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出版者:

作者:邹润

出品人:

页数:258

译者:

出版时间:2002-5-1

价格:25.00

装帧:平装（带盘）

isbn号码:9787900355102

丛书系列:

图书标签:

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像素的魔法：2D 动画与动态图形的深度探索 简介 本书旨在带领读者深入现代数字媒体制作的核心领域，专注于二维动画、动态图形设计（Motion Graphics）的创作流程、理论基础与实战技巧。我们不拘泥于特定软件的界面操作，而是将焦点放在“如何思考”以及“如何实现创意”之上，培养读者作为动画师和视觉设计师的底层能力。 全书分为四大板块，层层递进，从基础概念的构建到复杂项目的完成，确保读者建立起一套完整、实用的知识体系。 第一部分：动画原理与视觉叙事基础（The Core Principles） 本部分是理解所有动态媒体的基础，它超越了任何工具的限制，关注动画的本质——运动的规律和情感的传达。 第一章：运动的科学与艺术 我们将深入探讨动画制作的十二项基本原则（The 12 Principles of Animation），但这不仅仅是理论的罗列。我们将结合实例，剖析“挤压与拉伸”（Squash and Stretch）如何赋予物体重量感和弹性；“提前动作”（Anticipation）如何为观众的预期做铺垫；以及“时机与间距”（Timing and Spacing）如何决定一段动作是流畅自然还是生硬刻板。重点分析节奏感在不同媒介中的运用，例如，在快速剪辑的广告片中如何运用延迟（Slow In/Slow Out）制造戏剧性转折。 第二章：视觉语言与叙事结构 动画是视觉叙事的一种强大形式。本章聚焦于如何用动态图像讲故事。内容涵盖：镜头语言在动画中的应用（如运镜、景深模拟）、色彩心理学在角色设计与场景氛围营造中的作用。我们将详细拆解“故事板”（Storyboard）的绘制技巧，强调故事板不仅仅是分镜草图，更是节奏和时间轴的预演。此外，本章还将探讨动态图形与传统叙事动画在信息密度和信息传达效率上的区别与融合。 第三章：角色生命力：从概念到动态 一个成功的动画角色，即使静止不动，也应具有内在的“生命力”。本章侧重于角色设计中的动态潜力挖掘。探讨如何通过肢体语言（Body Language）和面部表情（Facial Expressions）来准确传达角色的性格和情绪。我们将讨论如何为不同风格的角色（如卡通、写实、几何化）设计一套符合其物理特性的运动模式。 第二部分：二维动画的技法精进（2D Mastery） 本部分转向实际的制作流程，重点关注传统二维动画流程在现代工作流中的数字化转型与强化。 第四章：勾线与造型：矢量与位图的和谐 深入探讨二维动画的两种主要表现形式：基于位图（Bitmap）的传统手绘感风格，以及基于矢量（Vector）的清晰、可伸缩的图形风格。本章将分析如何利用矢量工具的精度来优化关键帧的描绘，以及如何通过位图笔刷的纹理叠加来增加画面的质感与深度。探讨在数字环境中如何高效管理图层、色彩库和元件库，确保项目的高效迭代。 第五章：关键帧与中间画的艺术 这是动画制作的核心技术环节。我们不教授软件按钮，而是深入解析“In-betweening”（中间画）的艺术性。探讨如何根据动作的复杂度和所需的物理精度，精确地设定关键帧的密度。