树(3)/中国历代名家绘画撷珍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:齐林

出品人:

页数:90

译者:

出版时间:1999-7-1

价格:18.50

装帧:精装(无盘)

isbn号码:9787530510698

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 树
• 绘本
• 水墨水彩
• 植物绘画赏析
• 天津人民美术出版社
• 1999
• 中国绘画
• 历代绘画
• 绘画作品
• 艺术史
• 艺术
• 名家画作
• 绘画撷珍
• 树
• 中国艺术
• 文化艺术

览尽中华丹青妙手：中国古代书画艺术的璀璨画卷 本书旨在为读者呈现一部系统而精深的中国古代书画艺术通史，深入剖析自远古洪荒至近现代萌芽阶段的各个重要历史时期，那些奠定中华文明审美基石的绘画与书法杰作。我们摒弃面面俱到的罗列，而是聚焦于艺术风格的演变脉络、核心美学思想的承载，以及关键艺术家的独特贡献及其时代背景下的文化意义。 第一卷：肇始与奠基——史前至魏晋南北朝的艺术萌芽与精神内核的构建 本卷伊始，我们将追溯至新石器时代的岩画与陶器纹饰，探寻人类早期对自然摹写与符号表达的渴望。随后，重点聚焦于汉代画像石、画像砖中的世俗叙事与谶纬思想的视觉化呈现。汉代的绘画已显露出叙事性布局的雏形，气势恢宏，为后世的壁画艺术打下了坚实的基础。 进入魏晋南北朝，这是中国艺术史上一个至关重要的转折点。佛教艺术的传入，极大地丰富了绘画的表现手法与题材，尤其在敦煌莫高窟等地的壁画中，我们可以清晰地看到犍陀罗艺术与本土审美的融合过程。更重要的是，随着“士人”阶层的崛起，艺术的审美价值开始从单纯的宗教教化或政治宣传，转向对个体精神世界的关注。 谢赫“六法”的提出，标志着中国绘画理论体系的初步确立。我们详细探讨“气韵生动”的内涵，它并非仅仅是描摹技巧的娴熟，更是艺术家主体精神与客体物象高度契合的哲学表达。顾恺之的《洛神赋图》以其“传神写照”的笔法，成为这一时期人物画的典范，其线条的流动性与人物的内心刻画，开创了文人画的先声。书法方面，钟繇、王羲之将汉隶的古拙转化为魏晋风度的飘逸与遒劲，楷书、行书的体势逐渐成熟，确立了后世书法的基本规范。 第二卷：盛世气象与文人自觉——隋唐五代的高峰与转型 隋唐五代，国力鼎盛，文化兼容并蓄，艺术达到了前所未有的繁荣。 唐代绘画呈现出多重并进的格局。宫廷画院体制的完善，使得青绿山水、界画等技法精进到极致，如李思训、李昭道的金碧山水，气势雄伟，富丽堂皇，是盛唐气象的直接写照。人物画方面，吴道子被誉为“画圣”，其“吴带当风”的线条，展现了极高的写实功力和浪漫主义精神。 与此同时，山水画的独立意识开始觉醒。受道家思想影响，山水画开始承载更深层次的哲学思考。五代时期，荆浩、关仝、董源等人的出现，标志着北方“雄阔”与南方“温润”两种山水画派的风格雏形已经确立，他们不再满足于作为背景的点缀，而是开始将自然视为表达胸臆的载体。 唐代书法，承袭魏晋之风，更显端庄大气。欧阳询的险劲、虞世南的温润、褚遂良的妍美，以及颜真卿开创的浑厚博大、气象万千的“颜体”，都奠定了楷书的典范。而张旭、怀素的草书，则将书法的表现力推向了极致，笔墨的飞动与书家的情绪宣泄达到了前所未有的高度统一。 第三卷：理学与意境——宋代绘画的巅峰与审美转向 宋代是中国古典艺术最为精微、理性化的一个阶段。理学的兴盛，要求艺术在追求极致技巧的同时，必须融入深刻的哲理和内敛的情感。 宋代绘画的成就主要体现在山水、花鸟和院体画上。院体画强调法度谨严，技法精湛，追求“格物致知”的科学精神，如宋徽宗的“瘦骨清像”画风，对细节的捕捉达到了令人惊叹的地步。山水画方面，范宽的《溪山行旅图》以其“咫尺千里”的构图和雄伟的笔墨，确立了北方山水的圭臬。而南宋的马远、夏圭，则通过“边角式”构图和“一角半边”的取景，将山水意境引向了空灵、简约的禅宗境界。 花鸟画在宋代也达到了技法上的成熟，强调写生的精确与精神气质的捕捉，对后世文人画中对自然细微之处的体察产生了深远影响。 宋代书法呈现出多样化的发展。苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”的出现，标志着书法艺术开始彻底摆脱对唐代法度的绝对依从，转而强调个性和意趣。苏轼的丰腴平拙、黄庭坚的瘦硬直挺、米芾的潇洒跌宕，都体现了文人书写情感的自觉性。 第四卷：尚意与写实——元明清的文人主导与复古思潮 元代，在异族统治之下，汉族文人将艺术的重心彻底转向内在的精神表达，“文人画”成为主流。 元代书画的代表人物“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）将山水画推向了“尚意”的极致。倪瓒的萧疏简淡，表达了遗民的清高与孤寂；黄公望的笔墨则趋向浑厚自然，注重笔墨自身的趣味。书法上，赵孟頫提倡“复古”，强调晋唐风韵，对后世影响巨大。 明清时期，艺术思潮进入一个复杂的回溯与创新阶段。明代早期，以“吴门画派”为代表的文人画风继续发展，沈周、文徵明的绘画，继承了元代的笔墨传统，并加以精细化处理。晚期，董其昌提倡“南北宗论”，试图构建一个理论框架来评价和梳理前代艺术史，其自身的“墨戏”也对清初产生了关键性影响。 清代，随着宫廷画院的恢复，宫廷写实画风（如金陵画派）与文人写意画（如“四王”）并驾齐驱。陈淳、徐渭等人的写意精神，在清初得到了继承与发扬。 结语：永恒的对话 本书的宗旨在于展现中国书画艺术的演进，不仅是线条与色彩的组合，更是不同历史时期士人阶层对“真、善、美”的终极探求。通过对这些经典作品的深入解读，读者将能够领略到中华文明独有的审美体系与哲学深度。每一次笔墨的落定，都凝聚着千年的文化积淀与艺术家的独特生命体验，构成了一部波澜壮阔的东方艺术史诗。

