Dan Flavin

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出版者:Yale University Press
作者:Michael Govan
出品人:
页数:208
译者:
出版时间:2004-10
价格:USD 60.00
装帧:Paperback
isbn号码:9780300106329
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术
  • 装置艺术
  • 光艺术
  • 极简主义
  • 当代艺术
  • 雕塑
  • 艺术家
  • 美国艺术
  • 20世纪艺术
  • 荧光灯
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具体描述

Dan Flavin (1933-1996) is considered one of the most important and innovative artists of the late twentieth century. The simplicity and systematic character of his extraordinary work, along with his relentless exploration and ingenious discovery of an art of light, established him as a progenitor and chief exponent of Minimalism. Uniquely situated outside the mediums of painting and sculpture, the majority of Flavin's work after 1963 consists of art made from light. This landmark book, the first retrospective publication of Flavin's art since 1969, includes around 45 of the artist's most important light works, beginning with a pivotal series of constructed boxes with attached incandescent or fluorescent lights, called "icons", made from 1961 to 1963. Works spanning Flavin's career are discussed in depth, including examples that integrate light with the surrounding space and show the particular characteristics of blended fluorescent light, large-scale installations, and constructed corridors. The book also includes reproductions of Flavin's drawings, which show his thought processes and working methods. New scholarship and interpretation of Flavin's work appears in the form of three critical essays by experts, an extensive chronology, comprehensive bibliography, and exhibition history. In addition, Flavin's seminal text '...in daylight or cool white.' an autobiographical sketch, originally published in Artforum in 1965, is included. Exquisitely designed and produced, with many new stunning colour reproductions, Dan Flavin: A Retrospective captures the brilliance of this artist's contribution to and challenges of the art world and will be the authoritative volume on Flavin for years to come. This book is published in conjunction with a major exhibition on view at the National Gallery of Art, Washington, D.C. (October 3, 2004 to January 9, 2005); Museum of Modern Art, Forth Worth (February 25 to June 5, 2005); Museum of Contemporary Art, Chicago (July 1 to October 30, 2005); and other venues to be announced.

关于《色彩的无限诗意》 《色彩的无限诗意》是一部深度探索色彩及其在视觉艺术、人类感知和精神体验中角色的著作。作者以其敏锐的观察力和深刻的洞察力,带领读者踏上一段跨越历史、文化和学科的色彩之旅。这本书不仅是对色彩物理属性的科学解读,更是对其所蕴含的丰富情感、象征意义和哲学思考的全面审视。 本书首先追溯了色彩在人类文明早期扮演的角色。从原始洞穴壁画中提取的天然颜料,到古老文明中对特定色彩的崇拜与运用,作者细致地描绘了色彩如何与人类的生存、信仰和身份认同紧密相连。例如,书中会探讨古埃及人如何利用矿物质提炼出鲜艳的颜料,并将特定的色彩赋予神圣的意义;或者分析中国传统文化中,红色象征吉祥、黄色代表皇权等色彩编码的形成过程。这些历史性的叙述,为理解色彩的文化演变奠定了坚实的基础。 接着,《色彩的无限诗意》深入到色彩的科学原理。本书会以清晰易懂的语言解释光的本质、光谱的构成以及人眼如何感知颜色。读者将了解到三原色理论、色彩混合的原理,以及不同光照条件对色彩感知的影响。作者还会探讨色彩的心理学效应,例如蓝色带来的平静感、黄色唤起的活力,以及红色可能引发的情绪波动。这些科学层面的阐释,为理解色彩的视觉和心理影响提供了客观依据。 本书的另一重要维度是色彩在艺术创作中的应用。作者将审视不同艺术流派如何运用色彩来表达情感、构建画面、传递信息。从文艺复兴时期画家对色彩的细腻运用,到印象派对光影与色彩关系的革命性探索;从野兽派大胆而强烈的色彩碰撞,到抽象表现主义艺术家对色彩纯粹力量的追求,本书将通过丰富的艺术案例,揭示色彩在不同艺术风格和运动中的多重功能。书中可能会分析梵高如何用鲜明的色彩表达内心的激荡,莫奈如何捕捉瞬间的光色变化,或者马蒂斯如何以色彩的纯粹性创造出充满生命力的作品。 《色彩的无限诗意》也关注色彩与我们日常生活环境的互动。本书会探讨色彩在建筑设计、室内装饰、时尚潮流以及品牌标识中的重要性。色彩如何影响我们的情绪、行为,甚至消费决策,都将在书中得到细致的分析。例如,关于医院空间如何通过色彩选择来营造舒缓的氛围,或者餐厅设计如何利用色彩来刺激食欲,这些具体的例子将使色彩的实际应用更加直观。 更进一步,本书触及了色彩的象征意义和哲学内涵。作者会探讨不同文化背景下,同一色彩可能承载的截然不同的含义,以及色彩作为一种普遍的语言,如何跨越语言的障碍,直接触达人类的内心。书中还会思考色彩的抽象性和精神性,探讨色彩如何能够唤起我们对生命、宇宙和存在的深层思考。例如,作者可能会探讨佛教中色彩的象征意义,或者从东方哲学角度理解色彩的阴阳五行之说。 《色彩的无限诗意》并非一本枯燥的学术论文,而是一次充满启发的感官与智力体验。作者以优美的文字和富有逻辑的结构,引导读者重新审视我们司空见惯的色彩世界。通过阅读本书,读者将不仅仅是认识色彩,更是学会“看见”色彩,理解色彩的语言,并最终在生活中发现更多隐藏在色彩中的无限可能与诗意。无论您是艺术家、设计师,还是对世界充满好奇的普通读者,本书都将为您打开一扇通往色彩奥秘的全新大门。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书真是太让人出乎意料了!我原本以为会是一本关于艺术史的枯燥论述,毕竟封面设计简约到几乎有些冷淡,但翻开后才发现,它更像是一场深入心灵的对话。作者的笔触极其细腻,他没有直接堆砌那些晦涩难懂的专业术语,而是用一种近乎诗歌的语言,带领读者进入一个由光影构筑的、充满哲学思辨的空间。每一章节的过渡都处理得非常自然流畅,仿佛是在讲述一个连续的梦境。特别是其中关于“空间作为媒介”的论述,简直是醍醐灌顶。他将我们习以为常的物理环境,通过光线的介入,彻底颠覆了我们对“在场”的理解。我记得有一段描述,作者探讨了荧光灯管所产生的均匀、无影的光芒如何消解了传统的焦点和深度,留下的是一种纯粹的、弥散性的体验。那种阅读感受,不是在“学习”知识,而是在“经历”一种感官的重构。我合上书页时,感觉周围的房间似乎都变得不一样了,充满了微妙的、尚未命名的情绪。这本书的深度在于它成功地将一个相对“硬核”的艺术实践,转化为一种普世的、关于存在与感知的美学体验。我强烈推荐给所有对艺术、哲学,乃至生活本质有所好奇的人。

