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出版者:第1版 (2005年1月1日)

作者:上海盛大新华网络发展公司

出品人:

页数:137

译者:

出版时间:2005-1

价格:37.0

装帧:平装

isbn号码:9787508425566

丛书系列:

图书标签:

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《东方意境：古风插画技法与审美解析》 序言 在浩瀚的中华文化长河中，古风插画以其独特的东方韵味和写意情境，吸引着无数艺术爱好者与创作者。它不仅仅是对历史元素的复刻，更是对传统美学精神的传承与创新。本书《东方意境：古风插画技法与审美解析》正是源于对这种美学的深深热爱与探索，旨在为读者提供一个全面、深入的学习平台，带领大家领略古风插画的魅力，掌握其核心技法，并理解其背后蕴含的东方审美理念。 本书并非一本单纯的技法堆砌手册，而是一次对古风插画灵魂的探寻。我们相信，真正优秀的古风插画，既要有扎实的绘画功底，更要有对文化、历史、意境的深刻理解。因此，本书将理论与实践相结合，从基础的色彩运用、线条勾勒，到复杂的场景构建、人物情感表达，再到更深层次的意境营造与文化解读，层层深入，力求为读者勾勒出古风插画的完整图景。 我们希望通过本书，能够激发读者心中对东方美学的共鸣，让他们在挥洒笔墨的同时，也能感受到中国传统文化的博大精深。无论您是初学者，渴望入门古风插画的世界；还是有一定基础的画师，希望进一步提升自己的创作水平；亦或是对古风文化充满兴趣的爱好者，想要更深入地了解其视觉呈现方式，本书都将是您值得信赖的伙伴。 让我们一起，穿越时空，沉浸于水墨丹青的诗意世界，用画笔描绘出属于我们心中的东方意境。 第一章：古风的灵魂——东方美学溯源 古风插画之所以能够触动人心，其根本在于它深深植根于中国传统的东方美学之中。本章将带领读者一同溯源，探寻古风插画赖以生存的审美基因。 “天人合一”的宇宙观与绘画哲学： 中国传统哲学强调人与自然的和谐统一。在绘画中，这体现为对自然景物的观察与感悟，并将其融入画面，达到“虽由人作，宛自天开”的境界。我们将分析古画中“留白”的智慧，理解它如何营造空间感与意境，以及如何在插画创作中借鉴这种“虚实相生”的哲学思想。 写意与写实的辩证统一： 与西方绘画强调精准写实不同，中国画更注重“写意”，即通过寥寥数笔勾勒出事物的神韵与精神。本章将探讨写意精神在古风插画中的体现，例如人物的眼神、姿态所传达的情绪，景物的氛围感营造等。同时，也会讨论如何在借鉴写意的同时，保持一定的细节表现力，使画面既有韵味又不失可读性。 色彩的东方智慧： 中国传统色彩体系有着其独特的哲学内涵。例如，五色观（青、赤、黄、白、黑）与五行、五方、五季的关联，以及色彩在不同朝代、不同场合的象征意义。本章将深入解析这些色彩理论，并指导读者如何在古风插画中运用色彩来传达情感、烘托气氛、表现人物身份与性格，例如青色代表春、东方、木，多用于表现生机与希望；红色象征夏、南方、火，常用于表现热情、喜庆与权力。 线条的生命力与韵律感： 在中国传统绘画中，线条被赋予了独立的生命力。