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这本书简直是音乐爱好者的福音，我拿到《Encyclopedia of Music》的时候，那种沉甸甸的质感就让人觉得物超所值。我最近迷上了巴洛克时期音乐的理论结构，尤其是对赋格的兴趣越来越浓厚。这本书里对巴赫的作品进行了非常深入的剖析，不仅仅停留在作品列表和简单的生平介绍上，而是深入探讨了当时和声学的发展脉络，以及复调音乐是如何一步步演变出如此精妙的技艺的。记得有一次，我为了搞清楚某个和弦进行在当时语境下的“正确性”而苦恼不已，翻阅这本书时，竟然在专门介绍“调式与和声演进”的章节里找到了令人茅塞顿开的解释。作者的论述逻辑清晰，从早期的教会调式到后来的大小调体系的确立，每一步的过渡都有详实的历史文献作为支撑，而不是空泛的理论推演。而且，书中还附带了大量清晰的乐谱示例，让我可以边看文字边对照实际的音乐片段，这对于理解抽象的音乐概念来说，是何等重要的辅助工具啊！我甚至发现了一些早期评论家对莫扎特某些歌剧首演的尖锐批评，那些文字本身就充满了那个时代的戏剧张力，读起来让人仿佛置身于维也纳的剧院之中。这本书的编纂水平，绝对是教科书级别的，但阅读体验却远超教科书的枯燥，更像是一场与音乐史上伟大头脑的深度对话。
评分我这次购买《Encyclopedia of Music》纯粹是因为我对世界音乐民族志方面的好奇心。我一直对中东地区的传统乐器和音阶体系很感兴趣，尤其是波斯音乐中的“达斯特加”系统。这本书在涵盖西方古典音乐的宏大叙事之外，对非西方音乐的介绍也做到了令人称赞的细腻。它有一整个章节专门探讨了从印度拉格到日本雅乐的转调机制，这对我来说是全新的知识领域。书中对波斯音乐的介绍，详细描述了“阿瓦兹”（Gusheh）的概念，以及演奏者如何通过即兴的细微颤音和滑音来表达特定的情感色彩，这可不是网上随随便便能搜到的那种泛泛而谈。更让我印象深刻的是，它讨论了文化语境对音乐结构的影响。比如，书中对比了欧洲教堂音乐的固定记谱法与许多部落音乐中依赖口传心授的表演传统，揭示了媒介对音乐形态的塑造力。阅读这些章节时，我感觉自己像是在一位经验丰富的民族音乐学家身边学习，他不仅知道乐器的名称，更懂得它们在特定文化仪式中的精神意义。我尤其欣赏书中对现代世界音乐融合现象的客观记录，它没有用精英主义的眼光去评判“纯粹性”，而是展现了文化交流带来的创新活力。
评分说句实在话，我这本书主要是冲着里面对音乐哲学和社会学角度的探讨而买的，我总觉得音乐不应该只是音符和结构的游戏，它必须与时代精神有所关联。《Encyclopedia of Music》在这方面做得极其出色。我最喜欢的一段论述是关于“音乐的意识形态功能”的分析，它探讨了宫廷音乐如何服务于权力的展示，以及在启蒙运动时期，奏鸣曲式如何象征着理性和平衡的社会理想。书中对瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的解读，不仅仅停留在分析其歌剧的音乐语言，更深入剖析了这种宏大叙事在德意志民族主义兴起中的作用。这种社会历史的介入，让冰冷的乐谱活了起来，充满了人性的挣扎与时代的烙印。此外，书中对“音乐的商品化”的批判性考察也发人深省，它追溯了乐谱出版业的发展如何改变了作曲家的地位，从依附贵族到成为独立的市场主体。阅读这些内容时，我一直在思考，我们今天听到的流行音乐，其背后的赞助者和传播渠道，又在无形中塑造着什么样的音乐形态？这本书没有给出简单的答案，而是提供了一套强大的批判性工具，让我能够以更宏大的历史视角来审视我所接触的每一首乐曲。
评分我是一名刚入门的音乐制作人，主要精力放在电子音乐和声音设计上。我原本以为《Encyclopedia of Music》可能对我来说过于“古典”和“学术化”，但事实证明，我大错特错。这本书在解析声音的物理特性和听觉心理学方面的论述，对我的混音和母带处理工作提供了意想不到的启发。书中关于“泛音列的感知与音乐心理学”的章节，深入探讨了人耳如何解析复音中的基频和泛音，这直接指导了我如何构建更具空间感和清晰度的低频段。它用科学的语言解释了为什么某些频率组合听起来“悦耳”或“刺耳”，这比单纯的经验法则要可靠得多。此外，书中对二十世纪早期录音技术历史的梳理也极其精彩。它追溯了从留声机到磁带录音的发展历程，尤其是详细介绍了早期立体声录音棚的布局和声学处理理念。这让我开始反思，我们今天习以为常的数字音频技术，其背后的美学追求究竟源自何处。这本书让我意识到，无论音乐的载体如何变化，声音的物理学原理和人类的听觉生理基础是永恒不变的指导方针。它成功地架起了古典理论与现代声音工程之间的桥梁。
评分说实话，我原本对这种“百科全书”式的书籍抱有一丝保留，总觉得它们往往在深度上有所欠缺，更偏向于信息罗列，但《Encyclopedia of Music》完全颠覆了我的看法。我最近在筹备一个关于二十世纪先锋派音乐的讲座，尤其是对德彪西晚期作品的管弦乐配器法感到非常困惑。这本书中有一篇关于“印象主义配器技术”的条目，它详尽地描述了德彪西如何利用音色而非传统的功能和声来构建音乐场景。它不仅仅列举了他使用了哪些不常见的乐器，更重要的是，它分析了作曲家如何通过对泛音列的巧妙运用，创造出那种“朦胧”而又富有色彩感的听觉画面。更让我惊喜的是，书中对“噪音音乐”和“偶然音乐”的界定和历史梳理，其客观和严谨程度令人印象深刻。它没有简单地将这些流派斥为“异端”，而是追溯了约翰·凯奇等人的哲学思想根源，探讨了“音乐与非音乐的边界”这一核心议题。对于我这种对当代音乐理论有探索欲望的人来说，这本书提供的不仅仅是知识点，更是一套严密的分析框架。我必须承认，我花了整整一个下午，仅仅在研究其中一个关于“序列主义与十二音体系”的图表，那个图表把勋伯格、韦伯恩和伯格的体系进行了细致的对比，清晰展示了他们在序列操作上的细微差别，这种深度对比在其他任何一本通识读物中都是难以寻觅的。
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