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出版者:安徽科学技术出版社

作者:董伯信

出品人:

页数:424

译者:

出版时间:2004-4-1

价格:228.00元

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787533728991

丛书系列:

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《敦煌壁画艺术探源》 内容简介 本书旨在对敦煌莫高窟的壁画艺术进行一次深入、系统的梳理与探源。作为世界文化遗产的瑰宝，敦煌壁画不仅是佛教艺术的集大成者，更是研究中国古代社会、历史、民族、宗教、服饰、建筑、音乐、舞蹈乃至绘画技法演变不可或缺的百科全书。本书力求超越简单的图录展示，深入剖析其艺术风格的流变、文化元素的融合与象征意义的阐释。 第一部分：敦煌艺术的历史坐标与时代脉络 本部分将确立敦煌壁画在世界艺术史中的独特地位，并以时间为轴线，梳理自十六国早期至元代晚期，近千年的历史变迁如何烙印在洞窟的每一寸墙壁之上。 地域性与开创性： 探讨河西走廊作为丝绸之路咽喉的重要性，分析中原文化、犍陀罗艺术、印度笈多艺术以及西域诸国文化在敦煌的交汇与碰撞，如何催生出独一无二的“敦煌风格”。 朝代更迭与风格演变： 细致区分北朝（早期与反窟）、隋代（气象万千）、唐代（鼎盛与成熟）、五代宋代（地方化与衰微）以及元代（藏传佛教影响）壁画的风格特征。例如，北魏壁画的秀骨清像与装饰性母题，与盛唐时期饱满圆润、气势恢宏的“吴带当风”手法的显著差异。 洞窟形制与壁画布局： 分析不同形制的洞窟（如中心塔柱窟、禅窟、殿堂窟、涅槃窟）如何决定了壁画主题的组织与叙事空间的布局，探讨“本生故事”、“经变画”的结构逻辑。 第二部分：主题的深度解析与图像学研究 壁画的主题内容是理解敦煌艺术内涵的关键。本章将聚焦于几种核心母题的图像学研究，揭示其背后的宗教哲学和社会意义。 经变画的叙事艺术： 深入剖析《法华经变》、《弥勒经变》、《维摩诘经变》等大型壁画的叙事手法。重点分析如何通过空间透视的简化、人物的群像配置以及场景的世俗化处理，将抽象的佛教教义转化为生动可感的视觉故事。 本生与因缘故事的地域化： 考察佛本生故事在传入中国后，其人物造型、服饰和背景描绘如何逐渐融入汉地文化元素，从异域风情向本土叙事过渡的过程。 供养人与世俗生活的切片： 对壁画中的供养人像进行专门研究。通过他们的服饰、仪态、族属，侧面反映了唐宋时期河西地区的社会阶层结构、民族关系以及供养仪式的规范。 密教题材的兴起与影响： 在敦煌晚期壁画中，重点关注密宗的曼荼罗、愤怒相、明王像的图像学意义，以及它们如何预示了宋元时期佛教艺术的转向。 第三部分：技法、材料与艺术语言的革新 本部分将从纯粹的造型艺术角度，探讨敦煌壁画在材料运用、设色技巧和线条运用上的创新与贡献。 矿物颜料的生命力： 考察敦煌壁画所使用的石青、石绿、朱砂等矿物颜料的来源、研磨与调和工艺，分析这些天然材料如何赋予壁画历经千年而不褪的色彩张力。对比分析不同时期颜料使用上的侧重，如唐代对蓝绿色的饱和运用。 “线”的本体意义： 敦煌壁画被誉为“中国绘画的造型基础”。本章专门分析“线描”在壁画中的主导地位，区分勾勒线、渲染线、游丝描、铁线描等不同线条的质感与功能，揭示其如何塑造人物的体积感和动态感。 晕染与凹凸法： 研究敦煌画师如何吸收和发展了印度笈多艺术中的“凹凸法”——一种通过色彩深浅变化来模拟光影和体积的技巧。分析其在人物面部和衣纹处理上的应用，以及这种技法如何服务于佛教造像的立体化表现。 