具体描述
《高师专科美术教育专业必修课教材•书法》的编著者王冬龄先生系中国美术学院现代书法研究中心主任、博士生导师、中国书法家协会理事、浙江省书法家协会副主席。曾编写《书法艺术》（浙江美院出版社出版），《画人学书概述》（高等教育出版社出版）等多《高师专科美术教育专业必修课教材•书法》。1999年完成了高等艺术教育“九五”部级教材，作为中国艺术教育大系美术卷的《书法篆刻》由中国美术学院出版社出版。
近几年，王冬龄先生还负责浙江省书法教育研究会及《中小学书画》杂志社的工作，对中小学书法教育的意义颇有认识。书法作为一门优秀传统文化，又是一门容易普及的艺术活动，在中小学开设此课，教育意义很大，同时也完全符合教育部关于写字教育的文件精神。遵照教育部体育卫生与艺术教育司的统一安排，应山东美术出版社之约，王先生编写了此《高师专科美术教育专业必修课教材•书法》。
《高师专科美术教育专业必修课教材•书法》分九章，除了第九章为“初中书法教育”外，其余八章均为书法中各种书体的基础知识和范本临习提要、书法创作等。当然使用此教材也可以有所侧重，突出重点，如真草篆隶行五体书体的课程安排，不一定均等一致，其中楷书、行书必须是重点。另外每种书体列举了四本经典范本，虽然都要熟悉了解，但学员却可以根据自己的情况反复练习其中的一至两种。因为中小学书法的教学，关键是书法实践能力。所以，这要求老师讲究书法的基础知识与理论教学方法外，更重要的是自身的书法实践水平的提高。
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读完这本介绍书法的书，我最大的感受是它对于“意境”的捕捉和传递，做得极为细腻和诗意。它不像一本教科书那样板着脸孔讲解规则，反而更像一位老友在侧，轻声慢语地引导你进入一个充满墨香的内心世界。书中大量引用了古典诗词和文人轶事来佐证每一个书写观点，让枯燥的笔法讲解变得有血有肉，充满了人文关怀。比如谈到行书的连带与气流，作者引用了《兰亭集序》中王羲之“微风拂柳”般的洒脱，笔触之下，尽是天人合一的境界。我发现，作者对于“慢”的推崇尤为突出，他花了整整一章的篇幅，反复强调在当下快节奏生活中，书写过程中刻意放慢速度，如何能帮助我们重新找回对时间的掌控感和对细节的敏感度。这种对“慢生活”的倡导，在当代社会显得尤为珍贵。此外，书中对“印章与题跋”的探讨也十分独到，将书法视为一个完整的艺术品展示，从装裱的颜色到落款的位置，都暗藏着文人的讲究与智慧，这方面的知识拓宽了我的视野，让我明白书法艺术的完成是一个系统性的审美工程，而非仅仅是写完几个字那么简单。总体而言，这是一本充满了温度和灵性的艺术指南。
评分这本关于书法艺术的著作，着实让我大开眼界，不仅仅是那些笔画的描摹和字体的演变，更深层次地触及到了“气韵”的探寻。作者似乎花了大量的篇幅去探讨毛笔在纸上运行轨迹所蕴含的情感张力，那种提、按、顿、挫之间的微妙平衡，被描绘得淋漓尽致，仿佛我能透过文字感受到墨汁散开时的湿度和力度。尤其欣赏其中对于历代大家书风的解构，比如对颜真卿“雄强敦厚”的剖析，并非简单地罗列其成就，而是深入到其个人心性与时代背景的交织中，解释了为何他的楷书能具有那般撼动人心的力量。书中对不同书体，如篆、隶、楷、行、草的起源和发展脉络梳理得极为清晰，形成了一张宏大的历史网络，让人明白每一笔的演变都承载着千年的文化重量。我尤其对其中一章关于“笔法中的哲学思辨”印象深刻，作者将中国古代道家的“有无相生”观念巧妙地融入到墨迹的虚实处理上，这使得原本可能枯燥的技巧讲解瞬间充满了哲学的趣味和高度，让人在学习技法之余，也能体悟到东方美学的精髓。对于一个初涉书法的爱好者来说，它提供了坚实的理论基石，而对于有一定基础的习者，它则提供了提升境界的钥匙，绝对是一部值得反复摩挲的案头之书。
评分这本书最让我感到耳目一新，并且非常“接地气”的，是它处理“创作中的心理障碍”这一部分。坦白说，临帖久了，进步的瓶颈往往不是技法上的生疏，而是内心的恐惧——害怕落笔、害怕破坏已有的平衡、害怕自己的“想法”在笔下显得粗鄙。作者将这种现象称之为“完美主义的陷阱”，并提供了一套非常实用的心理调节方法。他没有提供空洞的口号，而是通过介绍几位伟大书法家在创作巅峰时期的“心流”状态，来引导读者如何进入那种忘我的境界。书中甚至提到了一种“有目的的失控”练习法，鼓励习者在特定的练习中，暂时放下对“像”的执念，转而去追求某种特定的情感表达，即使结果不尽如人意，也视为一种对自我束缚的突破。这种对书法家“心路历程”的挖掘，使得这本书超越了工具书的范畴，更像是一本关于如何进行创造性自我表达的心理学指南。它教会我，真正的艺术，源自内心的自由和勇气，而非僵硬的模仿。
评分我必须承认，刚开始翻阅这本书时，我对其中一些关于“书写载体”的论述感到有些困惑，因为它们似乎偏离了纯粹的笔墨技巧。比如，书中花了相当大的篇幅去讨论宣纸的纤维结构、墨汁中松烟与胶质的比例，甚至连古人用砚台研墨时水量的控制，都被视为影响最终书写效果的关键变量。这让我意识到，书法艺术的完成，其实是人与“物性”之间进行的一场复杂对话。作者似乎想传达一个核心理念：技术上的完美，必须依托于对材料特性的深刻理解和尊重。特别是关于“宿墨”和“活墨”的论述，区分得极其精妙，前者讲究沉稳厚重，后者追求淋漓鲜活，而选择哪种，取决于书写者当天的心境和追求的艺术效果。这种对“物质基础”的重视，让我对书法实践有了更全面、更“科学”的认识。书中的图示非常清晰，配有大量微距拍摄的照片，将纸张的肌理和墨色的层次感展现得一览无余，极大地辅助了文字的阐释，让原本抽象的材料学知识变得直观易懂。
评分这本书对于古代碑帖的鉴赏分析，可以说是做到了极致的“微观”与“宏观”的结合。它没有停留在简单的介绍“这是谁的作品”，而是深入到对单字结构的拆解上，达到了令人惊叹的细致程度。作者似乎拥有X光般的洞察力，能够穿透纸墨，看到刻手的力度、书写时的犹豫和果断。例如，在分析某魏碑的“蚕头雁尾”时，书中详尽描述了笔锋如何入纸，如何在转折处积蓄墨力，以及最终出锋时的锐利与收敛，光是读着这些描述，我仿佛就能在脑海中重现那个古代书家在石碑上凿刻的瞬间。更让我佩服的是，它并没有将古代经典奉若神明，而是大胆地提出了一些现代性的质疑和比较，比如在对比唐代和宋代审美取向的差异时，作者的论点犀利而有说服力，促使读者跳出固有的审美框架。这使得全书的学术性非常强，绝非泛泛而谈的“入门指南”。对于希望在专业上有所精进的学习者，这本书提供的辨析和比较角度，无疑是极具启发性的，它教会我如何真正地“看”碑帖，而不是仅仅“临摹”碑帖。
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