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出版者:上海社会科学院出版社

作者:卢建华

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-02-01

价格:15.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806813713

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《世界音乐史纲要》 作者： [此处填写作者姓名，例如：张伟/李芳] 出版社： [此处填写出版社名称，例如：人民音乐出版社/高等教育出版社] ISBN： [此处填写ISBN号] --- 内容提要 《世界音乐史纲要》是一部系统梳理和深入剖析世界音乐发展脉络的学术专著。本书旨在为音乐学专业学生、研究人员以及对世界音乐文化抱有浓厚兴趣的读者，提供一个宏大而精微的视角，去理解不同文明中音乐的诞生、演变、功能及其社会文化意涵。 本书采取编年体与专题研究相结合的叙事结构，将漫长的人类音乐历史划分为若干关键阶段，辅以对特定音乐体系、风格流派和重要人物的深度挖掘。内容涵盖了从史前音乐的起源探索，到古代文明（如美索不达米亚、古埃及、古希腊、古罗马）的音乐实践与理论构建；从中世纪的宗教音乐主导地位，到文艺复兴时期的人文主义复苏与复调艺术的成熟；再到巴洛克、古典主义、浪漫主义直至20世纪初的西方音乐主旋律。 尤为重要的是，本书并未将视野局限于欧洲中心主义的叙事框架内，而是给予非西方传统音乐体系同等的学术重视。我们系统地介绍了亚洲、非洲、美洲及大洋洲的本土音乐传统，包括印度古典音乐的拉格体系、印尼甘美兰音乐的复杂结构、中东地区的阿拉伯-波斯音乐调式、非洲部落音乐的社会功能以及美洲原住民音乐的仪式性。 本书的特点在于理论与实例的紧密结合。在介绍特定历史时期的音乐特征时，我们不仅会分析其形式结构（如曲式、和声、配器），还会考察其背后的哲学思想、宗教信仰、社会制度以及技术革新（如乐器制造、记谱法的进步）对音乐发展所起到的驱动作用。例如，在讨论巴洛克音乐时，本书详述了数字低音的生成机制及其对情感表达的拓展；在论及20世纪的音乐实验时，则深入解析了十二音体系、偶然音乐以及电子音乐的出现如何彻底颠覆了传统的音乐本体论。 核心章节结构概览： 第一部分：远古与古代的回响 史前音乐的物质遗存与人类学推测： 探讨骨笛、岩画所揭示的早期音乐活动。 美索不达米亚与近东文明的乐器与文献： 对《赫梯赞美诗》等早期文献的音乐学解读。 古希腊音乐的“和谐论”与“伦理学”： 深入探讨毕达哥拉斯学派的音程数学基础与柏拉图对音乐在城邦教育中作用的思考。 古罗马音乐的实用性与继承： 军事、娱乐与希腊传统的交融。 第二部分：中世纪与文艺复兴的信仰与人文 格里高利圣咏的规范化： 早期记谱法（纽姆谱）的发展及其对西方音乐基础的奠定。 奥尔加农到复调艺术的诞生： 巴黎圣母院乐派与世俗音乐（游吟诗人音乐）的并行发展。 文艺复兴的“众声喧哗”： 模仿技法（Imitation）的成熟、弗兰德斯乐派的辉煌以及宗教改革与反宗教改革对音乐的影响。 第三部分：巴洛克至浪漫主义的风格转型 巴洛克：情感的表达与结构的确立： 歌剧的诞生、协奏曲和奏鸣曲的定型，以及巴赫、亨德尔等大师的贡献。 古典主义：清晰、平衡与形式的典范： 维也纳古典乐派（海顿、莫扎特、贝多芬）对奏鸣曲式、交响曲结构的发展与完善。 浪漫主义：个体情感的喷发与民族意识的觉醒： 从舒伯特到马勒的音乐“文学化”趋势，以及各国民族乐派（如俄国五人组、捷克乐派）的兴起。 第四部分：20世纪的巨变与全球视野 印象主义与表现主义的审美转向： 德彪西的色彩美学与勋伯格的无调性探索。 序列主义、新古典主义与电子音乐的先声： 战后音乐的前卫实验与技术革新。 非西方音乐的田野考察与理论引入： 重点解析印度古典音乐的即兴创作特征、中国传统音乐的“雅”与“俗”的张力，以及非洲口头传统音乐的传承机制。本书尤其关注跨文化交流对当代音乐创作的启示。 结语：后现代的融合与未来的展望 本书力求以严谨的学术态度，避免对历史事件的简单罗列，而是深入挖掘不同音乐文化在特定历史语境下的生存逻辑与审美取向。通过对大量经典作品的分析示例，结合历史文献的引用，读者将能够构建一个立体、多元且具有批判性眼光的“世界音乐图景”。 --- 适用对象： 音乐学院本科及研究生、音乐史论研究者、文化人类学、艺术史相关专业师生，以及所有希望全面了解人类音乐文明演变历程的严肃阅读者。 本书特色： 1. 全球化视野： 突破传统西方音乐史的局限，纳入重要非西方音乐体系进行平行对比研究。 2. 跨学科整合： 探讨音乐与哲学、宗教、政治、社会结构间的复杂互动关系。 3. 深度案例分析： 精选关键作品和理论家，进行细致的音乐学解析。 4. 清晰的逻辑架构： 结构严谨，脉络清晰，便于读者掌握宏观历史走向。 --- （本书不包含关于当代音乐美学理论的系统阐述，不侧重于分析音乐作品的内在审美规律、美学范畴的哲学建构，以及音乐体验的主观感受与客观要素之间的关系，而是专注于音乐的历史演进与文化背景。）

