中国美术史简明手册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:安徽美术

作者:张怀林

出品人:

页数:191

译者:

出版时间:2004-7

价格:48.00元

装帧:

isbn号码:9787539812991

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远古的回响与现代的脉动：西方艺术史的恢弘画卷 一部深入探索西方文明核心精神与视觉传统的深度导览 本书旨在为读者提供一幅清晰、连贯且富有洞察力的西方艺术史全景图。我们不局限于对作品的简单罗列和风格流派的机械划分，而是致力于挖掘艺术在不同历史时期如何作为人类思想、信仰、社会结构乃至个体情感的载体与见证。 本书的叙事主线，从史前洞穴壁画中原始生命力的迸发开始，直至二十世纪末当代艺术的多元爆发，构建了一部跨越数万年的视觉演变史。我们细致梳理了艺术在不同文明形态中的功能转换，探讨了从宗教叙事的主导地位到世俗化、个体化表达的深刻转型。 第一部分：文明的摇篮与古典的理想（公元前 30,000 年 – 公元 400 年） 本部分聚焦于西方艺术的基石——古代文明。我们将深入分析旧石器时代晚期的拉斯科与阿尔塔米拉洞穴壁画，阐释这些早期符号如何揭示了人类对自然界最初的敬畏与理解。 随后，我们将进入美索不达米亚与古埃及的宏伟叙事。重点考察苏美尔的楔形文字、巴比伦的法典石碑，以及埃及金字塔建筑群和陵墓壁画中体现的永恒观念与森严的等级制度。艺术在此阶段，是王权神授与来世信仰的坚实物证。 真正的转折点在于古希腊艺术。我们详尽探讨了古风时期（Archaic）的“库洛斯”雕像如何从僵硬向生命力的过渡；古典盛期（Classical）的“黄金比例”如何追求和谐、理性与理想化的人体美学，重点分析菲狄亚斯、波留克列特斯等大师的贡献及其对后世美学观的决定性影响。希腊化时期（Hellenistic）的《拉奥孔》与《萨莫色雷斯的胜利女神》则标志着艺术开始关注情感的激烈表达与戏剧张力。 最后，我们审视古罗马艺术。罗马人继承了希腊的形式，却将其应用于实践的领域——纪念碑、凯旋门、公共浴场和万神殿。本书将特别分析罗马艺术如何服务于帝国扩张、法律宣传和公民精神的塑造，并研究其在肖像雕塑中对“真实”与“权力”的刻画。 第二部分：信仰的时代与精神的殿堂（公元 400 年 – 1400 年） 随着罗马帝国的衰落，艺术的重心转向了精神领域。本部分着重探讨早期基督教与拜占庭艺术。我们分析了从地下墓穴壁画到圣索菲亚大教堂的转变，重点研究圣像画（Icons）的象征意义、平面化处理以及对神圣空间的构建。 中世纪的欧洲，艺术成为“不识字者的圣经”。我们将深入剖析加洛林文艺复兴与奥托王朝时期对古典元素的重新诠释。随后，本书将细致描绘罗马式艺术（Romanesque）的特征，特别是其厚重的墙体、圆拱结构在朝圣路线教堂中的普及，以及对连环画式叙事浮雕的应用。 哥特艺术的出现是一场建筑与光线的革命。我们不仅关注巴黎圣母院等宏伟的尖拱教堂，更重要的是分析其结构如何使得彩色玻璃窗成为可能，从而将信徒笼罩在叙事性的“天国之光”中。手抄本插画和雕塑的自然主义倾向，预示着即将到来的变革。 第三部分：文艺复兴的觉醒与巴洛克的激情（1400 年 – 1750 年） 文艺复兴（Renaissance）标志着“人”的重新发现，艺术史进入了一个前所未有的黄金时代。 早期文艺复兴（佛罗伦萨）部分，我们探讨了人文主义思想如何渗透到艺术创作中，透视法（Perspective）的发明如何彻底改变了二维空间的表现力，并重点分析马萨乔、多那太罗和波提切利的作品中对古典理想的回归与个性解放的尝试。 盛期文艺复兴（High Renaissance）是艺术史上的顶峰。本书将集中篇幅解析达·芬奇的科学观察、米开朗基罗对人体雕塑的极致追求，以及拉斐尔对古典和谐的完美整合。 北方文艺复兴则展现了不同的路径，尤其关注荷兰和佛兰德斯画派对细节的惊人描摹和油画技法的革新，如凡·艾克的精确光影处理。 矫饰主义（Mannerism）作为对盛期完美的“反动”，展现了对紧张、拉长、非自然色彩的偏爱，预示着新一轮的戏剧性高潮。 巴洛克艺术（Baroque）是对宗教改革和反宗教改革的回应。本书强调其核心特征：动感、强烈的明暗对比（Chiaroscuro）、情感的饱满与对观众的直接干预。卡拉瓦乔的自然主义与戏剧性光线、贝尼尼雕塑中捕捉到的“瞬间”以及鲁本斯作品中旺盛的生命力，构成了巴洛克的恢弘主题。在北方，我们则考察伦勃朗如何通过光线揭示人物的内在灵魂。 第四部分：启蒙、革命与现代的开端（1750 年 – 1900 年） 洛可可（Rococo）的精致与感官享受为启蒙时代的到来做了最后的铺垫。 新古典主义（Neoclassicism）是启蒙理性精神的视觉体现。在雅克-路易·大卫的引导下，艺术回归到古罗马的道德感、清晰的线条和坚定的构图，服务于革命和公民美德的颂扬。 紧随其后的是浪漫主义（Romanticism）的爆发。本书着重分析浪漫主义对情感、想象力、异域风情和崇高（The Sublime）的迷恋，如何挑战新古典主义的理性秩序。德拉克洛瓦的色彩热情与戈雅深刻的社会批判，是这一时期的重要标记。 工业革命和城市化深刻改变了社会面貌。现实主义（Realism）以库尔贝为代表，拒绝了理想化，直面劳动、贫困和日常生活的“丑陋”真实。 印象派（Impressionism）的诞生，是艺术史对“看”的方式的一次革命。莫奈、雷诺阿等人如何捕捉光线和瞬间的视觉感受，以及日本浮世绘和摄影术对他们构图的影响，将是本章的核心。 在印象派的基础上，后印象派（Post-Impressionism）探索了更深层次的内在结构与主观表达：塞尚对几何形体的解析、梵高对情感色彩的运用、高更对原始的向往，共同为进入二十世纪的现代艺术奠定了多重基础。 第五部分：流动的边界与视觉的颠覆（1900 年至今） 二十世纪的艺术史，是一系列不断自我否定与革新的激进试验。 野兽派（Fauvism）和表现主义（Expressionism）的色彩解放，打破了再现的桎梏。我们详细剖析了野兽派对原色的大胆使用，以及德国表现主义群体如“桥社”对现代都市异化和心理焦虑的深刻描绘。 立体主义（Cubism），特别是毕加索和布拉克对空间和时间概念的颠覆性重构，是艺术史上最关键的转折点之一。 随后，未来主义、达达主义和超现实主义等运动，直接或间接回应了战争的残酷与潜意识的发现。我们将探究达达主义的“反艺术”态度，以及超现实主义如何将梦境的逻辑引入画布。 二战后，艺术的中心转向纽约。抽象表现主义（如波洛克的行动绘画）将画布提升至存在主义的层面。 紧接着，波普艺术（Pop Art）如安迪·沃霍尔的作品，重新将目光投向大众文化和消费符号，模糊了“高雅艺术”与“流行文化”的界限。本书最后将涵盖极简主义、观念艺术（Conceptual Art）以及对后现代主义的初步审视，探讨艺术如何从关注“物体”转向关注“观念”与“语境”。 通过对这些关键阶段的详细论述，本书旨在向读者展示西方艺术史并非一条平滑的线性发展路径，而是一部充满冲突、对话、继承与叛逆的复杂编年史，它反映了人类精神世界在不同时代所能达到的最高成就与最深层的困惑。