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读完这本书,我最大的感受是“不满足”,但这种不满足并非源于内容缺失,而是因为文字的局限性。作者仿佛拥有某种魔力,能将那些本应是视觉冲击力的现场体验,精准地转化为可以被语言捕捉的意象。这本书的叙事结构非常跳跃,它不像传统传记那样按时间线索推进,反而更像是一系列散点式的笔记、现场速写和私人反思的集合体。这种碎片化的处理方式,恰恰呼应了作品本身那种非叙事性的本质。我尤其欣赏他对材料和技术的处理方式,他没有将荧光灯管仅仅视为工具,而是将其提升到了一种近乎“物质的形而上学”的层面。书里有一段分析灯光如何“定义”建筑角落的文字,简直是神来之笔,它揭示了光线如何介入并重塑我们对体积和边界的感知。整本书的论证逻辑严密,但表达上却充满了实验性,大量的短句和突兀的停顿,让人在阅读时不得不放慢速度,去咀嚼每一个词语背后的重量。这绝对不是一本可以“快速浏览”的书,它要求读者全身心地投入,去体验文字所构建的,那个纯净而又极简的世界。

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这本书的结构非常独特,它更像是一系列精心编排的“光线笔记”,而非传统意义上的学术专著。我发现作者在叙事中极少使用主观的“我思故我在”,而是将自己的存在感降到最低,让作品本身的光线和空间来完成叙述。这种“让位于对象”的写作姿态,本身就是一种高级的艺术表达。书中的对谈和访谈片段被巧妙地穿插其中,这些口语化的内容,为全书那种近乎严苛的理论分析注入了一股必要的、人性的暖流。特别是其中关于艺术家的材料选择偏执的记录,非常生动有趣,展现了一个在极简领域追求极致的“强迫症”式的艺术家形象。全书没有冗余的形容词,每一个词汇的选择都像灯管的精确安装一样,服务于整体的光学效果。阅读过程中,我时常停下来,合上书本,试图在自己的房间里,用想象去复现书中描述的,那种被纯粹光线洗礼过的空间。这本书的阅读体验,是一种对感官的净化,它成功地将一个看似简单的艺术媒介,拓展到了一个无限深远的哲学维度。

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我是在一个连绵阴雨的周末开始阅读这本书的。这本书的文字仿佛自带一种内在的光源,即便室外晦暗,阅读时也能感受到一种清澈、明亮的气场。这本书最大的价值在于,它迫使读者去质疑自己对“真实”的定义。作者反复强调的“非物质性的物质”——光——如何成为作品的主体,这一点极具颠覆性。我曾设想,如果这本书的印刷质量能再提升一个档次,或许能更好地衬托其内容,但反过来想,这种略显朴素的装帧本身,也许就是对极简主义美学的一种隐性致敬。书中的论述大量引用了现象学和结构主义的理论,但作者的功力在于他能将这些高深的理论,通过对具体作品的细致描述,转化成直观的、人人都能理解的洞察。尤其对光束边缘的描述,那种精准到毫米的界定,让人拍案叫绝。这本书不仅是关于一位艺术家的文献,它更是一本关于如何“观看”世界的指南,它教会我如何在平庸的日常光线下,捕捉到那些稍纵即逝的结构之美。

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说实话,这本书的阅读体验是“冷静”的,但绝不“冷漠”。它提供了一种极度克制的表达方式,来探讨那些本应是喧嚣和引人注目的艺术现象。作者的语言风格异常精准和客观,几乎没有多余的情感渲染,所有的判断和观察都建立在对光线物理属性的深刻理解之上。我感觉自己像是在阅读一份极为详尽的科学观察报告,但其结论却指向了最深层次的审美觉醒。书中对于不同场所——从博物馆展厅到日常仓库——光线特性的对比分析,让我对“环境”这个概念有了全新的认识。作者巧妙地利用空间的反光、吸收和散射特性,构建了一套完整的视觉语言体系。更令人称道的是,本书在探讨艺术家的创作过程时,保持了一种恰到好处的距离感,既尊重了个人的创作秘密,又足够坦诚地揭示了其背后的方法论。它成功地将一个视觉艺术家的工作,转化为了一种可以被逻辑拆解和理解的系统工程,同时又保留了其最终效果的神秘和震撼。

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