李自健油画艺术

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出版者:天津杨柳青画社
作者:李自健绘
出品人:
页数:36
译者:
出版时间:2005-5
价格:45.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787805039428
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
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具体描述

李自健,1954年 8月11日生于中国湖南省邵阳市。1957年父亲被判十年冤狱,至此家境衰落,兄姊弟妹八人,无力扶养。年幼被寄养农村,童年少年饱受苦难和挫折。1969年5月开始学习素描,从师画家陈西川先生,从此走上艺术道路。

1970年 参加湘西山区铁路修建,画下大量生活速写。

1971年 进邵阳市一小街道工厂当学徒工,工余习画。

1972年 完成第一幅油画创作,首次参加湖南省美展。

随后几年,作品多次入选各种美展。节俭集资数度外出,寻访名师,遍游神州。

1977年父亲平反,三幅油画作品先后入选全国美展。一幅油画为中国美术馆收藏。

高考首度恢复。考入广州美术学院油画系,结束了七年工厂生活。1982年毕业于广州美术学院,获学士学位。作品四幅在加拿人、新加坡、香港展出。分配至湖南长沙市艺术馆任职。与画友同创立湖南磊石油画研究会,其间多次举办画展。

1983年为湖南新图书馆大楼中央厅绘制巨幅陶瓷壁画。

1984年油画《山妹》和壁画《求索》入选第六届全国美展。

与年青诗人丹慧结为夫妇。

1985年湖南青年美术家协会成立。后任执行主席。

组织举办并参与湖南省首届青年美展,作品二幅获优秀奖。

1986年被中国美术家协会吸收为会员。三幅作品入选中同当代造型艺术展赴加拿大多伦多展出。年底,组织并参与湖南青年美术家集群展,赴北京中国美术馆展出。

1987年油画《十月》(孕)参加在上海举行的中国首届油画大展。为长沙艺术馆绘制大型壁画。油画《白光》获全省艺术馆展一等奖。

1988年作品二幅赴日本参加中国油画艺术展,为日本收藏家收藏。10月,被美国麻省艺术学院研究生部录取,赴美国自费留学深造。

1989年居洛杉肌学习英文。此期间,致力于人物肖像绘画。赴纽约、华盛顿、波士顿、费城、旧金山各大艺术博物馆考察研习。

1990年受聘于洛杉矾 DESIGN GALLERY画廊,为专职画家。期间,多次参与并举办各类画展。

1991年年初,与画廊解约。4月,获国际知名高僧星云大师鼎力支持,迁入洛杉矶蒙地拉精舍,潜心于表现中华民族情感弘扬人类博爱精神的艺术创作之中。

1992年5月,50幅作品于美国洛杉矶首次展出,获热烈反响。

1992年8月,迁入自购新宅建立《李自健艺术工作室》。

出版发行《李自健油画》大型画集。数十幅油画创作作品,被佛光缘美术馆收藏。

1993年元月于台湾高雄佛光山展览馆举行李自健油画大型个展。10月,在台北市立美术馆举办《李自健油画》个展,成为在该馆举办个展的第一位大陆画家。

1994年5月,《人性与爱·李自健油画国际巡回展》应邀赴德国柏林世界文化艺术馆展出。7月,问一画展于法国巴黎中华文化中心展出。8月,同一画展于英国伦敦TRAFALGAR展出。欧洲巡展期间,画家携妻子女儿游历欧洲十五国,参观欧洲各大艺术博物馆。12月,在香港举办的《当代名家艺术精品义卖》的拍卖会上,作品“雀儿飞过”以48万港币的该拍卖会的最高价卖出。

1995年3-4月,于台湾省立美术馆举办“人性与爱·李自健油画国际巡回展”与美术馆联合出版《国际巡回展》大型画集。5月,以售画款项建立李自健油画环球巡展基金会。

1996年5月,李自健油画环球巡回展应邀赴马来西亚吉隆坡国油美术馆展出。6月,同一画展巡回至新加坡世贸中心中央大厅展出。7月,同一画展应邀赴泰国国家美术馆展出。10月,李自健环球巡回展赴澳洲雪梨市市政厅展出。11月,同一画展于澳州沃伦冈市南天寺展览馆展出。应邀赴马来西亚首相府为首相马哈迪尔夫妇绘制油画肖像。

