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出版者:中国民航出版社

作者:水成冰编

出品人:

页数:267

译者:

出版时间:2003-12

价格:18.0

装帧:平装

isbn号码:9787801105318

丛书系列:

图书标签:

• 习惯改变命运
• 习惯，命运
• 习惯
• 自我提升
• 个人成长
• 心理学
• 成功学
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• 改变
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• 思维模式
• 行动力

《光影之间：电影艺术的百年流变》 第一章：默片的无声宣言——视觉叙事的诞生与早期探索 电影，作为二十世纪初横空出世的艺术形式，其最初的语言是纯粹的视觉。本章将深入剖析默片时代（1895年至1927年）的创作生态与技术革新。 从卢米埃尔兄弟的《火车进站》所带来的原始震撼，到梅里爱的魔幻短片中对剪辑和特效的初次尝试，电影艺术的DNA在无声中被编织。我们首先考察梅里爱如何将舞台魔术的技巧移植到银幕上，创造出最早的叙事奇观，例如他标志性的“定格替换法”，这不仅是技术上的突破，更是现代电影剪辑理论的雏形。 随后，我们将目光投向美国，重点分析D.W.格里菲斯在《一个国家的诞生》和《布雷斯特的女主角》中对蒙太奇手法的系统化运用。格里菲斯并非“发明”了特写、交叉剪辑或平行叙事，但他首次将其有机地整合，形成了完整的电影语法，使观众得以理解复杂的时间和空间关系。本章将详细拆解其对平行剪辑（Cross-cutting）的运用，如何通过同时展现两条或多条线索的进展，极大地增强了叙事的紧张感和史诗感。 欧洲大陆的默片则展现出截然不同的美学追求。在德国表现主义电影中（如《卡里加里博士的小屋》），我们探讨布景、灯光和表演如何共同构建出扭曲、内省的主观世界。通过对光影对比（Chiaroscuro）的极端运用，电影不再仅仅记录现实，而是成为表达心理状态的载体。而在苏联蒙太奇学派中，爱森斯坦对“知识的冲突”的理论追求——即通过对镜头素材的辩证并置，在观众头脑中产生新的概念——将剪辑提升到了哲学高度。我们不会仅仅停留在理论层面，而是会深入分析《战舰波将金号》中“敖德萨阶梯”一段的精确剪辑节奏和对观众情绪的操控，展示了此时电影语言的成熟。 本章的论述核心在于：默片如何仅凭画面、光影和音乐伴奏，就建立起一套完整、高效且富有情感深度的叙事体系，为日后有声电影的发展奠定了不可逾越的基石。 第二章：声音的革命与好莱坞的黄金时代——类型片的定型与叙事整合 1927年《爵士乐之王》的出现，标志着电影进入有声时代。这个转变并非简单的“加装”麦克风，而是一场彻底的艺术和工业革命。 本章首先聚焦于声音介入初期，电影制作者如何挣扎于技术限制与美学解放之间。早期的有声片常常因笨重的录音设备而导致镜头运动僵硬，迫使电影回归舞台化的构图。然而，很快，声音便被整合进叙事结构。我们分析霍华德·霍克斯等导演如何迅速掌握声画对位（Sound Counterpoint）的技巧，例如，利用对白来揭示人物性格，或通过音效（如火车汽笛声、脚步声）来营造场景氛围，拓展了景深感。 随后，我们将深入研究好莱坞在“制片厂制度”下，类型片（Genre）的成熟与繁荣。