具体描述
In Louis Armstrong and Paul Whiteman the jazz scholar Joshua Berrett offers a provocative revision of the history of early jazz by focusing on two of its most notable practitioners - Whiteman, legendary in his day, and Armstrong, a legend ever since. Paul Whiteman's fame was unmatched throughout the twenties. Bix Beiderbecke, Bing Crosby, and Jimmy and Tommy Dorsey honed their craft on his bandstand. Celebrated as the "King of Jazz" in 1930 in a Universal Studios feature film, Whiteman's imperium has declined considerably since. The legend of Louis Armstrong, in contrast, grows ever more lustrous: for decades it has been Armstrong, not Whiteman, who has worn the king's crown. This dual biography explores these diverging legacies in the context of race, commerce, and the history of early jazz. Early jazz, Berrett argues, was not a story of black innovators and white usurpers. In this book, a much richer, more complicated story emerges - a story of cross-influences, sidemen, sundry movers and shakers who were all part of a collective experience that transcended the category of race. In the world of early jazz, Berrett contends, kingdoms had no borders.
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用户评价
我必须指出，这本书在**对“布鲁斯”和“原始爵士乐”的根源性探讨上，显得尤为深刻和令人信服**。作者没有满足于停留在表面上对两位主角音乐成就的赞美，而是追溯了这种音乐形式的土壤——深植于南方贫瘠土地和城市移民生活的苦难与狂欢之中。书中关于路易斯·阿姆斯特朗早年在新奥尔良的学徒生涯的描述，简直是教科书级别的现场还原。那种非正式的、口传心授的音乐学习方式，与怀特曼在音乐学院和正规训练体系下成长起来的路径形成了鲜明的对比，也从根本上解释了他们音乐哲学的差异。作者巧妙地运用了对比的手法，展示了“自由表达”与“精致控制”之间的永恒张力，而这种张力恰恰是爵士乐发展史的核心驱动力。这本书的价值在于，它拒绝将爵士乐简化为一个流畅的、线性的发展故事，而是将其描绘成一个充满断裂、妥协与爆发的有机体。阅读过程让我不断地进行自我修正，推翻了过去一些关于“爵士乐是什么”的简单化认知。它更像是一部社会学著作，披着音乐史的外衣，对美国文化的本质进行了深刻的剖析。
评分这本书的封面设计相当引人注目，那种复古的色调和字体选择，一下子就把人拉回了二十年代爵士乐的黄金时代。我一拿到手就迫不及待地翻阅起来，期待着能从中挖掘出那个时代音乐家们不为人知的幕后故事。**首先吸引我的是它对当时音乐界权力格局的细致描摹。** 作者似乎下了一番苦功夫，梳理了像保罗·怀特曼这样的“国王”是如何通过商业运作和大众媒体的力量，将原本地下、充满即兴色彩的黑人音乐，逐渐塑造成一种可以被主流社会接受的“交响爵士乐”。阅读过程中，我仿佛置身于那些喧嚣的舞厅和录音棚里，空气中弥漫着香槟的气味和萨克斯风的悠扬。书中对怀特曼如何驾驭他的庞大乐队，以及他对编曲的精益求精，都有着非常生动的描述。他那种近乎偏执的追求完美，以及他与当时许多重量级音乐人之间的微妙关系，都刻画得入木三分。尤其是关于那些早期录音的细节分析，简直是音乐发烧友的福音，让人对那个时代的音质标准和录音技术有了更深层次的理解。这本书不仅仅是在讲述音乐，更是在讲述一个时代如何被塑造，以及艺术如何与商业进行复杂的博弈。我特别欣赏作者那种冷静又带着敬意的笔触，既不盲目崇拜，也不过度批判，而是力求还原历史的复杂性。这本书无疑为我理解爵士乐从边缘走向中心的历程，提供了一个至关重要的视角。
评分坦白说，这本书的阅读体验与其说是在读一本音乐传记，不如说是在经历一场关于文化冲突与融合的学术辩论。**它的深度远远超出了我预期的那种轻松的怀旧叙事。** 我特别关注了其中关于种族隔离和音乐版权斗争的部分，这些内容处理得非常尖锐且毫不避讳。作者没有回避这样一个事实：在白人音乐家如怀特曼取得巨大商业成功的同时，那些真正孕育了这种音乐风格的非裔美国音乐家们，往往在经济和名誉上被边缘化。书中对路易斯·阿姆斯特朗在不同阶段所面临的选择和挣扎的剖析，让人读后久久不能平静。那种在艺术纯粹性与商业生存之间走钢丝的痛苦，通过精准的史料引用和多方证词，被展现得淋漓尽致。我感觉作者在努力平衡“推广者”和“掠夺者”这两个标签在怀特曼身上可能出现的重叠，这使得整个叙事充满了张力。对于那些只熟悉爵士乐辉煌结局的读者来说，这本书无疑提供了一个必要的“反思滤镜”。它迫使我们去质疑：当我们称颂某一种艺术形式成为主流时，我们究竟在赞美谁的贡献，又遗忘了谁的汗水？这本书的结构非常严谨，引用了大量未曾公开的信件和会议记录，使得论证的力度十足，绝非泛泛而谈。
评分这本书的叙事节奏处理得非常高明，**它像一首精心编排的大型管弦乐作品，有慢板的沉思，也有快板的高潮。** 尤其是在描绘二十年代末到三十年代初的经济大萧条对音乐界的影响时，那种从繁华戛然而止的失落感，被作者用极富画面感的语言捕捉到了。我印象最深的是，作者通过描述怀特曼乐队内部成员的变动和巡演的艰辛，展示了“大乐队”模式在面对新商业模式时的脆弱性。这种对时代背景下个体命运的关注，让整本书读起来有了人情味，而不是冰冷的学术报告。我特别喜欢作者在描写音乐风格演变时的那种细致入微。比如，他是如何通过对比不同时期乐谱的复杂程度和即兴部分的比例，来佐证爵士乐内部流派更迭的必然性。书中穿插的那些关于乐器技术革新如何反过来影响演奏风格的小插曲，更是让人拍案叫绝。读完后，我立刻去重听了书中提到的几张关键唱片，发现自己对那些熟悉的旋律有了全新的理解，仿佛突然能听懂了音符背后隐藏的时代心声。这本书的文字功底扎实，用词考究，没有丝毫的冗余，每一段都像是经过精心打磨的黄铜乐器般光洁有力。
评分这本书最令人耳目一新的地方，或许是它对**录音技术和大众媒体在塑造“巨星”过程中的决定性作用的剖析**。在那个无线电和留声机开始普及的年代，声音的再现能力，甚至比现场表演更能决定一位艺术家的命运。作者详细考证了早期录音室的声学条件，以及唱片公司如何引导听众的审美取向。特别是关于“什么是好的声音”这一概念的演变，书中给出了极具启发性的见解。怀特曼作为一位精通音响效果的“音响建筑师”，他对录音室的控制欲，与阿姆斯特朗那种更依赖现场即兴和空间感的演奏风格，形成了有趣的张力。我特别喜欢书中关于“明星光环”的解构部分，它揭示了媒体如何将复杂的个体简化为易于消费的符号。这本书让人清晰地看到，伟大的音乐背后，往往是一场精心策划的营销和形象工程。读完之后，我对所有那些光芒万丈的“时代偶像”都多了一层审慎的目光，深知在聚光灯下，总有未被讲述的、更为真实的故事。总而言之，这是一部厚重、全面且极具批判精神的音乐史诗。
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