分析曲线编辑器（Graph Editor）的运用，如何通过控制速度曲线而非仅仅调整位置点，来雕琢出更富弹性和重量感的运动轨迹。本章包含大量关于角色运动循环（Walk Cycles, Run Cycles）的精确数学分解与艺术化处理的案例。 第六章：镜头运动与三维空间感模拟 即使是二维动画，也需要模拟三维空间。本章讲解如何通过视差（Parallax）、缩放（Scaling）、旋转与倾斜（Skewing）等手法，在平面上制造出景深和运动的冲击力。重点分析“平移镜头”（Panning）和“推拉镜头”（Dolly/Zoom）在二维环境下的最佳实现策略，确保画面在动态过程中保持稳定性和空间逻辑。 第三部分：动态图形的效率与美学（Motion Graphics Workflow） 动态图形作为商业传播和信息可视化的主流工具，强调信息的高效传达和快速视觉冲击力。 第七章：信息流与抽象表达 动态图形的核心在于将抽象概念转化为可理解的视觉序列。本章探讨信息可视化中的动效设计。内容涉及：如何用形变（Morphing）来展示概念的演变；如何利用模块化元素（如几何图形、图标）进行快速重组和动画处理；以及如何在有限时间内（如5秒片头）最大化信息的视觉负载和记忆点。 第八章：文字动画：排版即运动 文字是动态图形中最常用的元素。本章教授的不是打字效果，而是“排版动力学”（Kinetic Typography）。深入分析字母、单词和句子的运动如何强化句子的情感意义。从基础的遮罩（Masking）运动到复杂的文本路径跟随和三维文本的模拟处理，重点在于找到字体本身的形态美感与运动规律的结合点。 第九章：高效工作流与项目管理 动态图形项目往往时间紧迫。本部分教授如何构建一个可复用、易于修改的工作流程。包括：使用“合成”（Compositing）技术进行元素分离与后期调整；参数化控制的设计思路，确保修改需求能够快速反馈到动画上；以及版本控制和文件结构的最佳实践，以应对多人协作或客户的反复修改。 第四部分：声音、集成与后期打磨（Sound and Polish） 动画的完成度往往由声音和细节决定。本部分关注运动的最终润饰和整体视听体验的构建。 第十章：声音的驱动力：同步与情感反馈 声音不仅仅是背景音乐。本章强调“音效驱动动画”（Sound-Driven Animation）。分析如何利用脚步声、碰撞声、呼吸声等拟音（Foley）来反向指导关键帧的精确位置，使动作更具重量和真实感。探讨音乐的节拍如何影响动画的整体节奏，以及如何在无对白场景中仅依靠音效来推动叙事。 第十一章：合成与光影的魔法 本章专注于“打光”和“镜头感”的最终实现。即使是平面化的二维作品，也需要光影的辅助来营造深度和氛围。学习如何使用图层混合模式（Blending Modes）来模拟环境光、反射光和阴影。探讨在后期阶段如何增加胶片颗粒感、镜头光晕（Lens Flares）等效果，使动画看起来更像是专业摄影机捕获的画面，而不是简单的图层堆叠。 第十二章：风格化与个人印记 最后，本书鼓励读者跳出模仿，形成自己的风格。分析不同动画流派（如日本动画的夸张动态、欧洲手绘的流畅线条、实验动画的抽象运动）的风格成因。指导读者如何通过有意识地偏离“标准”的十二原则，或专注于某一特定技术（如线条变化、色彩运用），来发展出具有辨识度的个人视觉语言。 总结 本书内容涵盖了从最基础的运动规律到最高效的现代制作流程，旨在培养的不是软件操作员，而是能够独立构思、设计、执行复杂动态视觉作品的创作者。通过对原理的深入理解和大量技巧的拆解，读者将能驾驭任何数字工具，将脑海中的创意转化为引人入胜的动态影像。