黑色电影（Film Noir）、西部片、歌舞片和恐怖片等如何在特定的叙事模式和视觉风格中，完美地融合了新的声学元素。例如，黑色电影中低沉的画外音（Voiceover）如何成为人物内心独白和宿命论的载体；而歌舞片则将音乐和舞蹈编织进情节，实现情感的集中爆发。 我们还将探讨审查制度（如《海斯法典》）对叙事内容和视觉呈现的制约，以及导演们如何在高压下运用隐喻和象征手法来巧妙地规避限制，从而形成了好莱坞叙事中独特的“暗示美学”。这段时期，电影不再只是艺术探索，更成为了一种高效的文化产品，其叙事节奏和情感处理达到了工业化生产的巅峰。 第三章：战后反思与欧洲的先锋——作者论的兴起与现实的解构 二战结束后，欧洲电影界对传统叙事模式产生了深刻的怀疑与反思，催生了对电影本质的重新审视。 意大利新现实主义是这次反思的起点。我们分析德西卡和罗西里尼的作品，观察他们如何将镜头从宏大的工作室转移到被战争蹂躏的真实街道上。本章着重探讨其对“非职业演员”的使用、对日常琐碎的长时间记录，以及放弃传统高潮和完整结局的做法，这标志着对“被构建的戏剧性”的拒绝，转而追求一种更贴近生活流动的“片段式真实”。 紧接着，我们进入法国“新浪潮”（Nouvelle Vague）。本章将详细阐述“作者论”（Auteur Theory）如何被星光影评人如特吕弗和戈达尔发展成熟。他们主张导演是电影的唯一作者，其个人风格和哲学观点是判断电影价值的核心标准。新浪潮导演们通过手持摄影、即兴对话、打破第四面墙（Direct Address）以及对叙事时空的自由切割（如突然的时间跳跃或场景的无逻辑切换），挑战了经典好莱坞的线性叙事结构。这种对工具（摄影机、剪辑）的技术解放，实则是对既有社会秩序和表达规范的质疑。 本章还简要触及英格玛·伯格曼在瑞典的探索，他更侧重于运用极简的场景和强烈的特写镜头，探索人类心灵的信仰危机与孤独，展现了在内省领域，电影语言如何达到近似宗教仪式的深度。 第四章：全球视野与后现代的迷宫——跨文化交流与叙事边界的消融 进入七十年代后，电影的疆界被进一步拓宽，全球化和文化研究开始深刻影响电影制作。 本章探讨了“新好莱坞”的崛起，导演如科波拉、斯科塞斯和斯皮尔伯格如何吸收了欧洲的艺术手法，却将其运用回主流的商业制作中。他们继承了作者论的个人烙印，但更擅长在类型框架内进行解构与创新，例如斯科塞斯在《出租车司机》中对城市异化和道德沦丧的描绘，兼具了表现主义的风格和新现实主义的街头感。 随后，我们将考察日本电影的独特贡献，尤其是黑泽明对西方经典（如莎士比亚戏剧）的本土化改编，以及他如何将东方美学中的空寂感（Wabi-Sabi）融入到动作场面的调度中，形成一种独特的史诗感与禅意。 最后，本章聚焦于后现代主义对电影叙事的影响。我们分析昆汀·塔伦蒂诺等导演如何大量运用“互文性”（Intertextuality），电影叙事不再努力追求单一的“真实”，而是承认自己是无数先前文本的拼贴和戏仿。时间线被彻底打乱，真实与虚构的界限模糊，观众被邀请进入一个充满符号和引用、需要主动参与意义建构的“迷宫”。这代表着电影从对“世界的记录”转向了对“电影自身语言”的审视与游戏。 结语：永恒的媒介，不断重塑的语言 电影艺术是一部持续的对话史——与观众、与技术、与时代精神的对话。从无声时代的视觉冲击，到有声时代的叙事整合，再到后现代的解构与反思，每一阶段的变革都源于对“如何讲述一个故事”的根本性提问。这些流变的影像语言，共同构筑了二十世纪最伟大的艺术成就之一。