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作为一名热衷于艺术史的读者，我关注的重点往往在于不同画派之间风格的演变和继承关系。这套书的编排在这一点上做得尤为出色，它没有按简单的年代顺序堆砌，而是似乎在某种内在的逻辑下进行组织。当我对比观看不同朝代画家处理同一题材（比如竹子或松树）的手法时，那种时代精神的差异和技法上的传承与创新就变得异常清晰可见。比如，能明显感受到早期作品的古拙与内敛，如何逐渐过渡到后期那种更加奔放和个人化的表达。这种并置和对比，极大地丰富了我对“中国绘画史”的理解，不再是书本上抽象的文字描述，而是具象的、可供比较的视觉证据。这种策展式的编排，让学习和欣赏变得充满探索的乐趣。

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说实话，我刚开始拿到这本厚重的画册时，有些担心它会不会过于学术化，让一个非专业人士难以亲近。但事实证明，我的顾虑是多余的。编者在选取和呈现这些“名家撷珍”时，显然是花了大心思去平衡学术性与大众可读性的。每幅画作旁附带的简短介绍虽然精炼，却能精准地切入该作品的历史背景或艺术特点，不会长篇大论地堆砌术语，让人在欣赏之余，也能轻松地建立起知识框架。对于我这样的爱好者来说，这无疑是极大的福音。它提供了一个绝佳的平台，让我们能够系统地、近距离地接触到历代大家那些平时只能在博物馆隔着玻璃仰望的作品。它就像一位耐心的向导，带着我们走进了中国艺术长廊的精华区域。

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这套书的装帧设计简直是视觉的盛宴，每一页都透着一股扑面而来的历史厚重感。从纸张的选择到印刷的精细程度，都体现出了出版方对艺术品的尊重。我特别喜欢那种略带粗粝感的纸面，它让那些古代大师笔下的线条和墨韵仿佛能从纸上跃然而出，触摸到了那个时代的呼吸。特别是那些大幅面的作品，展开时那种铺陈开来的气势，让人瞬间感觉自己仿佛穿越回了画作创作的年代，站在大师的案前观摩。色彩的还原度也做得极为出色，即便是那些需要细致辨别的赭石、藤黄或是石青，都保持了原作应有的那种温润与沉静。这本书的装帧不仅仅是保护画作的载体，更像是一个精心打造的艺术品本身，收藏价值极高，光是摆在书架上，就觉得整个书房的格调都提升了好几个档次。每一次翻阅，都是一次对古代工艺美学的致敬。

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我一直对中国传统绘画中“气韵生动”的意境深感着迷，而这本画册恰好精准地捕捉到了这种精髓。阅读体验上，它不像有些图录那样只是冰冷地罗列图像，而是通过精心的编排和排版，引导读者去体会不同地域、不同时期画家的创作心境。比如，有些山水画作的布局，你会清晰地看到画家如何运用“计白当黑”的哲学思想来营造空间感和虚实相生的韵味，那种留白的处理，比画满笔墨更让人回味无穷。还有那些人物画，眼神的刻画，衣褶的转折，无不透露着画家对人性的深刻洞察。我甚至能想象出当年画家是如何运腕使转，笔锋在宣纸上留下沙沙的声响。这本书无疑是最好的“无声教师”，它用最直观的方式，向我们展示了什么是真正的“以形写神”。

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从纯粹的“拥有”角度来看，这本书的纸张厚度和装订工艺，保证了它能够经受住反复翻阅的考验。艺术书籍的生命力在于被经常审视和把玩，廉价的影印品很快就会在拉伸和光照下显出疲态。而这本画册，即便是那些工笔重彩的细节，在多次展开后依然能保持画面的平整和色彩的鲜活。我尤其喜欢它对细节的放大处理，有些地方甚至能清晰地看到古代画家用笔的力度和细微的皴擦痕迹，这对于研究笔墨语言的读者来说，简直是宝贵的资料。它成功地弥合了“原作在遥远博物馆”与“读者在案头研习”之间的鸿沟，让艺术的能量得以在日常生活中持续流动，这才是真正优秀艺术出版物的价值所在。

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树果然很难画啊~~~

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