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老实说，我买这本书的初衷是希望快速建立一个中国艺术史的基本框架，对于那些晦涩难懂的专业术语我其实有点畏惧。然而，这本书的叙事风格却出乎意料的流畅和富有人情味。它没有采用那种冷冰冰的编年体罗列方式，而是巧妙地将历史人物的生平逸事融入到艺术风格的演变之中。读起来，仿佛是听一位博学的长者在娓娓道来那些大师们坎坷而辉煌的创作历程。比如讲述宋徽宗时期的院体画，作者并没有一味赞美其“瘦劲”的笔法，而是侧面描绘了皇家审美对艺术创作所施加的巨大压力与束缚，使得冰冷的艺术分析瞬间变得立体而鲜活。这种讲故事的能力，极大地降低了非专业读者的阅读门槛。我发现自己不再是机械地记忆“南宋四家”的名字，而是能联想到他们在特定历史节点上所做的艺术抉择。这种基于人文关怀的叙述方式，让原本枯燥的历史知识点变得有血有肉，让人愿意一页一页地读下去，而不是只查阅需要的章节。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，尤其是封面那一抹典雅的靛青色，配合烫金的书名，拿在手里就有一种沉甸甸的历史厚重感。内页的纸张选择也深得我心，米白色的哑光纸张，不仅阅读起来非常舒适，不伤眼，而且更能衬托出那些经典画作的细节和色彩的层次感。我特别欣赏作者在排版上的用心，那些关键的图例和文献引用都被巧妙地穿插在正文之中，使得阅读的节奏张弛有度，不会让人感到文字的堆砌。比如在论述唐代壁画风格演变的那一章节，作者不仅有文字的细致分析，还配有清晰的拓片摹本和高清晰度的彩图对比，这种图文并茂的编排方式，极大地降低了理解复杂艺术史概念的门槛。此外，书脊的胶装工艺处理得非常牢固，即便是经常翻阅查找资料，也不担心书页松散。唯一的遗憾是，如果能在章节末尾增加一个“延伸阅读推荐列表”，那就更加完美了，毕竟对于初学者来说，知道下一步该往哪里深入探索也是非常宝贵的指引。总的来说，这本书从里到外都散发着一种匠心独具的专业精神，非常适合放在书架上随时取阅，每一次翻开都能带来新的发现。