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这本书的理论深度和广度，远远超出了我对一本“制作指南”的预期。它不仅仅停留在操作层面的“怎么点鼠标”或者“按哪个快捷键”，而是深入剖析了动画创作背后的核心思想。我翻阅了关于时间与空间控制的章节，里面的阐述非常细腻，特别是对“缓入缓出”（Easing In and Out）的讲解，并非仅仅是罗列曲线图，而是结合了物理学和心理学原理，解释了为什么某些运动看起来更自然、更有生命力。这种根植于原理的讲解方式，让学习者能够举一反三，而不是死记硬背。我特别欣赏作者在讨论“角色重量感”那部分时，引用了大量的经典案例进行对比分析，对比了不同风格动画处理同一概念的差异，这无疑是提升审美和判断力的绝佳途径。这种深入骨髓的专业探讨，让这本书更像是一本进阶的动画理论教科书，而不是单纯的软件速成手册。对于那些渴望从“操作者”蜕变为“动画艺术家”的人来说，这无疑是一份极其宝贵的精神食粮。

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我得说，这本书在案例选择上的独到眼光简直是教科书级别的示范。它没有选择那些过于简单或者陈旧的示例，而是挑选了一系列极具代表性和挑战性的项目来贯穿整个教程。比如，关于“复杂流体模拟”的那一节，其演示的步骤之精细，细节之丰富，让我这个略懂皮毛的人都感到震撼。作者似乎把每一个关键帧的处理都进行了像素级的分解，告诉你为什么在这个时间点需要加速，为什么那个物体需要轻微的抖动来增加真实感。更绝妙的是，书中还穿插了一些“陷阱与解决方案”的提示框，直接点明了初学者最容易犯的错误，并提供了即时修正的方案。这极大地提高了学习效率，避免了我们走弯路。我感觉自己不是在看别人的操作流程，而是在一个经验丰富的导师身边，看着他一步步解决实际项目中遇到的棘手难题，这种沉浸式的学习体验是其他资料难以比拟的。

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哇，这本书的装帧设计真是让人眼前一亮！封面那鲜艳的色彩搭配和充满动感的字体，一下子就把我的注意力抓住了。我拿到手的时候，首先就是迫不及待地翻阅了目录，从排版上看，内容组织得相当有条理，从基础概念的讲解到高级技巧的演示，似乎都有一个非常清晰的学习路径规划。特别是章节标题的拟定，既专业又不失趣味性，感觉作者在内容编排上花了不少心思，力求让读者在阅读过程中保持持续的兴趣。光是看章节介绍，我就能想象出里面详细图文并茂的步骤解析，对于初学者来说，这种手把手的引导简直是福音。那些似乎涵盖了从二维动画基础理论到复杂运动规律的章节，听起来就让人对最终能达成的效果充满期待。我对其中关于“动态视错觉原理在角色动画中的应用”那一节特别好奇，希望它能揭示一些业界秘而不宣的小窍门。总而言之，这本书的“面子”做得非常成功，它成功地传达出一种专业、实用且易于上手的学习氛围，让人从视觉上就对接下来的学习旅程充满了信心和期待。

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这本书的附带资源和后续支持系统，更是体现了作者和出版方的诚意。我注意到书中多次提及特定的项目文件下载地址，并且明确说明了这些文件是与书中的章节完全对应的，这意味着读者可以即时对照练习，亲手操作书中的每一个技巧。更重要的是，从内容中透露出的那种鼓励读者探索和创新的精神，远超出了单纯的技能传授。作者在结尾部分对未来动画技术发展趋势的展望，以及如何利用现有工具去突破传统限制的思考，激发了我对未来创作的无限想象。这本书不仅仅是教你如何使用一个工具，它更像是一份启动你创造力的宣言。它促使你思考“我能用这些工具做出什么别人没做过的东西？”而不是仅仅模仿书中的范例。这种对读者长期发展的关怀，才是它最宝贵的价值所在。

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这本书的语言风格出乎意料地平易近人，完全没有传统技术手册那种生硬和晦涩感。作者的文字像一位老朋友在耐心地和你聊天，讲解那些原本可能令人望而生畏的技术术语。他擅长用生活化的比喻来解释复杂的数学原理，比如，他将关键帧的插值运算比喻成画家在两点之间勾勒色彩过渡，这一下子就让抽象的概念变得具体可感了。即便是涉及到脚本编程或特定插件的使用时，作者也保持了极大的克制和清晰度，保证非编程背景的读者也能理解其背后的逻辑。此外，书中的排版布局也非常人性化，重要知识点用粗体或不同颜色的方框突出显示，阅读起来节奏感很强，不会让人因为信息量过载而感到疲劳。这种既专业又充满人情味的叙事方式，极大地降低了学习新技术带来的心理门槛，让人忍不住想一口气读完。

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