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坦率地说，我曾尝试阅读一些国外引进的音乐美学译本，但往往因为翻译腔过重或理论体系的嫁接不自然而感到晦涩难懂。这部《音乐美学教程》则完全没有这个问题。它的语言流畅、自然，充满着母语的韵律感，仿佛作者就是站在我面前，用最精准、最富有感染力的词汇与我进行深入的对话。书中对音乐“意向性”的探讨尤其精彩，它巧妙地规避了西方哲学中关于“所指”与“能指”的僵硬二元对立，转而聚焦于音乐如何在听者心中“唤起”和“生成”意义。这种基于听觉实践的理论建构，极其贴合东方思维习惯，让我在理解那些复杂的现象学概念时，感到前所未有的轻松和愉悦。可以说，它不仅是一本知识书，更是一本引导心智成长的良伴。

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翻开这本书，我立刻被其严谨的学术态度和清晰的逻辑脉络所折服。它不像某些同类书籍那样，在介绍完基本概念后就陷入无休止的枝蔓分析，而是始终紧扣“美学”这一核心议题，步步为营地推进论证。特别值得称赞的是，书中对于不同美学流派观点的梳理和辨析，处理得极其得体。它并非简单地罗列“A家主张什么，B家主张什么”，而是深入剖析了这些观点背后的历史语境和社会需求。例如，对浪漫主义后期音乐情绪化倾向的批判性回顾，以及如何从中汲取营养避免陷入后现代主义的相对主义泥潭，这些辩证性的思考，对于任何一个试图建立自己美学体系的学习者来说，都是宝贵的指引。阅读此书的过程，就像进行一次高强度的学术训练，让人在不知不觉中提升了批判性思维的能力。

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这本书的装帧和排版也令人心生欢喜，这在严肃的学术著作中并不多见。每一个章节的引言都像是精心挑选的音乐片段，为接下来的理论阐述奠定了情绪基调。更让我惊喜的是，书中穿插的那些历史小故事和音乐家轶事，既没有喧宾夺主，又恰到好处地为冰冷的理论增添了人情味。我记得有一段描述肖斯塔科维奇在严酷政治环境下进行创作时的内心挣扎，作者没有做过多的道德评判，而是从“艺术自主性”与“社会责任”的张力中解读其音乐语言的复杂性，这种克制而深刻的洞察力，远超出了普通教程的范畴。读完后，我对那些耳熟能详的作品，仿佛获得了重新审视的滤镜，体会到了创作者在特定历史重压下所能达到的艺术高度。

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老实说，我一开始对“美学教程”这类书是抱有抗拒心理的，总觉得会充斥着大量空洞的术语和脱离实际的理论建构。然而，这部作品彻底颠覆了我的看法。它最成功的地方在于，它成功地搭建了一座连接古今中外各种音乐文化现象的桥梁。书中对德彪西印象主义的和声处理与中国传统五声音阶旋律逻辑的并置比较，绝非简单的文化罗列，而是深挖了不同文化背景下，人类对“和谐”与“不和谐”认知的深层差异。我印象最深的是关于“崇高感”的探讨，作者没有陷入康德式的繁复推演，而是巧妙地借用瓦格纳歌剧中的戏剧冲突来具象化这种情感体验，使得抽象概念变得触手可及，让人在阅读过程中既有思辨的快感，又有情感上的共鸣。这种融会贯通的叙事方式，极大地拓宽了我的音乐视野，让我意识到美学研究绝非孤芳自赏。

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这本《音乐美学教程》的阅读体验简直是一场智力与情感的盛宴。作者似乎有着洞察一切的眼睛，将那些原本晦涩难懂的哲学思辨和深奥的美学理论，用一种近乎诗意的语言娓娓道来。我特别欣赏书中对于“听觉经验”的剖析，它不仅仅停留在对音高、节奏、和声这些技术层面的讨论，而是深入到人类感知世界的底层逻辑中去探寻音乐之美。比如，书中对“时间性”在音乐结构中的作用的论述，读来让人拍案叫绝。它不是简单地描述音乐的线性发展，而是将其提升到现象学的高度，探讨了瞬间与永恒、期待与满足如何在听觉流逝中构建起意义的框架。那种层次感和深度，让我感觉这不是一本教科书，而更像是一部关于如何“倾听”世界的哲学导论。合上书本时，我发现自己对日常生活中任何声音的敏感度都提高了，这才是真正打动人心的教育力量。

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