书法艺术的影响，使得线条的粗细、轻重、顿挫都充满了变化与情感。本章将分析不同类型的线条（如“十八描”）在勾勒人物、衣纹、山石、树木时的表现力，并指导读者如何通过对线条的精准掌控，赋予画面灵动与力量。 意境的营造——“境由心生”： 意境是中国艺术审美中的核心概念。它指的是景物与情感的交融，通过对外在景物的描绘，引发内在的情感共鸣。本章将通过大量实例，分析古画中如何通过山水、花鸟、人物的组合来营造出不同的意境，如孤寂、宁静、豪迈、哀愁等，并讲解如何在插画中运用构图、光影、色彩、元素搭配等手法，来创造出富有感染力的古风意境。 第二章：笔尖下的古韵——古风插画核心技法解析 在理解了东方美学的基础后，本章将着重于古风插画的具体绘画技法，从基础到进阶，逐一破解。 基础的线条与造型： 人物骨骼与动态速写： 强调人物动态的流畅性与准确性，如何捕捉人物的瞬间姿态，以及为后续的精细绘制打下基础。 五官的东方神韵： 探讨古风人物五官的特点，如柳叶眉、丹凤眼、樱桃小嘴等，以及如何通过对眼神、表情的刻画，传达人物的内心世界。 发髻与头饰的细节描绘： 古风发髻与头饰是展现人物身份、性格的重要元素。本章将详细讲解不同朝代的典型发髻样式，以及如何绘制逼真且富有装饰感的发饰。 服饰的华美与肌理： 汉服、唐装、宋裙的形制与特点： 深入剖析不同朝代代表性服饰的剪裁、结构、纹样，以及它们所蕴含的文化意义。 衣纹的表现： 如何通过线条的疏密、曲直、转折，表现衣物的垂坠感、飘逸感，以及人物肢体运动产生的褶皱。 材质的模拟： 丝绸、锦缎、麻布等不同材质的视觉表现，如何通过笔触、色彩、光影来模拟其独特的质感。 场景的构建与氛围渲染： 山水意境的再现： 如何借鉴中国山水画的构图原则，描绘出具有东方韵味的自然景观，如云雾缭绕的山峦、曲折的溪流、形态各异的古树。 古典建筑的绘制： 亭台楼阁、宫殿庙宇的结构特点、装饰细节，以及如何通过透视与构图，使其在画面中显得宏伟壮观或幽静雅致。 室内陈设与道具： 古典家具、文房四宝、乐器、兵器等元素的写实描绘，以及它们如何丰富场景，烘托故事氛围。 色彩的运用与光影表现： 古风色彩搭配指南： 讲解经典的古风配色方案，如“水墨青蓝”、“朱红金黄”、“素雅淡金”等，以及如何根据主题与情感选择合适的色彩。 光影的东方化处理： 探讨古风插画中光影的特点，如“明暗对比柔和”、“受光面与背光面的色彩倾向”等，如何利用光影来塑造体积感、营造神秘感与戏剧性。 笔触与纹理的技巧： 水墨晕染效果的模拟： 如何运用数字绘画软件的笔刷与图层，模拟水墨的写意感与晕染效果。 肌理与细节的添加： 如何通过叠加纹理、绘制细碎笔触，增加画面的质感与丰富度。 第三章：故事的低语——古风插画的情感与叙事 优秀的古风插画不仅仅是美的呈现，更是情感的传递与故事的讲述。本章将探讨如何通过画面，让观者产生共鸣。 情绪的捕捉与表达： 人物情感的刻画： 如何通过眼神、微表情、肢体语言，表现人物的喜怒哀乐、思念、忧伤、坚毅等复杂情感。 氛围的营造： 如何通过色彩、光影、天气（如细雨、落叶、漫天飞雪）等元素，烘托出画面的整体情绪，如凄美、浪漫、悲壮、祥和。 叙事性的构图： 故事时间点的选择： 如何在静态的画面中，暗示一个故事的发生、发展或高潮。 