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出版者:安徽美术

作者:张骥洲，陈峰编著

出品人:

页数:24

译者:

出版时间:2005-1

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787539813714

丛书系列:

图书标签:

• 素描
• 石膏
• 绘画
• 美术
• 艺术
• 基础
• 技法
• 临摹
• 速写
• 教学

好的，这是一本名为《素描的几何与光影解析》的书籍简介，它与你提到的《素描石膏.1》内容完全不同，侧重于素描的基础理论、几何形体分析以及光影的科学理解。 --- 《素描的几何与光影解析》 探索视觉的本质：从形体结构到空间感知 作者： 艺术与结构研究组 出版社： 启明艺术文库 定价： 128.00 元 页数： 480 页 装帧： 精装，附赠高精度结构图谱 ISBN： 978-7-5503-1123-4 --- 内容简介： 在艺术创作的广袤领域中，素描无疑是所有视觉表达的基石。然而，许多学习者往往停留在对表象的机械模仿，未能真正触及造型艺术背后的逻辑与规律。《素描的几何与光影解析》并非一本简单的速写或静物临摹指南，它是一部深入探讨素描底层逻辑、结构数学化以及光线物理学的深度教程。本书旨在帮助学习者和专业人士跨越“画得像”的门槛，真正做到“理解并重建”三维空间中的视觉实体。 本书的视角是解构性的。我们摒弃了传统教学中过于依赖“感觉”的描述，转而采用一种更具科学严谨性的分析方法，将复杂的人体、静物乃至环境，还原为最基础的几何形体。我们相信，任何复杂的形态，无论是一块布褶、一座雕塑，还是一张人脸，都可以被分解为球体、立方体、圆柱体、锥体等基本几何单元的组合与切割。 第一部分：形体的几何本质与空间定位 本部分是全书的理论基石。我们首先探讨的是透视学的精确应用。这不是简单地学习“近大远小”，而是深入研究单点透视、两点透视乃至复杂多点透视在实际构图中的数学原理。书中详尽解析了视平线、视点、灭点与基准线的精确关系，并提供了利用网格系统快速建立稳定空间框架的方法。 随后，我们将重点转向形体的结构化表达。我们用大量的图例和分析图，演示如何将柔软的、流动的物体（如布料、肌肉）简化为一组相互关联的几何块面。这要求学习者具备一种“几何直觉”——看到物体表皮下隐藏的骨架和体积。我们详细剖析了轮廓线与边缘线的区别，强调轮廓线是三维形体在二维平面上的投影边界，而非简单的线条勾勒。 第二部分：光影的物理学与调性的科学构建 光影是赋予素描立体感的灵魂，但其表现往往是模糊而主观的。《素描的几何与光影解析》致力于将光影的呈现还原为物理现象。 我们将光线视为平行的光束或发散的光源，并系统地讲解了五大基本光影要素的成因：高光（Specular Highlight）、亮面（Halftone）、明暗交界线（Core Shadow）、反光（Reflected Light）和投影（Cast Shadow）。 本书最核心的贡献之一，在于对灰度（Value）的量化管理。我们引入了“价值等级体系”，将传统素描中的“黑、白、灰”细化为十个以上的精确等级，并提供了一套基于目标光源的灰阶匹配方法。读者将学会如何根据光源的强度和环境光的介入程度，科学地分配画面的明暗层次，从而避免画面灰暗或对比失衡的问题。 第三部分：材质与肌理的几何化处理 优秀的素描不仅仅是形状和光影的堆砌，它还必须传达出物体表面的材质特性。本书的第三部分专注于此，它将材质的处理与基础几何形体的塑造紧密结合起来。 光滑金属与反光体： 讲解高光区域的锐利度与反光面积如何精确地指示表面光滑度，以及环境色对反光的微妙影响。 粗糙木质与多孔岩石： 探讨如何通过微小的、不规则的阴影变化和细节的“破碎感”，来模拟材质的粗糙度，这与光滑表面的平滑渐变形成鲜明对比。 半透明体： 分析光线穿透薄体或液体时，如何形成“穿透光”和“边缘光晕”，这要求对光线在介质中的折射和吸收有基础的理解。 通过本书的学习，读者将不再依赖经验式的涂抹，而是能够运用几何学的严谨性来分析空间，运用光影的科学原理来构建体积，最终实现对复杂对象的准确、稳定且富有逻辑性的素描表现。本书是献给所有追求扎实造型基础，渴望从“匠人”迈向“思考者”的艺术学习者的必备指南。 --- 目标读者： 高等美术院校学生及专业预科生。 希望系统性提升素描基础的自学者。 雕塑、建筑设计、动画原画等需要精确三维空间感的从业者。 对艺术原理和视觉科学感兴趣的爱好者。 本书特色： 1. 理论驱动实践： 每一项技术都建立在明确的几何或物理原理之上。 2. 结构化解析图： 大量采用“拆解图谱”，展示复杂物体如何回归为基本体。 3. 反“经验主义”： 拒绝模糊的描述，提供可量化、可重复的造型方法。