图案与装饰母题的传承： 梳理壁画中大量出现的莲花、火焰、飞天、宝相花等装饰图案的演变轨迹，以及这些图案如何从印度、波斯传入，最终成为中国传统装饰艺术的重要组成部分。 结语：敦煌壁画对后世艺术的启示 本书最后将总结敦煌壁画艺术对宋元明清绘画，特别是对“院体画”和文人画在造型基础、色彩运用及题材选择上的深远影响，强调其作为中华民族艺术宝库的永恒价值与研究意义。 目标读者： 艺术史研究人员、文物保护学者、佛教文化研究者，以及对中国古代美术史有浓厚兴趣的广大读者。 --- 《宋代文人山水画的审美转向与符号系统》 内容简介 本书将视角集中于中国艺术史中一个极为重要的转折点——宋代。特别是以苏轼、米芾、李唐、范宽为代表的文人画群体，他们如何挑战并最终超越了唐代“画工”的程式化描绘，构建了一套全新的、以内在精神需求为驱动的审美体系与符号语言。本书旨在深入剖析宋代山水画从“写形”到“写意”的审美转向，并系统梳理其核心的视觉符号如何承载文人的哲学思考与情感寄托。 第一部分：时代背景与哲学思潮的奠基 宋代（特别是北宋）的社会结构、理学兴起及对“格物致知”的强调，为山水画的深刻变革提供了沃土。 院体画的规范与局限： 首先梳理北宋前期李成、关仝、范宽等“荆浩关仝派”的艺术成就，分析其宏大叙事、全景式构图和严谨的写实精神，为后续文人的反思提供参照系。 理学与“天理”的视觉化： 探讨程朱理学中“存天理，灭人欲”的思想如何影响山水画家的创作取向。山水不再是单纯的自然景观，而是蕴含宇宙秩序和道德规范的“太虚”载体。 苏轼的“论画”革命： 重点分析苏轼提出的“论画以形似，见与 শিল্পী不三年”的著名论断，阐释其如何确立了“意在笔先”的美学纲领。文人画从模仿外物转向表达“胸中丘壑”的内在逻辑被正式确立。 第二部分：文人山水画的核心审美范式与技巧革新 本部分将聚焦于文人士大夫阶层所推崇的绘画风格，分析其在技术层面上的突破与“去技巧化”的倾向。 “平淡天真”的追求： 剖析米芾及其子米友仁的“米家山水”，阐释其如何运用“抹”、“拓”等模糊、不求细节的笔法，创造出一种烟雨迷蒙、浑然天成的“淡墨”境界。这种看似随意的笔触，实则是对技巧炫耀的反叛。 “点苔”与“皴法”的符号化： 系统考察不同画家对皴法的独特运用，例如李唐的“斧劈皴”中蕴含的刚劲和力量感，与南宋马远、夏圭的“边角”构图和“留白”技法所体现的孤寂与空灵。这些皴法不再仅是描绘山石的手段，而成为表达画家个性的视觉符号。 “留白”的哲学意义： 深入研究宋代山水画中“计白当黑”的构图策略。空白之处（云雾、江面）如何不仅仅是未画之处，而是被赋予了“虚”、“静”、“无限”的哲学内涵，成为引导观者进入沉思的媒介。 第三部分：山水画的符号系统与精神寄托 宋代山水画的价值核心在于其高度系统化的视觉符号，这些符号共同构建了文人的精神避难所。 “四君子”与山水人格的投射： 考察梅、兰、竹、菊等传统花卉题材如何与山水画并行发展，共同构成了文人精神的象征谱系。山中的古松、寒江中的孤舟，如何成为画家隐逸情怀、高洁品格的投射物。 “咫尺千里”的空间观： 分析宋代山水画如何通过高远、深远、平远三种经典透视法，在有限的画幅中营造出无限深远的空间感。这种空间感是文人对广阔天地和个体心胸的想象投射。 “诗画合一”的语言自觉： 探讨宋代在画上直接题诗、题跋的现象如何日益普遍化。画作不再是独立的作品，而是成为诗歌意境的视觉补充，诗句中的典故、哲理直接嵌入到图像解读的体系之中。 结语：南宋的内敛与元代的勃发 本书最后将简要分析南宋“马夏”一派如何将北宋的宏大叙事转化为更具情感张力的“一角之景”，以及这种内敛的审美如何为元代文人画（如“元四家”）的彻底解放和个性化表达铺平了道路。 目标读者： 艺术史研究者、中国哲学爱好者、中国古典文学研究人员，以及对宋代士大夫文化与审美取向感兴趣的专业读者。

