具体描述
Poets often have responded vitally to the art of their time, and ever since Susan Stewart began writing about art in the early 1980s, her work has resonated with practicing artists, curators, art historians, and art critics. Rooted in a broad and learned range of references, Stewart's fresh and independent essays bridge the fields of literature, aesthetics, and contemporary art.
Gathering most of Stewart's writing on contemporary art--long and short pieces first published in small magazines, museum and gallery publications, and edited collections--"The Open Studio" illuminates work ranging from the installation art of Ann Hamilton to the sculptures and watercolors of Thomas Schutte, the prints and animations of William Kentridge to the films of Tacita Dean. Stewart's essays are often the record of studio conversations with living artists and curators, and of the afterlife of those experiences in the solitude of her own study. Considering a wide variety of art forms, Stewart finds pathbreaking ways to explore them. Whether she is following central traditions of painting, drawing, sculpture, film, photography, and printmaking or exploring the less well-known realms of portrait miniatures, collecting practices, doll-making, music boxes, and gardening, Stewart speaks to the creative process in general and to the relation between art and ethics.
"The Open Studio" will be read eagerly by scholars of art, poetry, and visual theory; by historians interested in the links between contemporary and classic literature and art; and by teachers, students, and practitioners of the visual arts.
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
这本书给我的最大感受是“解构”的力量。作者似乎有一种近乎外科手术般的精确性，将“工作室”这个概念——这个在传统艺术史中被神圣化的圣殿——层层剥开，展示其内部的运作机制。它成功地将社会学、人类学甚至一点点后现代哲学理论的工具，无痕地融入到对日常创作状态的描述中。我特别喜欢其中关于“噪音与沉默”的辩证分析。在当今这个信息爆炸的时代，持续的连接和即时的反馈成为了常态，而这本书却提醒我们，真正的创造力往往孕育于刻意的隔绝和专注的沉默之中。作者对比了不同文化背景下，艺术家如何处理外部干扰，这种跨文化的对比视角，极大地拓宽了我的视野。它不是一本提供简单答案的书，它更像是一个高明的提问者，不断地抛出尖锐的问题，迫使读者去面对自己创作实践中那些潜藏的、未被言明的假设。对于那些试图突破自身创作瓶颈，寻求理论支撑以深化实践的艺术家和学生来说，这本书无疑是一剂强效的催化剂。
评分我得承认，我是被这本书的装帧和那个略带挑衅性的标题吸引的。但读完之后，我发现它的内涵比外表深刻得多。这本书的结构设计非常巧妙，它没有采用传统的线性叙事，而是像一个迷宫，每当你以为自己找到了中心时，又会被引向另一个意想不到的分支。它对“空间如何塑造观念”的探讨，特别是关于临时性装置艺术（Ephemeral Art）的章节，让我对“驻地创作”的概念有了全新的理解。作者并非仅仅记录了几个著名的“驻地项目”，而是深入挖掘了这些短暂的物理空间如何催生出持久的思维变革。我尤其欣赏作者在讨论技术媒介时表现出的审慎态度，既不盲目崇拜新技术带来的便捷，也不因循守旧地排斥改变，而是在两者之间寻找一个动态的平衡点。这种平衡感贯穿全书，使得即便是涉及前沿数字艺术的讨论，也充满了历史的厚重感和对工艺的尊重。总而言之，这是一部充满思辨性、结构复杂但阅读体验极为丰富的作品，需要慢慢咀嚼，每一遍重读都会有新的发现。
评分我对这本《The Open Studio》的喜爱，源于它所体现出的那种难能可贵的“谦逊的宏大叙事”。它并没有试图用一个单一的理论框架去囊括所有艺术实践，而是以一种极为包容的姿态，接纳了各种形式、各种规模、甚至不同时代背景下的工作室形态。从个体雕塑家的尘土飞扬的地下室，到大型跨学科团队在虚拟空间中的协作界面，作者都能找到一条清晰的线索将它们联系起来，那就是对“场所精神”（Genius Loci）的探寻。书中对于光线、气味、工具的磨损痕迹这些感官细节的描写，达到了令人惊叹的细致程度，让人仿佛能闻到松节油和陈旧木材混合的味道。这种对感官世界的深度投入，使文本摆脱了纯理论的枯燥，获得了近乎诗歌般的质感。我感觉自己不是在阅读一本关于艺术的书，而是在经历一次深刻的、关于“存在的场所”的田野调查。它教会我的最重要的一课是：最好的工作室，或许并不在于它对外如何敞开，而在于它对创作者内心世界如何坦诚。
评分说实话，我拿到这本书时，还以为它会是那种只会堆砌华丽辞藻，内容空洞的“精英读物”。然而，我被它那种近乎粗粝的诚实感深深吸引住了。这本书最厉害的地方在于，它敢于直面艺术创作中最不光彩、最容易被掩盖的部分——那些失败的尝试、那些无休止的自我怀疑，以及为了支付账单而不得不做的妥协。它没有提供那种光鲜亮丽的“幕后花絮”，而是呈现了一个真实、充满汗水和挫折的“现场”。作者的叙事风格非常接地气，夹杂着一些只有长期在创作一线摸爬滚打的人才能理解的幽默和自嘲。例如，书中描述艺术家如何与不同类型的委托人周旋，以及在预算极其有限的情况下，如何用最原始的材料创造出惊人的效果，这些片段读起来就像在听一位老朋友讲述他的血泪史，让人产生强烈的共鸣。它不是教你如何“画得像”，而是教你如何“活得像一个创作者”，如何在商业洪流中保持自己声音的纯净度。这本书的价值，远超出了任何技术指导手册的范畴，它更像是一剂对抗职业倦怠的强心针，让你重新找回初次拿起笔时的那种纯粹的激情。
评分这本《The Open Studio》简直是本年度的阅读惊喜！我通常对这类偏向艺术理论或工作室实践的书籍抱持着审慎的态度，总担心会陷入故作高深的术语泥潭，但这本书完全打破了我的预期。作者的叙述极其流畅自然，仿佛是坐在一个阳光充足的工作室里，与一位经验丰富、坦诚相待的艺术家进行着一场深入的对话。尤其让我眼前一亮的是，书中对“开放”这一概念的探讨，并非仅仅停留在物理空间的可进入性上，而是深入剖析了创作过程中的心理透明度与知识共享的伦理困境。书中通过一系列引人入胜的案例研究——从早年间强调神秘感的文艺复兴作坊到当代强调协作和去中心化的数字艺术项目——构建了一个跨越时空的对话场域。作者并没有给出标准化的“成功秘诀”，反而更像是一位高明的引导者，帮助读者审视自己对“秘密”与“展示”的执念。那些关于如何处理创作瓶颈的章节，尤其真实可感，充满了对日常琐碎与灵感闪现之间张力的细腻捕捉，让人读后不仅想拿起工具，更想重新审视自己与创作环境的关系。它的文字力量在于，它将一个看似专业的主题，转化为关于人如何与世界建立真实连接的哲学思考。
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