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出版者:江西美术出版社

作者:聂文豪

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-05-01

价格:10.0

装帧:

isbn号码:9787806903926

丛书系列:

图书标签:

• 赵孟頫
• 碑帖
• 书法
• 字帖
• 临摹
• 楷书
• 宋代
• 书法作品
• 艺术
• 传统文化

《盛唐气象：敦煌壁画艺术的辉煌与传承》 一、 引言：千年敦煌，不朽的艺术史诗 敦煌，这片位于丝绸之路咽喉之地的沙漠绿洲，不仅是佛教东传的见证地，更是中华民族文化多元融合、交流互鉴的恢弘舞台。其瑰丽绝伦的莫高窟壁画，以其数量之巨、内容之博、艺术之精，被誉为“墙上的图书馆”，是研究中古时期乃至世界艺术史不可或缺的珍贵遗产。 本书《盛唐气象：敦煌壁画艺术的辉煌与传承》并非聚焦于书法碑帖的研究，而是深入探讨敦煌石窟艺术，特别是盛唐时期壁画所展现出的独特艺术成就、宗教内涵及其对后世产生的深远影响。我们旨在以严谨的学术态度和生动的艺术解读，揭示敦煌艺术如何在特定历史背景下，汲取多元文化养分，最终熔铸出具有中华民族鲜明特征的艺术高峰。 二、 盛唐气象：艺术风格的巅峰演绎 盛唐（约公元7世纪中叶至8世纪中叶）是敦煌艺术发展的高光时期。这一时期的壁画，在继承前朝艺术精华的基础上，展现出前所未有的自信、博大与成熟。 1. 人物画的革命性突破： 盛唐壁画中的供养人、菩萨、飞天形象，彻底摆脱了早期和隋代所见的清瘦、拘谨与略显僵硬的风格。取而代之的是一种充满生命力的“丰腴之美”。菩萨面容饱满，体态健硕，衣带飘举，线条流畅而富有弹性，仿佛能感受到肌肤之下的律动。这种对人体美的赞颂，体现了盛唐社会自信、开放的时代精神。 例如，在著名的“说法图”中，佛陀与弟子的形象，已不再是单纯的宗教符号，而是具有鲜明个性与情感的个体。他们的衣纹处理，尤其“高华”的袈裟渲染技巧，运用晕染和沥粉贴金等多种技法，使得画面产生出极强的立体感和华贵感，这与当时长安城中万国来朝的盛世景象在艺术上遥相呼应。 2. 场景描绘的世俗化与生活化： 盛唐的“本生故事”和“佛传故事”壁画，在叙事结构上更加精细复杂，对世俗生活的描绘达到了前所未有的细致程度。画工们不再仅仅是描绘传说，而是将日常生活场景融入宗教叙事之中。我们可以从中清晰地看到当时宫廷的服饰、建筑的结构、宴饮的礼仪，甚至是市井的商业活动。 这些场景的构建，展现了高超的空间处理能力。画家们开始尝试运用中国传统的“散点透视”与外来传入的“焦点透视”技法相结合，使得画面在宏大叙事的同时，细节也井然有序，富有层次感。 三、 佛教主题的多元阐释与图像学 敦煌壁画是佛教图像学的宝库。本书重点梳理了盛唐时期几个核心主题的演变与图像学特征： 1. 净土变相的宏大叙事： 以“西方净土变”为代表的壁画，是盛唐气象的集中体现。这些壁画构图饱满，色彩绚丽，描绘了阿弥陀佛在极乐世界的庄严景象。不同于早期的朴素，盛唐的净土变，其楼阁亭台之精美、水池花卉之繁盛，无不体现出对人间至美事物的极致想象和追求。它反映了当时民众对安宁与富足生活的普遍向往。 2. 密教元素的渗透与融合： 随着中密宗在唐朝的兴盛，敦煌壁画也开始出现密教图像的萌芽与发展。虽然密宗壁画在晚唐五代更为突出，但盛唐时期，已经能观察到一些手印（Mudra）的规范化、金刚明王形象的出现，这些预示着佛教图像体系的进一步复杂化和精深化。 四、 技法与材料的探究：辉煌色彩的永恒密码 敦煌壁画的永恒魅力，部分归功于其高超的材料运用和技法创新。本书将详细分析盛唐画工所使用的矿物颜料，如群青（昂贵的群青石料多从西域输入，彰显了丝路的繁荣）、石绿、朱砂等。我们对比了壁画的底层处理（泥塑与夯实）、底稿的绘制（墨线勾勒）、以及上色的方式（平涂、渲染、晕染、沥粉贴金）。 特别值得一提的是，盛唐壁画中对光影的处理，通过“晕染”技法，使体积感和空间感大大增强，这是中国传统绘画在吸收外来艺术营养后，实现的一次质的飞跃。 五、 承上启下：敦煌艺术对后世的影响 盛唐敦煌壁画的艺术成就，绝非孤立的现象。它的影响跨越了时间与地域： 1. 对中原地区绘画的影响： 安史之乱后，大量敦煌的画工和艺术范式被带入中原。唐末五代的画家在人物造型、装饰图案等方面，明显承袭了敦煌晚期至盛唐的风格特征，这为宋代院体画的成熟奠定了基础。 2. 对周边文化圈的辐射： 敦煌艺术是中外文化交流的典范。其成熟的风格通过丝绸之路，深刻影响了西藏艺术（藏传佛教艺术）、中亚地区的佛教艺术，甚至远播至东亚的日本、朝鲜半岛，成为东亚艺术圈的共同财富。 结语：寻觅盛唐的艺术回响 《盛唐气象：敦煌壁画艺术的辉煌与传承》试图穿透历史的尘埃，重新审视那段波澜壮阔的艺术史。它不是对现有敦煌研究的简单重复，而是通过聚焦于盛唐这一黄金时代，探讨艺术的创新是如何在文化交汇中诞生的，以及这种创新如何塑造了中华民族千年不变的审美取向。阅读本书，如同亲临莫高窟，感受那穿越千年的艺术生命力与盛世气象。

