理论书籍那样枯燥乏味，而是充满了实际操作的指导意义。我特别喜欢书中关于“不同地域民族器乐的配器特点”的篇章，作者列举了不同地区乐器的代表性乐器，并详细讲解了它们在配器中的功能和地位。比如，在描写北方草原风情时，他会着重介绍马头琴、口弦等乐器的搭配，以及如何通过节奏的张弛来营造辽阔感；而在描绘江南水乡时，则会侧重于古筝、琵琶、二胡等乐器的细腻揉弦和婉转旋律的组合。这种地域性的讲解，让我感觉自己仿佛置身于不同的音乐场景中，也更容易理解为何某些乐器组合会产生特定的音乐效果。书中的配器示例也非常丰富，不仅仅是简单的音符罗列，而是包含了对乐器演奏技巧、力度变化、音色对比的详细标注，这对于我们初学者来说，简直就是宝藏。我试着按照书中的指导，为几首简单的民歌进行配器，效果出乎意料地好，明显比我之前自己摸索时要饱满和有层次感。

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这本书的价值，在于它为我们提供了一个系统而深入的学习平台。作者对中国民族器乐配器历史的梳理，以及对不同时期代表性配器作品的分析，都让我大开眼界。我之前对一些古老的配器手法只是略有耳闻，这本书让我看到了它们是如何在现代配器中得到传承和发展的。他特别提到了“散声器乐”的运用，让我对一些不常见的民族乐器，比如尺八、古琴等，在配器中的潜力和可能性有了新的认识。书中还讲解了如何根据不同的音乐体裁（比如独奏、重奏、合奏、协奏）来设计配器，以及如何处理乐器之间的平衡问题，这些都是非常实用的技巧。而且，作者的讲解逻辑非常清晰，从宏观到微观，从理论到实践，层层递进，让我在学习过程中不会感到迷茫。读完这本书，我感觉自己不仅掌握了一些基本的配器方法，更重要的是，我学会了如何去“听”和“感受”配器，如何用自己的耳朵去判断一个配器的好坏，这对于我未来的音乐创作和演奏，都将产生深远的影响。

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这本书我看了大半，感觉它在理论讲解上非常扎实，作者对中国民族器乐的理解深入骨髓，这一点从他如何梳理不同器乐声部的关系、如何处理节奏的交织与律动中就能看得出来。我印象最深的是关于“五声调式配器”的章节，作者没有止步于简单的音程关系，而是通过大量的实例分析，讲解了如何利用民族乐器的特有音色和表现力，去丰富和发展五声调式，让原本可能显得单薄的旋律瞬间有了厚度和立体感。他尤其强调了乐器之间的“对话”感，不仅仅是简单的旋律叠加，而是如何让不同的乐器在空间和时间上产生有趣的呼应，形成一种“声景”。书中对一些经典民族乐曲的配器分析，也让我受益匪浅，我之前总觉得某些段落听起来有些“空”，看了这本书才知道，原来是某个声部没有得到恰当的安排，或者乐器组合的比例失衡。这种细致入微的分析，让我对民族器乐的配器有了全新的认识。而且，作者在讲解时，大量引用了中国古代的音乐理论，并将之与现代配器技巧相结合，这无疑为我们这些学习者提供了一个更广阔的视角，也让我感受到了中国传统音乐的博大精深。

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读这本书的过程，就像是在与中国民族器乐进行一场深度的对话。作者没有回避复杂的问题，而是用一种循序渐进的方式，将配器的奥秘一层层揭开。我特别被书中关于“织体与层次”的讲解所打动。他用“线描”、“渲染”、“烘托”等生动的比喻，来解释不同的配器织体如何营造出不同的音乐肌理。比如，他会讲到，在表现抒情段落时，可以使用“线描”式的配器，让每一件乐器都能清晰地听到其旋律线条；而在表现宏大场面时，则可以采用“渲染”式的配器，让乐器群的声音相互叠加，形成厚重的音响效果。书中对不同乐器组（比如吹管乐组、弦乐组、弹拨乐组、打击乐组）的配器功能和特点的分析，也让我对整个民族乐器的家族有了更清晰的认识。我之前对有些乐器的配器功能并不太了解，读完之后，我发现自己能够更准确地判断哪些乐器适合扮演什么角色，如何让它们在整个配器中发挥最大的作用。

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