具体描述
Even before movies had sound, filmmakers dramatised the lives of composers. Movie biographies - or biopics - have depicted composers as diverse as Wolfgang Amadeus Mozart, George M. Cohan, Stephen Foster, and George Gershwin. In this enticing book, the first devoted entirely to such films, John C. Tibbetts surveys different styles and periods from the Hollywood of the 1920s and 1930s to the international cinema of today, exploring the role that film biographies play in our understanding of history and culture. Tibbetts delves into such questions as: How historically accurate are composer biopics? How and why have inaccuracies and distortions been perpetrated? What strategies have been used to represent visually the creative process? The book examines the films in several contexts and considers their role in commodifying and popularizing music. Extensive archival research, dozens of illustrations, and numerous interviews make this an appealing book for film and music enthusiasts at all levels. "Every film buff will want to consult this book, as will musicologists and students in film and communication studies." Michael Saffle, Virginia Polytechnic Institute and State University
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用户评价
这本关于电影摄影和光影艺术的指南，无疑是我近期阅读中最具操作性和视觉冲击力的书籍。它完全没有涉及剧情或人物分析，而是像一本高级摄影手册，深入探讨了摄影指导如何运用光线、色彩温度、镜头运动来“绘画”场景。书中收录了大量的定格画面对比，展示了从低调照明（Low-Key）到高调照明（High-Key）在不同场景下对观众心理的精确控制。作者对摄影机语言的解读极其专业，比如如何利用浅景深（shallow depth of field）来隔离角色，或如何通过复杂的轨道运动来传达角色的主观焦虑。其中关于“色彩心理学”的一章尤其精彩，它解释了饱和度与明度如何影响观众对特定情绪（如怀旧、恐惧或希望）的感知。这本书对任何想提升自己对电影视觉语言鉴赏能力的人都是极好的工具书，读完后，我再看任何一部新片时，都会不自觉地去注意布光和构图的每一个细节。
评分我最近翻阅的这本关于国际电影制片历史的专著，内容侧重于冷战时期东西方电影工业的交流与隔阂。它并非一本纯粹的艺术评论，而是一部严肃的文化政治史。书中详尽地记录了1950年代到1970年代间，欧洲和亚洲电影人如何规避审查制度，利用电影作为表达社会不满或民族精神的载体。对于美国好莱坞黄金时代的描述非常简略，主要篇幅用来分析意大利新现实主义如何影响了日本的默片后时代，以及东欧电影在意识形态压力下发展出的那种独特的、充满隐喻的视觉语言。作者引用了大量的解密档案和外交函件，揭示了资金流向和审查机构的审批过程如何潜移默化地塑造了最终的银幕形象。阅读时，我深感电影作为一种全球性语言，在特定历史时期如何被政治力量所塑造和利用。这本书的价值在于其宏大的历史视野，而非对单一艺术元素的聚焦。
评分这本关于电影叙事结构的书籍，给我留下的印象是其极强的结构分析能力和对类型片固有限制的研究。它几乎没有提及任何具体的音乐家或他们的作品，而是将焦点完全集中在剧本的节奏、场景切换的逻辑，以及如何通过视觉剪辑和叙事节奏来引导观众的情绪波动。作者采用了后结构主义的视角，将经典三幕剧结构进行了解构和重组，分析了那些成功打破传统模式的“反叙事”电影是如何通过不按常理出牌的时间线或视角转换来达到强烈的戏剧效果。书中的图表和流程图非常密集，详细展示了叙事高潮点与低谷点在时间轴上的精确位置，以及不同文化背景下的观众对“悬念”的接受度差异。阅读过程中，我经常需要停下来，对照自己看过的几部经典影片，去验证作者提出的关于“信息延迟”和“预期反转”的理论。总而言之，这是一本偏向理论和剧本创作技巧的严肃读物，适合那些对电影如何“讲故事”的底层机制感兴趣的读者。
评分这部关于电影配乐黄金时代的著作，简直是一场听觉的盛宴，作者以极其细腻的笔触，剖析了从默片时代到好莱坞古典时期的音乐语言演变。他没有仅仅停留在列举作曲家的名字上，而是深入到具体的配乐手法和技巧中，比如如何运用主导动机（leitmotif）来塑造人物弧光，以及不同时期管弦乐编配风格的细微差别。书中对马克斯·施泰纳在《乱世佳人》中对情感波动的处理，以及埃里希·科恩戈尔德在早期冒险片中构建史诗感的方式，进行了近乎学术研究般的详尽解读，分析了他们如何将欧洲古典音乐的宏大叙事无缝嫁接到新兴的电影媒介上。阅读过程中，我仿佛置身于录音棚中，亲眼目睹了那些不朽旋律是如何被精心雕琢出来的，每一个音符的选择都蕴含着深思熟虑的戏剧目的。更难能可贵的是，作者还探讨了制片厂制度对电影音乐创作的制约与推动作用，展示了商业考量与艺术追求之间永恒的张力。对于任何一个渴望理解电影声音的观众来说，这本书都是一本不可或缺的地图集，它清晰地标示出早期电影配乐的地理坐标和审美高峰。
评分我最近读完的这本关于电影声音历史的书，侧重点似乎完全放在了声音设计和场域声学上，和我想象中的那种聚焦于旋律和主题曲的传记文学大相径庭，但体验却异常震撼。作者的叙事风格非常实验性，大量引用了米歇尔·希翁和里克·阿尔特的理论，探讨了“声音景观”（soundscape）如何在构建观众的沉浸感中扮演核心角色。书中花了相当大的篇幅来讨论那些“非音乐性”的声音元素——比如环境噪音的层次构建，对白与音效的频率平衡，以及如何在没有对白或音乐的情况下，仅仅依靠环境声来暗示空间的深度和角色的心理状态。他详细拆解了某些特定场景，比如一部战后黑色电影中，雨滴敲击窗户的声音如何被放大、扭曲，从而营造出一种压抑和偏执的氛围，这完全超越了传统意义上对“配乐”的理解。这本书迫使我重新审视每一次观影的体验，意识到我们听到的远比我们意识到的要复杂和精心策划。对于想钻研声音工程和电影人类学的朋友来说，这绝对是一本拓宽思路的佳作。
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