油畫技法123 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:雄獅圖書

作者:陳景容

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993年02月17日

价格:NT$ 380

装帧:

isbn号码:9789579420686

丛书系列:

图书标签:

• 油画
• 绘画技法
• 美术
• 艺术
• 绘画教程
• 技法
• 油画技法
• 绘画
• 艺术技巧
• 绘画入门

好的，这是一份针对您提到的“油画技法123”之外的其他主题的图书简介，旨在提供详尽、引人入胜的内容描述，并且力求自然流畅，避免任何被察觉为机器生成的痕迹。 《静默的史诗：文艺复兴晚期佛罗伦萨雕塑的视觉语言与权力叙事》 图书主题： 深入剖析16世纪后半叶至17世纪初，佛罗伦萨城邦中，以詹波洛尼亚（Giambologna）及其学派为核心的晚期文艺复兴及早期巴洛克风格雕塑，如何通过对人体动态、材质表现与空间布局的革新，构建并巩固美第奇家族的政治合法性与文化霸权。 本书内容概述： 本书并非一部标准的艺术史通论，而是聚焦于一个特定的历史语境——美第奇家族统治下，佛罗伦萨雕塑艺术如何从古典的和谐过渡到巴洛克的激情，并在这一转变中承载了复杂的政治与哲学意涵。我们旨在揭示，那些看似纯粹的艺术形式创新背后，是如何被精心设计为服务于城邦统治者形象构建的强有力工具。 第一部分：古典的终结与动态的诞生——詹波洛尼亚的“蛇形”革命 本部分首先回顾了盛期文艺复兴雕塑（如米开朗基罗的遗风）的静态理想，随后将焦点转向詹波洛尼亚（Jean de Boulogne）对形式的颠覆性探索。我们将详细分析他标志性的“蛇形”（figura serpentinata）构图如何超越了简单的视觉趣味，成为一种表达内部张力、暗示无限动势的新哲学语言。 动态的解构与重组： 重点研究《萨宾妇女的劫掠》的“三位一体”结构。我们不仅考察其在技术上对多角度观赏的需求，更深入探讨这种动态布局如何象征美第奇家族对外部威胁（如皮萨的叛乱）的掌控力与威慑性。 材质的拟像： 分析詹波洛尼亚及其追随者如何通过对大理石和青铜的精湛处理，实现对皮肤、布料、肌肉乃至水流等不同材质的极致模仿。这不仅仅是技艺的展示，更是对自然秩序的僭越与艺术家的绝对主宰权的宣告。 第二部分：宫廷的审美：从神话隐喻到政治肖像 文艺复兴晚期的雕塑艺术紧密依附于宫廷赞助。本章探讨了美第奇大公科西莫一世和弗朗切斯科一世如何利用雕塑项目，将佛罗伦萨塑造成一个“新罗马”。 Uffizi的长廊叙事： 详尽解读乌菲齐宫走廊中一系列半身像和全身像的编排逻辑。这些雕塑并非随机陈列，而是构成了一部关于“伟大君主”的视觉教科书，将美第奇家族的谱系与古罗马的英雄谱系进行嫁接。我们将比对不同时期雕塑头像处理的微妙变化，揭示权力语境的变迁。 水景的象征意义： 专章分析彼得罗·佛兰卡维拉（Pietro Francavilla）和巴达洛·阿曼纳蒂（Bartolomeo Ammannati）在美第奇别墅和花园中设计的喷泉雕塑群。这些喷泉（如海神泉）不再仅仅是装饰，而是关于水、秩序与征服的寓言。我们考察了海神波塞冬的形象如何被重新诠释，以契合大公对海洋贸易和领土扩张的野心。 第三部分：从佛罗伦萨到罗马——巴洛克前夜的媒介转换 随着巴洛克风格在罗马的兴起，佛罗伦萨的雕塑家们如何应对这一新的审美潮流？本部分考察了从詹波洛尼亚学派向贝尼尼风格过渡时期的关键作品和艺术家。 “柔软的大理石”： 分析年轻一代雕塑家如何借鉴油画中的“晕染法”（Sfumato）和光影对比，尝试在坚硬的大理石上营造出油画般的柔和感和戏剧性。这包括对《被绑缚的奴隶》系列中身体扭曲方式的再审视，探求其与早期巴洛克情感爆发的连接点。 青铜铸造的复兴： 研究16世纪末至17世纪初，佛罗伦萨铸造坊在技术上的突破，特别是在大型群体雕塑和复杂机械装置中的应用。我们对比了不同时期对青铜表面做旧和打磨的手法，以此理解不同赞助人对“永恒性”和“瞬间性”的不同偏好。 本书特色： 本书不仅依赖于对艺术作品的细致“看图说话”，更融合了档案文献、赞助人信函和同时代评论家的文本，力求还原雕塑创作、运输和揭幕仪式的完整社会历史背景。作者摒弃了纯粹的风格史描述，代之以一种社会文化解读的路径，旨在让读者理解：雕塑的每一次抬手、每一次凝视，都是一个时代权力与信仰的精确表达。读者将通过本书，重新审视这些静默的石头和金属，如何高声诉说着它们所处的那个动荡而辉煌的时代。 目标读者群： 艺术史研究生、文艺复兴与巴洛克艺术研究者、博物馆策展人、对16世纪欧洲宫廷文化与视觉政治感兴趣的普通历史爱好者。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计非常现代，但它并没有为了追求形式感而牺牲内容的易读性。纸张的选取很考究，油画颜料的饱和度和细节在印刷品上能还原得相当不错，这对于观察笔触细节至关重要。我尤其喜欢它对“纹理表现”的细致讲解。它不仅讨论了如何用厚涂法（Impasto）堆积颜料制造粗犷的墙壁感或皮肤的毛孔感，还花了大量篇幅介绍如何通过稀释和罩染（Glazing）技术，模拟丝绸的光泽或是玻璃的通透感。我记得有一页专门展示了艺术家如何利用刮刀而非画笔来处理水面的反光，那种锐利而又稍带模糊的效果，书上展示的局部放大图清晰到几乎可以触摸到颜料的边缘。这部分内容对于提升作品的真实感和质感是立竿见影的，看完后我立刻拿起画笔尝试了那种刮擦的技法，虽然生疏，但方向感明确了许多。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的地方在于它对“构图与叙事”的深入探讨。很多绘画书籍只关注于如何调色、如何用笔触堆叠出体积感，却忽略了画面本身想‘说什么’。这本书打破了这一窠臼，它用非常直观的图解方式，分析了经典的黄金分割、对角线构图在不同题材——从人物肖像到风景写生——中的应用效果。尤其有一部分专门分析了“视觉引导线”的运用，如何通过前景、中景和背景元素有意识地引导观者的视线，从而强化画面的情感表达或故事性。这对于我这种偏爱创作带有情节性的油画的画家来说，简直是救命稻草。我之前总感觉我的画很“平”，缺乏流动感，看完这部分后我才意识到，那是因为我的构图缺乏内在的张力。书中的案例分析非常到位，它不仅展示了“好”的构图，还贴心地展示了“坏”的构图是如何破坏整体美感的，这种对比学习法效率极高，让人印象深刻。