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坦白讲，我对艺术史方面的研究涉猎不深，很多古代艺术史的书籍读起来都像是在啃“天书”，各种流派、风格的区分常常让我感到迷茫。但这本书在谈及家具风格的演变时，做到了极好的平衡。它没有陷入纯粹的学院派的风格辨析泥潭，而是非常巧妙地将家具的“美学特征”与“时代精神”挂钩。例如，它描述唐代家具的雍容华贵如何体现盛世的气象，而宋代家具的简洁内敛又如何呼应文人精神的兴起，这种叙述脉络清晰有力，让人很容易抓住重点。更让我惊喜的是，书中对家具的“陈设”艺术也有所着墨，家具不仅仅是家具，它们是如何与当时的室内空间、陈设器物共同构成一个完整的“场域”，作者对此的论述极为精到，让人在阅读家具本身的形制之后，还能体会到它在历史空间中的“气场”。

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这套书的装帧真是没得挑，沉甸甸的，拿在手里就感觉分量十足，封面设计古朴典雅，用色沉稳，一看就知道是下了大功夫的。我本来只是想随便翻翻，了解一下大概情况，没想到第一页就被那些精美的线描图吸引住了。那些图画得极其细腻，连榫卯的结构都看得一清二楚，简直就像是家具制作的葵花宝典一样。尤其是一些细节的处理，比如拉环、铜件的纹饰，都单独拿出来放大细致描绘，对于我们这些对古代工艺感兴趣的人来说，简直是宝藏。而且，这本书的排版设计非常大气，留白恰到好处，读起来一点也不觉得拥挤或者累。翻阅过程中，时不时会发现一些关于木材选择和髹漆工艺的论述，文字的叙述也非常考究，引用了不少古代典籍的原文，可见作者在资料搜集上的功力深厚。总的来说，光是作为一套精美的工艺图册来欣赏，就已经值回票价了。

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这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最让我感动的是其中流露出的那种对匠人精神的深深敬意。它不是冷冰冰的学术报告，而是充满了对逝去时代的怀念与赞美。在介绍一些失传的传统制作工艺时，文字中透着一股惋惜，也饱含着对前人智慧的赞叹。特别是对于那些非主流或区域性特色家具的介绍部分，虽然篇幅相对较少，但其搜集资料的难度可想而知，这显示了作者绝不放过任何一个角落的求真精神。这些地方的论述，常常伴随着一些令人唏嘘的考证过程，读起来仿佛跟随作者一起经历了漫长的田野考察和文献挖掘。这本书不仅是一本知识的集成，更像是一部关于“传承”的史诗，它让人在惊叹于古代家具制作之精湛的同时，也对这种代代相传的技艺心生敬畏。

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我接触家具研究也有些年头了，市面上关于明清家具的画册和研究资料看了不少，但大多都是侧重于某个特定时期或者某一类器物，很难找到一本能像这样全面、系统梳理的通史性著作。这本书最大的特点，在我看来，是对中国古代家具发展脉络的梳理，不是简单的器物堆砌，而是将家具的演变与当时的社会制度、审美变迁、甚至生活方式的变化紧密结合起来。比如，它详细分析了魏晋时期“几”器的流行如何反映了士大夫阶层生活习性的转变，又如何影响了后世座椅形制的发展，这种由表及里的分析角度，让我对家具的理解提升了一个层次。它不是在谈论一个孤立的“物”，而是在探讨一种“文化载体”。书中对早期家具如席地而坐的习惯下产生的矮型家具的介绍尤为精彩，虽然实物留存稀少，但通过文献和复原图的结合，让读者得以窥见那个时代的风貌。这种宏观视野，是很多专业书籍所欠缺的。

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作为一个略懂木工的小白，我最头疼的就是那些拗口的专业术语和复杂的结构名称。但这本书的行文风格非常平易近人，作者似乎非常清楚读者的知识背景，在介绍复杂的结构时，总能用最直观的比喻来解释清楚，生怕读者理解不了似的。比如讲到“格肩”或“燕尾榫”时，旁边往往会配有清晰的透视图，文字解释也充满了画面感，仿佛作者就在旁边手把手教你如何拆解和组装一样。书中还收录了一些非常罕见的古代家具的修复案例分析，这部分内容对我这种动手能力较强的人来说简直是如沐春风。它没有高高在上地讲述理论，而是落实在了具体的实践操作上，让我明白了，要欣赏一件古代家具的精妙，必须先理解它在力学和工艺上所付出的艰辛。这种“技术反哺审美”的叙事方式，非常对我的胃口。

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