高考音乐强化训练·作曲卷 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖南文艺出版社

作者:冯广映 编

出品人:

页数:135

译者:

出版时间:2003-1

价格:16.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787540430061

丛书系列:

图书标签:

• 高考
• 音乐
• 作曲
• 训练
• 强化
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• 升学
• 教程

音乐理论与实践：深度探索与技能提升 本书聚焦于音乐学科的广阔领域，旨在为音乐学习者、爱好者及专业人士提供一个系统而深入的学习平台。全书内容围绕音乐的理论基础、历史演变、实践技巧以及跨学科应用展开，力求构建一个全面且富有启发性的知识体系。 第一部分：西方音乐史与风格流派（约400字） 本部分将带领读者穿越西方音乐的漫长历史长河，从古希腊的萌芽到近现代的多元发展，细致梳理各个重要时期的音乐特征、代表人物及其核心作品。 1. 中世纪与文艺复兴： 探讨格里高利圣咏的单音体系，复调音乐的兴起及其在宗教仪式中的地位。深入分析文艺复兴时期人文主义思潮对音乐的影响，如奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里那等人的作品风格，重点阐述对位法的成熟与世俗音乐（如牧歌）的发展。 2. 巴洛克时期： 聚焦于巴赫、亨德尔等大师的贡献。详细解析巴洛克音乐的核心要素——力度对比、装饰音的运用以及通奏低音的结构作用。通过分析赋格曲、协奏曲（如维瓦尔第的《四季》）和清唱剧的范例，理解情感的戏剧性表达与结构的高度理性化。 3. 古典主义： 重点剖析海顿、莫扎特和贝多芬如何确立奏鸣曲式、交响曲和室内乐的经典范式。讨论清晰、平衡的结构美学，以及音乐语言如何服务于“自然”与“理性”的时代精神。对奏鸣曲的呈示部、发展部和再现部进行技法层面的剖析。 4. 浪漫主义与民族乐派： 考察肖邦、舒曼、瓦格纳等作曲家如何将主观情感、个人叙事与超自然主题融入音乐创作。探讨李斯特的交响诗体裁以及民族乐派（如德沃夏克、格里格）如何利用民间音乐元素构建国家身份。 5. 二十世纪至今： 涵盖印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格）、新古典主义以及序列音乐、偶然音乐等前沿探索。分析无调性、十二音体系的理论基础及其对传统和声体系的颠覆性影响。 第二部分：和声学、对位法与曲式分析（约500字） 本部分是音乐理论的核心，旨在巩固和深化学习者对音乐结构性语言的理解和应用能力。 1. 实用和声学教程： 从功能和声学的基本概念出发，系统讲解三和弦、七和弦的连接规则，特别是解决导音和离调和弦的技巧。深入探讨经过音、变化和弦、半音进行，以及调式转换对色彩的丰富作用。内容覆盖传统“四部和声”的规范写作，并拓展至十九世纪浪漫主义晚期和声色彩的拓展应用。特别强调听觉训练与和声分析的结合，要求学习者能够准确辨识并复现复杂和声进行。 2. 对位法原理与实践： 以“纯正对位法”（Palestrina风格）为基础，系统教授两条、三条独立声部的线条处理。详细解析各种“种”（Species）的节奏与旋律关系，包括模仿、卡农的写作技巧。随后过渡到巴赫复调音乐中的应用，如赋格曲的呈露部、插入部、中段以及主导动机的发展，训练思维的逻辑性和声部的独立性。 3. 音乐曲式结构解析： 全面覆盖小型曲式（如二部曲式、三部曲式）和大型曲式（奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式、回旋奏鸣曲式）。曲式分析不仅仅停留在结构划分，更侧重于探讨作曲家如何通过动机展开、主题的对比与统一、以及调性布局来塑造音乐的戏剧性冲突与完整性。对于交响曲、奏鸣曲的乐章布局和结构逻辑进行深入剖析。 第三部分：配器法与音乐材料学（约350字） 本部分聚焦于如何将理论转化为可听的、具有特定音响效果的音乐实践。 1. 乐器法详解： 详尽介绍管弦乐队中各个声部的性能、音域、音色特点及演奏技法。 弦乐组： 区分揉弦、换把、泛音、拨弦等技法，并分析其音色效果。 木管组： 探讨不同指法对音色纯净度的影响，以及双簧、超吹等特殊技巧在色彩营造中的作用。 铜管组： 分析弱音器（Mute）对音色的改变，以及高低音区的张力控制。 打击乐器： 涵盖常规定音乐器（定音鼓、马林巴）和特种音响效果的实现方法。 2. 管弦配器原则： 探讨“音域的平衡”、“音色的叠加与融合”以及“声部线条的清晰度”三大配器核心原则。通过分析德彪西对木管组的色彩运用、马勒对铜管组的戏剧性爆发等范例，学习如何运用配器法来突出主题、烘托气氛或构建宏大音响。 3. 电子音乐与合成技术简介： 简要介绍声音的物理特性（频率、波形、包络），以及基础的合成器（振荡器、滤波器、调制器）的工作原理，为学习者理解现代音乐制作提供必要的理论入门。 第四部分：中国音乐概览与分析（约250字） 为拓宽学习者的视野，本部分融入对中国传统音乐的介绍与分析，强调中西音乐体系的对比学习。 1. 传统音乐体系概述： 介绍中国传统记谱法（工尺谱）的基本概念，并简要概述中国传统五声音阶与七声音阶的结构。 2. 戏曲与说唱音乐： 选择一至两种具有代表性的地方戏曲（如京剧、昆曲），分析其板式结构、板眼节奏、以及人声（唱腔）与伴奏（文场与武场）的互动关系。 3. 近现代中国音乐发展： 概述二十世纪以来，中国作曲家如何借鉴西方作曲技法，融合中国民间音乐素材，创作出具有民族特色的交响乐、歌剧等作品，培养对本土音乐的鉴赏能力。 本书力求内容详实、逻辑严密，旨在成为读者在音乐理论与实践领域中持续钻研的有力参考工具。