1997年1月,画展应邀赴南非开普敦艺术家协会展览馆及城堡艺廊分别展出。成为首位于南非举办大型个展的中国大陆艺术家。3月,画展应邀赴巴西圣保罗PINACOTECA州立美术馆展出,成为该馆建馆百年来,首次举办大型油画个展的中国艺术家。一幅展出品为美术馆永久典藏。5月,画展赴纽约圣·约瀚大学美术馆展出。6月,画展在纽约联合国总部大厦展出,联合国秘书长安南亲临参观,并接见画家夫妇。展出期间,应邀为联合国秘书长安南绘制纪念性肖像。作品《韧》等,选为联合国将发行的1999年老人年印刷品。8月,画展应邀赴洛杉矶加州大学拉克曼美术馆展出。9月,画展应邀赴温哥华哥伦比亚大学亚洲中心展出。11月,江泽民主席访美,画家夫妇应邀出席欢迎晚宴。12月中旬,画展赴香港大会堂展览厅展出。

1998年潜心创作,并游历多国,为再一次巡展行动,策定行程。

1999年5-7月,《人性与爱·李自健油画展》,应邀于台湾高雄市立美术馆展出,写下首位中国大陆画家在台湾三大美术馆举办大型油画个展的记录。10月,同一画展,应邀于荷兰西菲斯兰美术馆展出。

2000年1月,同一画展,荷兰苏富比拍卖总部中央厅展出,成为第一位应邀于苏富比总部举办大型个展的艺术家。3月应邀赴荷兰泽斯特皇宫博物馆展出。4月应邀赴美国华盛顿国际货币基金总部展出。8月至9月环球巡回展于北京中国革命历史博物馆展出。9月下旬于上海市美术馆展出。10月上旬于湖南省博物馆展出。10月中下旬于广东省美术馆展出。11月同一画展转往马来西亚国家美术馆展出。