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坦白说，市面上同类的书籍太多了，我一开始对这本并没有抱太高的期望，总觉得又是一个包装精美的“鸡汤”。然而，这本书最大的亮点在于其对“失败”和“退化”的坦诚态度。它没有营造一个“完美执行者”的假象，而是花了大量篇幅来讨论如何应对习惯的中断和“复发”。这一点至关重要，因为大多数人就是在一次小小的失误后就彻底放弃了所有努力。书中提出的“绝不连续两次中断”的原则，以及如何将“意外”纳入你的系统规划，极大地缓解了我对“完美主义陷阱”的恐惧。它教会我，生活是动态的，系统需要弹性，允许人在不完美的时刻回归正轨，而不是因为一次跌倒就宣告游戏结束。这种务实到近乎残酷的诚实，反而给了我巨大的心理安全感去尝试那些看似困难的改变。文字风格上，它像一位资深的教练，严格要求，但更注重保护队员的信心和士气，读起来既有压力感，又有被支持的温暖。

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这本书真是让人耳目一新，它没有那种大道理式的说教，反而像是一位经验丰富的长者，娓娓道来，将复杂的人生哲理用最朴实的语言娓娓道来。我特别欣赏作者在描绘那些微小习惯如何累积成巨大成果时的细腻笔触。比如，书中对“复利效应”的阐释，不是干巴巴的数学公式，而是通过一个个生动的小故事，让我们看到每天进步一点点，日积月累下来，最终会产生多么惊人的变化。我记得有段描写主人公如何克服拖延症的，那简直就是我的写照，那种挣扎、那种反复，被刻画得淋漓尽致，让我感觉作者就是站在我身边，理解我的困境。读完后，我并没有立刻觉得“醍醐灌顶”，反而是一种潜移默化的影响，开始有意识地去观察自己的日常行为，去审视那些自己习以为常却可能效率低下的“默认设置”。这本书的价值在于，它提供的不是一套僵硬的规则，而是一套观察和调整自己行为模式的“思维工具箱”。它教会我，真正的改变，往往始于那些最微不足道的日常选择，这些选择像细小的水流，最终汇集成改变命运的江河。整本书的节奏把握得非常好，读起来毫不费力，却又处处是金句，让人忍不住想一遍遍地回味和实践。

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这本书的叙事结构极其巧妙，它不像传统的自传或励志文学那样线性叙事，而是采用了一种多角度、多层次的剖析方式。它深入挖掘了“为什么我们知道该做什么，却依然做不到”这个核心矛盾。作者似乎拥有极强的同理心，能够精准捕捉到我们在试图建立新习惯时内心深处的恐惧、自我怀疑和对即时满足的渴望。我特别喜欢其中关于“身份认同”和“微小胜利”的论述。书中明确指出，习惯的持久性不在于你做了什么，而在于你相信自己是谁——你不是一个“想去健身的人”，而是一个“坚持锻炼的健康主义者”。这种身份层面的重塑，比单纯的“打卡”要深刻得多。这种对内在驱动力的挖掘，让这本书的层次一下子拔高了，不再停留在表面的行为管理，而是触及了人的存在意义和自我认知。阅读过程中，我常常停下来，不是因为内容复杂，而是因为某些观点直击灵魂深处，需要时间去消化和反思自己对“成功”的定义。这无疑是一部值得反复翻阅的哲学层面的实践指南。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“时间感知”在习惯形成中的作用的深入探讨。我们总以为习惯的养成需要明确的时间刻度，比如二十一天或六十六天，但作者巧妙地将讨论的焦点从“天数”转移到了“频率”和“一致性”上。书中提到一个非常有趣的观点：大脑对“可预测性”的偏爱，是习惯得以固化的核心机制。通过一系列关于神经可塑性和模式识别的类比，作者解释了为什么当一个行为变得高度可预测时，大脑会将其自动化以节省认知资源。这种从生物学和认知科学层面解释习惯形成过程的方式，使得书中的建议不再是空泛的教条，而是基于大脑运行规律的科学指导。阅读体验上，它有一种沉静的力量，像是在阅读一本高质量的科学普及读物，信息密度极高，但表达流畅自然，没有晦涩难懂的术语。读完后，我不仅知道“该做什么”，更深刻地理解了“为什么这么做有效”，这让我对任何未来的习惯改进都充满了掌控感和信心。

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我最近读过许多关于自我提升的书籍，大多都是千篇一律的“成功学”套路，读到后面就感到疲惫和麻木。然而，这本书却展现出一种难得的真诚和深度。它没有过度渲染“一夜暴富”或“瞬间开挂”的虚幻场景，而是非常扎实地探讨了“心智模式”与“行为惯性”之间的复杂互动。尤其让我印象深刻的是关于“环境设计”的部分，作者强调外部环境对习惯的塑造作用远超个人意志力，这颠覆了我过去一味依赖“毅力”的传统认知。书中列举了大量关于如何设计一个有利于好习惯养成的物理和社交环境的实用策略，这些策略不是空谈，而是基于心理学和行为科学的严谨论证。例如，如何利用“触发器”来启动新习惯，如何设置“摩擦力”来阻止坏习惯的发生，这些细节的处理非常到位，充满了操作性。我尝试按照书中的建议，调整了我的工作区布局，并引入了一个简单的习惯追踪系统，效果立竿见影。这本书的语言风格非常冷静克制，没有情绪化的煽动，而是用一种近乎科学报告的严谨态度，构建了一套完整的习惯养成和维持的理论框架，读来让人信服，也更愿意去长期坚持。

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真心看了好几遍都没有厌！或许本来自己就对自己所珍爱的东西永远都不会厌。。。

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