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作为一名长期从事设计工作，但绘画基础相对薄弱的从业者，我发现这本书的实用性远超我的预期。它没有过多纠缠于复杂的透视几何推导，而是聚焦于如何快速、有效地捕捉对象的核心特征。书中关于“调子（Tone Value）”的讲解，尤其令人耳目一新。它将复杂的明暗关系简化为几个可操作的层次划分，并且通过极其清晰的对比图例，展示了在不同光照条件下，这些层次如何支配画面的空间感和重量感。我尝试将书中所讲的“五个调子区域”概念应用到我日常的工作草图中，结果发现草图的立体感和表现力瞬间提升了一个量级。这本册子像是为那些时间紧张的成年学习者量身定做的，它高效地提炼了绘画的核心信息，避免了冗余的学术灌输，让我们能将有限的时间投入到最有效的练习中去。

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初翻阅时，我原以为这会是一本枯燥的技法大全，毕竟“石膏”二字听起来就带着学院派的刻板印象。然而，这本书的叙事方式却出乎我的意料。它没有采用那种冷冰冰的步骤罗列，而是将每一幅素描作品的创作过程，融入了一种近乎诗意的叙述之中。作者似乎在与我们分享的不是如何“画”石膏像，而是如何“感知”光影、如何与那个静默的形体进行了一场无声的对话。我特别喜欢其中几处对“结构转折点”的描述，那种用词的精准和画面感的叠加，让我猛然间领悟了过去对着石膏像练习时常常忽略掉的微妙之处。它不像一本指导手册，更像是一位经验丰富的大师，在你耳边轻声耳语，告诉你如何用铅笔的力度去“雕刻”出体积感，如何用擦笔去“渲染”出空气的流动。读完某个章节，我立刻放下书，拿起笔，感觉自己的视角都被拓宽了，不再只是描摹轮廓，而是开始真正地“理解”形体的内在逻辑。

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我特别喜欢这本书所蕴含的那种宁静致远的阅读体验。在某个冬日的午后，泡上一杯热茶，翻开这本厚重的画册，时间仿佛慢了下来。里面的每一张图稿，似乎都带着一种历史的沉淀感，它们不仅仅是技巧的展示，更像是一种对“观看”本身的反思。作者似乎在邀请读者，放下对“画得像不像”的执念，转而去关注光线是如何温柔地抚摸过曲面的，是如何在转角处留下深刻的阴影。书里对“形体本质”的探讨，已经超越了单纯的绘画范畴，进入了一种哲思的领域。读完后，我感觉自己看待周围的世界都变得不一样了，街道上的建筑、手中的咖啡杯，甚至云朵的边缘，都似乎被赋予了更丰富的几何意义和光影层次。这本书无疑是一次深层次的精神滋养，它教会我如何更专注、更深情地去审视我们所处的三维空间。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那细腻的肌理感，仿佛触摸到了真实的纸张，那种略带粗粝却又温润的手感，立刻将人带入了一种沉静的艺术氛围中。内页的纸张选择也非常考究，光影在上面流转时，展现出一种恰到好处的哑光质感，即便是最细微的线条，也清晰可见，丝毫没有廉价印刷品的反光刺眼感。尤其欣赏的是它对排版的用心，那种留白的处理，简直是教科书级别的典范。文字和图像之间的呼吸感十足，每一页都像是一个精心布置的微型展览空间，引导着读者的视线自然而然地在画面与文字间游走。装订处也做得非常牢固，即便是经常翻阅，也完全不用担心散页的问题，这种对细节的执着，体现了出版方对艺术书籍应有的敬畏。它不仅仅是一本书，更像是一件可以放在案头细细品味的艺术品，每次拿起，都能感受到那种扑面而来的专业和匠心。光是看着它躺在书架上，就觉得整个阅读角落的格调都提升了好几个档次。

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这本书的选题角度实在太刁钻，也太有价值了。在如今这个充斥着快速数字绘画教程的时代，它却将笔墨聚焦在了最基础，也最容易被现代人抛弃的“固定对象写生”上。更难能可贵的是，它并非只是展示那些完美的、理想化的古典雕塑摹写，而是非常坦诚地收录了许多“未完成稿”和“失败尝试”。这些被刻意保留下来的笔触断点、修改痕迹，反而是最能打动我的地方。它们清晰地揭示了创作过程中的挣扎与修正，让学习者明白，即便是大师的作品，也绝非一蹴而就的奇迹，而是无数次落笔、擦除、再落笔的累积。这种对创作真相的毫不保留的展示，极大地缓解了初学者面对完美范图时的挫败感。它告诉我们，每一次“画坏了”的尝试，都是在为下一次的成功累积经验，这种朴素而深刻的道理，比任何华丽的理论都更有力量。

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