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作为一名艺术生，我们对教材的实用性和启发性要求是很高的。这本书的价值远超出一本单纯的应试工具。我发现其中穿插的一些“作曲家手记”或者“灵感激发小贴士”非常有趣，它们不像是刻板的教学内容，更像是前辈们在创作路上的经验分享。这些片段虽然简短，但往往能起到画龙点睛的作用，比如如何快速捕捉生活中的旋律片段，或者如何巧妙地运用特定调式来营造情绪氛围。这种将理论与实践、知识与灵感巧妙结合的方式，让学习过程变得生动起来，不再是枯燥的公式套用。它似乎在鼓励我们去思考，去挖掘自己内心深处的音乐语言，这对于培养真正的音乐素养，而非仅仅为了应付考试，是非常有帮助的。

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这本书的装帧设计真是深得我心，封面色彩搭配既有艺术气息又不失专业感，纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，让人感觉内容必然是经过精心打磨的。我尤其欣赏它在排版上的用心，字体选择清晰易读，行距和段落之间的留白处理得恰到好处，长时间阅读下来眼睛也不容易疲劳。虽然我还没来得及深入研究里面的具体习题，但仅仅是翻阅目录和前言部分，就能感受到编者在课程体系构建上的严谨性。他们似乎非常注重逻辑递进，将复杂的作曲知识点拆解得非常细致，从基础的和声进行到复杂的曲式结构分析，每一步都有清晰的指引，这对于我们这些在备考过程中需要系统性梳理知识的考生来说，无疑是一份极大的便利。这种细致入微的关怀，让我对后续的学习充满了期待，感觉手里的不仅仅是一本习题集，更像是一位经验丰富的导师在身边随时指导。

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我之前试了好几本市面上的音乐学习资料，很多都存在一个问题，就是内容堆砌太多，缺乏重点，让人抓不住方向，尤其是在面对高考这种时间紧迫的考试时，效率至关重要。但这本书给我的初步印象是“精准打击”。它的内容选择似乎非常贴合近几年高考的命题趋势，没有过多冗余的理论阐述，而是直接切入到核心的考点和解题技巧上。我随意翻到其中几个例题，发现它对于不同风格乐曲的分析和模仿练习有着独到的见解，它不是简单地告诉你“应该怎么做”，而是会深入剖析“为什么是这样做的”，这种层层递进的解析方式，极大地帮助我理解了作曲思维的本质。如果后续的练习题质量也能保持这种水准，相信能有效提升我的应试能力和实际创作水平，避免在考场上因为思路卡壳而浪费时间。

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我更关注的是这本书的“反馈机制”和“自我检测”环节的设计。对于一套强化训练资料来说，能否提供有效的自我评估体系至关重要。我注意到书中一些模块的末尾设计了回顾性的总结和针对性的强化练习，这些练习看起来不是随机的，而是紧密围绕前文讲解的难点展开的。更重要的是，它似乎引导读者进行深层次的反思，比如要求在完成练习后，对照标准答案分析自己的“思维盲区”在哪里，而不是仅仅关注得分的多少。这种注重过程和内在逻辑梳理的训练方式，对于长期备考非常关键，它帮助我们建立起一套系统的自我纠错和进步路径，避免了“刷题而不思考”的无效努力。

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坦白说，我是一个比较“视觉化”的学习者，对于纯文字的教材很容易产生阅读疲劳。这本书在图示和谱例的运用上做得相当出色。它没有吝啬使用大量的五线谱示例来佐证观点，而且这些谱例的排版非常清晰，即便是复杂的对位或配器法演示，也能通过清晰的标注和合理的布局被快速理解。特别是对于一些涉及结构分析的内容，如果能配上清晰的层级图或图表来梳理，学习效果会大大提升，而这本书在这方面做得相当到位，它似乎考虑到了不同学习偏好的考生需求，用直观的视觉语言来辅助抽象的音乐理论，大大降低了理解的门槛。

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