视线引导与焦点处理： 如何利用构图元素，引导观者的视线，突出故事的重点。 留白与想象空间： 讲解如何通过留白，给观者留下想象的空间，让故事更加引人入胜。 文化元素的巧妙运用： 符号与象征： 龙、凤、祥云、莲花等传统文化符号的含义与运用，以及它们如何在画面中起到点睛之笔的作用。 传说与典故的视觉化： 如何将历史传说、文学典故中的情节，通过画面进行生动演绎。 传统纹样的设计与应用： 介绍回纹、缠枝莲、海水江崖等经典纹样，并指导读者如何将其融入人物服饰、场景装饰中。 不同题材的古风插画创作： 武侠江湖： 描绘侠骨柔情，刀光剑影，山川河流间的快意恩仇。 神话仙侠： 展现飘渺的仙境，神秘的神明，人与妖、仙的爱恨纠葛。 宫廷权谋： 刻画华丽的宫廷，暗流涌动的权力斗争，人物内心的挣扎与权衡。 文人雅士： 描绘琴棋书画，诗词歌赋，高洁脱俗的文人情怀。 民间传说： 展现充满生活气息的市井风情，或感人至深的民间故事。 第四章：数字时代的古韵新生——古风插画的创作流程与工具 在现代数字绘画技术的加持下，古风插画焕发出了新的生命力。本章将介绍数字绘画的创作流程与常用工具。 软件选择与基础设置： Photoshop, Clip Studio Paint, Procreate等主流绘画软件介绍： 各软件的特点与优势对比。 自定义笔刷的制作与运用： 如何制作具有水墨质感、毛笔笔触的自定义笔刷，以及如何运用它们来模仿传统绘画的笔触。 数字绘画的创作流程： 草图与构思： 数字草图的绘制技巧，快速推敲构图与造型。 线稿绘制： 如何在数字环境下绘制清晰、富有表现力的线稿。 色彩铺陈与叠加： 数字色彩的混合、叠加与调整，如何营造丰富的色彩层次。 光影与细节刻画： 数字绘画在光影表现、细节添加方面的优势。 后期调整与导出： 色彩校正、锐化、输出等后期处理步骤。 材质与纹理的数字模拟： 利用素材与笔刷模拟布料、金属、木材等材质。 添加纸张纹理、墨迹纹理，增强画面的传统感。 效率提升的小技巧： 图层管理与编组： 有效管理图层，提高工作效率。 动作与脚本的应用： 自动化重复性操作。 参考图的合理运用。 第五章：融汇与创新——古风插画的未来发展 在传承与技法之外，我们更应着眼于古风插画的未来。本章将探讨古风插画的创新方向与发展趋势。 跨文化融合的探索： 如何将古风元素与其他文化背景的艺术风格相结合，产生新的视觉语言。 表现形式的多样化： 除了平面插画，还可以尝试动态漫画、短视频、AR/VR等形式，让古风插画更具活力。 AI辅助创作的思考： 如何在AI时代，保持原创性与艺术性，并利用AI作为辅助工具，拓展创作边界。 个人风格的建立与市场定位： 如何在技法熟练的基础上，形成自己独特的艺术风格，并找到适合自己的市场定位。 结语 《东方意境：古风插画技法与审美解析》的完成，是我们对中华优秀传统文化艺术的一次致敬，也是对古风插画爱好者的一次诚挚邀约。我们希望这本书能成为您探索古风插画世界的灯塔，指引您在艺术的道路上不断前行。请记住，技法是工具，而审美与文化是灵魂。愿您在挥洒笔墨之间，不仅能创作出令人赞叹的画面，更能体悟到中国传统文化的博大精深，并在此基础上，开创出属于自己的，独一无二的东方意境。