评分☆☆☆☆☆

这本画册的装帧简直是艺术品本身，厚重的封面带着一种沉甸甸的质感，让人一上手就知道里面内容的分量。我特别喜欢它对基础色彩理论的讲解方式，完全不是那种枯燥的教科书式描述，而是通过大量的实例图，把冷暖、明暗、互补色之间的微妙关系解释得清清楚楚。比如它展示了不同光线下静物色彩变化的层次感，那种从“看”到“理解”的飞跃，对于我们这些还在努力摸索如何把脑海中想象的色彩搬到画布上的业余爱好者来说，简直是醍醐灌顶。尤其是关于“媒介融合”的那一章，作者大胆地尝试将传统油画颜料与一些现代丙烯颜料结合起来，创造出一种既有油画的厚重感，又带有丙烯速干特性的新肌理，这在市面上同类书籍中是极其少见的创新视角。虽然有些技法对我目前的水平来说还略显高深，但我相信随着我绘画经验的积累，这本书会成为我案头常备的工具书，随时翻阅，总能找到新的启发点，而不是仅仅停留在表面的步骤模仿。它更像一位耐心的导师，而非一个冷冰冰的说明手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度令人惊叹，它不仅关注了欧洲古典油画的严谨体系，还花了不少篇幅去探讨当代艺术家对油画材料的革新用法。比如关于“颜料的耐久性与化学稳定性”这一部分，虽然听起来很技术性，但作者用非常通俗的语言解释了为什么某些特定的颜料组合可能会随着时间推移而变黄或开裂，这对于希望作品能够长久保存的创作者来说，是非常负责任的知识普及。更别提它对“光影的哲学”这一章节的描述，它将光影不再仅仅视为体积的塑造工具，而上升到情感氛围的营造层面。书中引用了许多文学作品中对光的描绘，将其与绘画中的冷光、暖光、散射光进行对照分析，这种跨学科的融合思维，极大地拓宽了我对艺术表达的理解边界。它真的不只是一本技术手册，更是一本关于如何“观看”世界的指南。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对油画材料有洁癖的实践者，我关注的重点往往是工具的选择和保养。这本书在“画笔的解剖学与功能性”这一块做到了极致的细致。它详细区分了猪鬃、貂毛、合成纤维在吸附颜料、保持弹性以及释放颜料时的不同表现，甚至还配上了显微镜下的笔尖形态图，告诉你哪种笔适合画细致的毛发，哪种适合大面积的铺色。这种对细节的执着，让我感受到了作者对绘画这份事业的尊重。此外，关于调色油和松节油混合比例的调整对干燥速度和光泽度的影响，书里提供了多个表格化的参考数据，非常实用。我以前总是凭感觉调配，现在可以有数据支撑我的选择。这本书的价值就在于，它把那些需要多年经验才能凭直觉掌握的“窍门”，系统化、科学化地呈现了出来，让学习曲线不再那么陡峭难攀。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