2001年5月,同一画展在台北国父纪念馆中山国家画廊展出。

艺术的边界与探索:当代绘画的多元视角 引言: 在二十一世纪的艺术图景中,绘画的传统与革新并行不悖,艺术家们以各自独特的语言和媒介,不断挑战既有的审美范式,探寻着人类经验与精神世界的深层联系。本书并非聚焦于某一特定艺术家的成就,而是旨在提供一个广阔的、多维度的视角,审视当代绘画艺术在题材选择、技法创新、观念表达以及社会语境互动中所展现出的活力与复杂性。我们将深入探讨那些在材料运用上大胆突破、在叙事结构上充满隐喻、在空间感知上力求颠覆的创作实践,为读者构建一个理解当代绘画脉络的清晰框架。 第一部分:重塑具象的维度——后传统时代的叙事回归与解构 当代绘画并未完全抛弃具象的传统,然而,这种“回归”往往伴随着深刻的批判性反思和审视。本部分将剖析那些以传统写实或半写实手法为基础,却在内容上注入了强烈时代烙印的作品。 1. 身体作为场域:身份、政治与脆弱性 当代艺术对“身体”的关注从未如此密集。我们探讨那些不再将人体视为纯粹美学对象的作品。艺术家们如何利用人体形象来讨论性别政治、族群身份的边缘化、全球化背景下的异化感,乃至生理上的衰败与死亡。重点将放在那些通过夸张、扭曲或符号化的处理方式,迫使观众直面被压抑的社会议题的作品。例如,对“伤痕”和“残缺”的描绘,如何从个人经验升华为对集体创伤的隐喻。 2. 日常景观的陌生化处理 平凡的场景——城市角落、室内陈设、静物——在当代画家的笔下获得了新的生命力。这种陌生化并非简单的超现实主义式的拼接,而更多地体现在对光影、色彩饱和度以及透视关系的主观干预上。我们分析艺术家如何通过细致入微的观察,揭示日常表象下隐藏的焦虑和疏离感。通过对“非场所”(Non-places)的描绘,探讨现代生活中的瞬时性与不可靠性。 3. 历史的碎片与重写 许多当代画家致力于“对话”历史。他们并非简单地复制古典大师的作品,而是将其中的元素——神话原型、历史事件的经典构图——进行抽离、嫁接或故意破坏。这种操作的目的是什么?它揭示了历史叙事的建构性,以及当代人在面对宏大叙事时的复杂心态——既想继承,又必须质疑。我们将考察那些在构图上引用古典油画,但在色彩和笔触上完全采用当代抽象语言的作品。 第二部分:媒介的解放与边界的消融——材料的哲学 绘画的本质正在被材料的“在场性”所挑战。当代艺术家不再将画布视为唯一的终极载体,而是将创作过程本身视为作品的有机组成部分。 1. 从颜料到物质:探索触感与体积 本章聚焦于那些极大地拓宽了“油画”或“丙烯”定义的作品。艺术家如何利用厚涂(Impasto)技法,使颜料堆积到近乎雕塑的程度?他们引入的非传统材料,如沙土、树脂、金属屑或工业废料,如何改变了作品的物理存在感和观看体验?探讨这些材料的哲学意义:它们是否代表着对工业化进程的反思,或是对物质本体论的回归? 2. 绘画与新媒体的交织 数字技术不再是绘画的对立面,而是成为了其有机的延伸。我们研究那些以传统绘画为起点,但通过投影、动画或互动装置进行二次干预的作品。例如,一幅静态的布面油画如何通过数字映射,在其表面生成动态的光影变化,从而使作品具备了时间性。这种跨媒介的实践,如何模糊了“绘画艺术”与“时间艺术”的界限? 3. 绘画的“非物质化”倾向 对“晕染”(Staining)和“渗流”(Bleeding)的精细控制,使一些作品看起来更像是色彩的“事件”而非“描绘”。探讨那些追求极简、透明感和渗透感的实践,它们如何挑战了传统油画的“厚重感”与“绘画性”,转而探讨色彩与基底材料之间最原始的化学反应。 第三部分:观念的重量——绘画作为思想的载体 在当代艺术语境中,观念往往先于视觉效果发挥主导作用。本部分着重分析绘画如何被用作阐释复杂哲学或社会理论的工具。 1. 符号学的游戏与挪用 艺术家如何系统地挪用、解构并重组现有的视觉符号——从广告图像到科学图谱。探讨这些符号的语境转移如何产生新的意义,以及这种“符号游戏”对观众既有知识体系的冲击。重点分析那些色彩和构图看似平庸,但其信息密度极高的作品。 2. 绘画的“元反思”:关于绘画本身的绘画 有些作品直接探讨了绘画行为的局限性与可能性。它们可能描绘画笔、颜料罐,或是画布的边缘,形成一种自我指涉的循环。这种“元绘画”倾向,是对艺术史中关于“绘画的终结”这一论断的持续回应与再确认。 3. 绘画中的缺席与留白的力量 探讨负空间(Negative Space)和故意遗留的“空白”区域在当代作品中的功能。这些“未完成”或“未被涂绘”的部分,往往承载着最强大的观念重量,它们迫使观众用想象力去填补缺失的内容,从而参与到作品意义的构建中。这与东方美学中的“计白当黑”有何异同? 结论:持续的张力场域 当代绘画艺术是一个充满张力与未解之谜的场域。它既是对大师传统的谦卑致敬,也是对既定秩序的激进反叛。本书所呈现的,是艺术家们在材料、形式、叙事和观念的交汇点上,不断拓宽艺术表达边界的生动例证。理解这些实践,需要我们暂时放下对“美”的传统定义,以更开放的心态,去迎接绘画在当下语境中爆发出的无限可能。

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读后感

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用户评价

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打开这本书,最让我感到震撼的是他对“空间感”的营造能力。很多油画作品会给人一种平面化的感觉,但这里的每一幅画,无论题材是静物、风景还是人物,都拥有令人信服的三维立体感。这种立体感不仅仅来源于精确的透视学运用,更深层的原因在于画家对空气和物体的“重量感”的精准把握。比如,那些玻璃器皿的描绘,透明度、折射光线的方式,以及物体边缘与背景空气的衔接处理,都极其考究,让人感觉那物件仿佛触手可及,甚至能感知到它的冰凉。再看看那些描绘建筑内部光线的作品,光束穿过窗棂投射在木地板上的那种层次分明的光影,仿佛能让人听到灰尘在光柱中微微漂浮的“沙沙”声。这种沉浸式的体验,远超出了单纯的“好看”范畴,它调动了我们所有的感官去参与到作品的构建之中。这需要画家对物理世界有着非同一般的洞察力,也体现了他在处理复杂光影关系时,那份近乎偏执的耐心和精确性,绝非一蹴而就。