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从整体气质上来说，这本书传递出一种非常成熟、沉稳的工业美学，它似乎在强调“设计是为游戏体验服务的，而非单纯的艺术炫技”。我发现收录的作品中，很少有那种为了哗众取宠而存在的过度夸张的元素，所有的夸张和变形都服务于角色的功能性或故事的清晰度。特别是在盔甲和武器的设计部分，你能清晰地看到设计师是如何平衡“视觉冲击力”与“可穿戴性”的矛盾。那些复杂的机械结构，不仅看起来很酷，而且在视觉上能推导出合理的受力点和运动轴线。这种严谨性在很多同类作品中是缺失的，很多画册里的设计，你一看就知道根本无法实际穿戴或使用。这本书则展现了游戏原画设计作为一门应用艺术所必需的工程学思维。它引导我们思考，一个设计方案从概念到最终模型，中间需要解决的技术障碍是什么，这对于培养我们设计时的前瞻性和实用性思维，起到了至关重要的作用，可以说是概念设计师的“实战指南”。

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初次翻开这本书时，我原本是抱着一种“看看热门游戏都有哪些美术风格”的功利心，但很快就被其中对角色动态捕捉的犀利所吸引住了。很多作品中的人物动作，不仅仅是摆拍式的静态展示，而是充满了叙事性的张力，仿佛下一秒角色就要跃出纸面，投入到一场激烈的战斗或一场深情的对白中去。最让我震撼的是几组面部特写，那眼神中的微表情处理得极其细腻，即便是只有寥寥几笔的勾勒，也把角色的性格和当时的心理状态刻画得入木三分。我尤其留意了他们对“情绪光”的运用，那种光线往往不是来自光源，而是从角色自身的气场中散发出来的，极大地增强了戏剧冲突感。书中收录的草图和线稿部分，更是暴露了设计师的思考路径，从最初略显粗糙的几何形体尝试，到最终定稿的流畅曲线，这个过程的展示对于提升个人造型能力至关重要。相比于那些过度修饰的最终效果图，这些未打磨的初期概念稿，反而更能体现出设计师扎实的造型功底和对人体结构的深刻理解，是学习“如何思考如何设计”的绝佳范本，而不是仅仅模仿最终的成品。

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我是一个对材质表现有近乎偏执追求的人，而这本书中对于不同“材料感”的呈现，彻底满足了我的好奇心。无论是金属的冰冷光泽、皮革的粗粝纹理、还是魔法晶体的半透明折射效果，都处理得细致入微。我花了好长时间去研究那几张“损毁的古代遗迹”的概念图，那些石头上的风化痕迹、青苔的生长方向，甚至金属表面被腐蚀后那种斑驳的锈迹，都具有极强的说服力。这背后一定包含了设计师对物理光学和材料科学的深入研究，而不是凭空想象。书中甚至收录了一些关于“破坏与重建”的主题探讨，展示了设计师如何通过细节的添加和移除来讲述一个场景的历史深度。对我来说，这本书最大的贡献在于，它教导我们不要只关注“画什么”，更要关注“它是什么材质的”，以及“它如何随着时间发生变化”。这种对真实世界逻辑的尊重和细致入微的观察，是所有顶级概念设计的基础，这本书对此做了完美的诠释。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑排版思路，真的可以称得上是“教科书级别”的逻辑构建。它没有采用简单的时间线或项目线来串联所有作品，而是非常有目的地将风格相近、技术侧重不同的设计分门别类地放置在一起，形成一种对比和映照的效果。例如，在一个章节专门探讨“硬核机械设计”时，它会紧接着安排一个“有机生物造型”的章节，这种跳跃性的对比，反而能让读者清晰地意识到设计师在不同领域之间是如何切换思维模式和造型语言的。我注意到，很多作品旁边的设计说明文字不多，但措辞都极其精炼，没有一句废话，直击设计难点和解决方案。这表明了这本书的受众定位非常明确，它面向的是已经具备一定基础，需要进一步突破瓶颈的进阶学习者。相比市面上那些只堆砌炫酷图片的画册，这本书更像是一份内部培训资料，它的价值在于对设计流程和决策过程的展示，而不是仅仅停留在视觉冲击上，这点对于那些想进入行业的人来说，是无价之宝。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面那烫金的标题字体选择到内页纸张的触感，都透露出一种对艺术品应有的尊重。我特别喜欢它在排版上的克制与大胆并存，有些页面的留白极大，仿佛让每一幅作品都有了自己的呼吸空间，让观者的目光能够沉静下来，去细细品味那些笔触中蕴含的情感和技法。比如其中关于环境概念图的部分，色彩的层次感处理得极为精妙，从幽暗的森林到宏伟的未来都市，那种光影的运用简直是教科书级别的演示。我甚至能感觉到作者在构思这些场景时所投入的巨大心力，不仅仅是技术上的精湛，更是对世界观构建的深刻理解。特别是几张历史题材的场景设计，那种厚重感和年代感的还原度，让人仿佛穿越回了那个时代，这不仅仅是“画得好”，更是“讲得好”的故事。这本书的纸张质量也让人印象深刻，即便是印刷最复杂的细节，色彩的还原度也极高，没有出现任何偏色或模糊的现象，这对于研究色彩理论和材质表现的同行来说，无疑是一份极其宝贵的资料。我甚至将它放在书架最显眼的位置，每次翻阅都能带来新的启发，它更像是一本设计师的“灵感手册”，而不是简单的作品集。

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无法欣赏。

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有些concepts总结的很好，学习学习 >.<

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在那个时候还不错

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