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这本书的选材角度，让我看到了一个非常新颖的视角。它似乎并非仅仅罗列经典的碑帖，而是进行了深层次的、带有某种主题性的策展。我注意到其中几组字体的组合，其内在的逻辑关联性非常耐人寻味，仿佛讲述着一场跨越时代的笔墨对话。这种“集句”的处理方式，极大地拓展了学习者对原作的理解深度，不再是孤立地看待每一个字，而是将它们置于一个更宏大的艺术语境之中去品味。这种编排思路，对于那些已经有一定基础，渴望从“模仿”迈向“理解”的进阶学习者来说，无疑是打开了一扇新的大门。它引导我们去思考，在不同的情境下，同一位大家是如何调动笔锋、变化墨色的，这种细致入微的引导，远超出一本普通字帖的范畴。

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作为一名业余的书法爱好者，我发现这本书的难度梯度设置得非常巧妙。初看之下，那些精选的拓片似乎让人有些望而生畏，但仔细研读后，才体会到编者是用心良苦的。它从相对工整、结构稳定的早期范本入手，逐步过渡到后期气势磅礴、笔法放逸的作品。这种循序渐进的节奏，有效地避免了初学者因急于求成而产生的挫败感。更重要的是，每一页的旁边附带的那些简短而精炼的“品鉴笔记”（如果存在的话，我感觉它应该有），没有过度解读，只是精准地指出了关键的运笔要点和结构重心，恰到好处地起到了提纲挈领的作用，让我们能快速抓住核心。

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这本书给我的最深印象，是一种强烈的“沉浸感”。当我摊开它，仿佛真的被带回到了那个笔墨挥洒的时代。那种穿越时空与古人对谈的感觉，并非仅仅来自对文字内容的阅读，更多的是源于它在“气息”上的高度还原。它没有那种现代印刷品的刻板和冰冷，反而有一种历史沉淀下来的温润和厚重。这使得每一次摊开它，都像是一次短暂的冥想，能让人瞬间抽离外界的喧嚣，专注于笔尖与纸张的每一次触碰。这种精神层面的滋养，是任何快速浏览或浅尝辄止的字帖都无法提供的深度体验，让人愿意花上数小时静心揣摩，其带来的精神愉悦感是难以言喻的。

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这部书的装帧设计简直是视觉的盛宴，从封面到内页，都透着一股沉静而典雅的气息。纸张的选择非常考究，触感温润，那种略带纹理的质感，让人忍不住想去摩挲。油墨的印制清晰度极高，即便是最细微的笔触变化，也得到了精准的还原。我尤其欣赏那种留白的处理方式，疏密有致，使得原本密集的字帖内容，在视觉上得到了极佳的呼吸感。装订工艺也十分扎实，平摊效果做得很好，临摹时可以毫无阻碍地贴近纸面，这对于长时间的书写练习来说，是非常人性化的考量。整体来看，它不仅仅是一本字帖，更像是一件精心制作的艺术品，摆在书架上本身就是一种享受。对于追求高品质阅读和使用体验的书籍爱好者来说，光是这份精良的制作工艺就值回票价了。

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这本书的实用性，简直达到了教科书级别的标准。我过去收藏的不少碑帖，虽然原貌保留得很好，但在实际临摹过程中，总觉得有些地方碍手碍脚，比如墨色过浓导致细节模糊，或者纸张过薄无法承受反复洇墨。然而，这本选集在“实用化”上下了死功夫。它似乎在保持古韵和清晰度之间找到了一个完美的平衡点。无论是用毛边纸还是宣纸进行练习，墨色的渗化效果都非常理想，这极大地提升了练习时的畅快感和成就感。对于经常需要“对临”和“背临”的练习者来说，一本能够提供稳定、可靠的视觉反馈的书籍，其价值是无可估量的。

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