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我最近对明清文人画的转向特别感兴趣，而这本手册在处理这一脉络时，展现出了一种近乎于庖丁解牛般的精湛功力。它并没有简单罗列人物和作品，而是深刻地剖析了时代背景——士大夫阶层心态的变化——是如何直接投射到笔墨语言上的。作者对“逸笔草草，不求形似”这一核心观念的解读，不再是停留在表面的概念阐述，而是结合了具体的笔墨技法分析，比如皴法的使用、墨色的浓淡干湿变化，来解释这种“心画”的实现过程。尤其让我印象深刻的是关于董其昌“南北宗论”的重新审视部分，作者以极为审慎和批判性的眼光，梳理了这一理论在后世产生的局限性，而不是人云亦云地照搬既有观点。这种深入骨髓的学术探讨，让阅读过程充满了智力上的挑战和满足感。它迫使我不得不放慢速度，反复咀嚼那些充满思辨性的论述，并对照图例进行比对分析。对于一个有一定基础的爱好者而言，这本书无疑是一剂猛药，能迅速提升对中国画发展脉络的把握深度和理论高度。

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这本书在处理不同艺术门类的横向比较时，展现出了令人耳目一新的视野。它并没有将绘画、雕塑、书法、园林等艺术形式割裂开来，而是努力寻找它们在同一历史时期内审美品味的共性。例如，在讨论明代中晚期市民阶层兴起时，作者能够清晰地将当时新兴的版画、文人瓷器装饰风格，与主流的绘画主题进行关联对比，揭示出一种“全民审美趣味”的微妙转移。这种跨媒介的视角，极大地拓宽了我对中国艺术史的理解边界。我过去总认为，研究书法和研究山水画是两条平行的轨道，但这本书通过对比篆隶入画的趋势和行草入书的倾向，展示了笔墨本体语言在不同媒介中的互相渗透与影响。这种宏观的、系统性的整合能力，使得全书的逻辑结构异常坚固。它不是简单地堆砌知识点，而是在构建一个互相印证、层层递进的知识体系，让人读完后有一种豁然开朗的感觉，仿佛终于看到了全貌，而不是只见树木不见森林的零散碎片。

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作为一名长期从事文物修复工作的技术人员，我最看重的是资料的准确性和细节的捕捉能力。这本书在描述早期青铜器纹饰、汉代画像砖的图像学意义时，表现出了惊人的严谨性。很多地方引用的考古发现和学术界最新的研究成果都能得到及时的反映，这在很多同类教材中是很难得的。例如，书中对于商周礼器功能与纹饰符号的对应关系描述，清晰地勾勒出了从“神性”到“世俗化”的过渡痕迹。它不仅仅是艺术史的讲述，更像是一部微缩的社会文化史。我尤其欣赏它在插图选择上的独到之处——很多都是选取了局部特写，而不是仅仅展示全貌，这对于我们这些需要研究具体工艺细节的人来说，简直是救命稻草。比如说，展示某件玉器的“沁色”变化时，不同的光照角度和纹理细节被精准捕捉并标注出来，这比翻阅厚重的文物图录要高效得多。我甚至从中获得了一些关于古代颜料和矿物色彩使用的启发，虽然它不是专门的材料学书籍，但其附带的文化背景信息却提供了宝贵的间接证据。

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江苏湖州？作者你确定不是和我开玩笑么？序言里说要为广大人民群众作艺术史入门的途径，广大人民群众要是这么个入门法，那还得了啊。

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两个巴掌大，硬皮封面铜版纸彩印，质量还不错，但只适用于中国美术史学习时临时便携的查询工具书，里面有按朝代各类划分，可是居然没有书法艺术的内容！这点很不能原谅，编者给点常识好不好！！里面的图大概也就一两个橡皮擦的大小，想看“高清图像”的麻烦直接看别的书吧~