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这本书,说实话,初翻时差点以为是本摄影集,那种对光影的捕捉简直是教科书级别的精准。特别是他对于环境光线的处理,那种由内而外散发出来的沉静感,让人一头扎进去就出不来。我记得有一幅描绘江南水乡的作品,水面上的反光处理得细致入微,连微风拂过时水纹的动态感都仿佛能通过画面传递出来。油画颜料的堆叠和稀释,他拿捏得恰到好处,既保留了油画的厚重肌理,又没有让画面显得过于板结。那种朦胧感、那种湿润感,完全不是靠后期修图能达到的效果,纯粹是画家手中调色刀和画笔的魔力。我甚至忍不住想,如果一个画家能把“光”这个无形的东西描绘得如此有形有质,那他的观察力该是多么的惊人。尤其是那些人物肖像,眼神里的故事感,不是简单地描摹五官,而是深入到了灵魂深处,让人会不自觉地去揣测画中人物当下的心境。这本画册的装帧设计也挺讲究,纸张的质感很好,能最大限度地还原原作的色彩饱和度和细节层次,这点对于欣赏油画作品来说至关重要,很多廉价印刷品会把油画的层次感完全吃掉,但这一本处理得非常到位,看得出出版方是用心了的。

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这本书的选材范围广得令人惊讶,它展示了一种跨越流派界限的自信。我原本以为会局限于某种固定的风格体系,但实际上,它像一个技艺精湛的万花筒,里面既有古典主义的严谨结构,也有印象派对瞬间光色的捕捉,甚至在一些抽象边缘的作品中,又流露出表现主义那种强烈的情绪释放。这种“兼容并蓄”的特质,恰恰证明了画家自身的艺术底蕴之厚重。他似乎不满足于停留在某一种已成的范式中,而是不断地将不同时代的艺术语言融入自己的创作体系,并赋予其全新的生命力。我记得有一幅色彩极其大胆的作品,饱和度高得近乎刺眼,但奇怪的是,它并没有让人感到不适,反而有一种原始的生命力喷薄而出,这说明画家对色彩的控制力已经达到了炉火纯青的境界,他知道何时需要克制,何时需要爆发。这种不断自我超越的创作轨迹,对任何一个在艺术道路上探索的人,都具有极强的启发意义。

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从装帧设计和印刷质量来看,出版方对这批画作的尊重是显而易见的。每一幅作品的排版都给予了足够的呼吸空间,没有那种为了塞满页面而进行的拥挤布局。特别是那些需要细看笔触细节的特写插页,其放大倍率和清晰度都处理得非常专业,让读者即使不站在原作前,也能清晰地辨识出颜料在画布上留下的独特“指纹”。这种对细节的尊重,其实也是对艺术家创作过程的致敬。此外,书籍的纸张选择也十分巧妙,它能够很好地吸收和反射光线,避免了过度反光影响观看体验,这在欣赏那些高光处理精妙的作品时尤为重要。总而言之,这是一本兼具学术价值和审美享受的出版物,它不只是简单地展示作品,更像是一次精心策划的、关于视觉美学的深度对话,让人在合上书本之后,脑海中仍久久回荡着画中世界的独特韵律和光泽。

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这本书的整体布局和叙事节奏,更像是一部精心编排的视觉交响乐,高低起伏,张弛有度。它不是简单地把一堆画作堆砌在一起,而是通过不同的系列和主题,引导着读者的视线做一次又一次的探索。例如,在描绘宏大历史场景的那一组里,你能感受到一种磅礴的气势,笔触也变得更为奔放和洒脱,仿佛画家在创作时是带着一种史诗般的激情。而紧接着,画面风格会突然转入对日常家居场景的细腻刻画,那种宁静、温暖的氛围立刻将人拉回了柴米油盐的温馨日常。这种强烈的对比,让观者的大脑得到了充分的休息和切换,不至于在视觉疲劳中麻木。而且,我特别欣赏它在不同时期作品之间的对比呈现方式,虽然没有过多的文字解释,但通过并置,读者自己就能清晰地捕捉到画家在不同人生阶段对色彩、构图的理解和演变。这不仅仅是一本画册,它更像是一部无声的、关于艺术生命力的成长记录,充满了探索与自我超越的痕迹。对于想了解一个艺术家如何通过时间打磨自己技艺的人来说,这是本极佳的样本。

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在上海没有目的的瞎晃荡居然就荡到了美术馆,正好碰上李老师的画展和签名见面会。很多湘西题材作品,浓浓的湘味儿和乡味儿。妻子诗人丹慧也是湘女。很亲切的感觉~

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