西方音乐-从现代到后现代 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:上海音乐出版社

作者:宋瑾

出品人:

页数:313

译者:

出版时间:2004-04-01

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787806674093

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 音乐学
• 音乐理论
• 西方音乐
• 后现代
• 后現代
• 现代音乐
• 现代与后现代
• 西方音乐
• 现代音乐
• 后现代音乐
• 音乐史
• 古典音乐
• 爵士音乐
• 流行音乐
• 音乐理论
• 作曲
• 音乐文化

《巴洛克音乐的辉煌与演变：从蒙特威尔第到巴赫的探索》 一部深入剖析欧洲音乐史上一个关键转折期的宏大叙事 本书将带领读者穿越十七世纪至十八世纪中叶的欧洲大陆，聚焦于一个充满戏剧性张力、情感深度与结构精妙的音乐时期——巴洛克音乐。这不是一部简单的历史罗列，而是一次深入的文化、技术与美学变革的考察。我们将探究巴洛克艺术精神如何渗透到音乐的每一个层面，如何塑造了歌剧、协奏曲、奏鸣曲以及清唱剧等核心体裁的诞生与成熟。 第一部分：萌芽与确立——巴洛克之声的诞生（约1600-1650） 巴洛克音乐的开端，标志着文艺复兴时期对和谐与平衡的追求向对强烈情感表达（Affektslehre）的转变。我们首先会详细考察意大利佛罗伦萨的“演唱会”（Camerata Fiorentina）及其对希腊悲剧复兴的尝试，这直接催生了歌剧（Opera）这一新体裁。 蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）无疑是这一时期的核心人物。他的《奥尔菲奥》（L'Orfeo）被视为第一部成熟的歌剧。我们将细致分析蒙特威尔第如何运用“第二实践”（Seconda Prattica）——即音乐服务于文本和情感的表达，而非仅仅遵循严格的对位法则——来创造出前所未有的戏剧张力和对位织体。同时，本书也将探讨早期歌剧的结构，如咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）的区分与功能，以及通奏低音（Basso Continuo）这一巴洛克音乐的基石是如何确立其不可动摇的地位，为和声的即兴与发展提供了框架。 在声乐领域，除了歌剧，我们将审视清唱剧（Oratorio）和宗教大合唱的初步发展，它们如何在没有舞台布景的情况下，通过音乐力量来叙述宗教故事，为后来的亨德尔奠定了基础。 第二部分：风格的成熟与传播——协奏精神的崛起（约1650-1700） 随着巴洛克风格在欧洲范围内传播，地域差异开始显现，不同国家发展出独特的风格特征。本部分重点分析了协奏曲（Concerto）这一体裁的成熟及其背后的“对话”精神。 意大利的“大协奏曲”（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的出现是这一时期的标志。科莱里（Arcangelo Corelli）在小提琴演奏技术和协奏曲结构上的革新将是重点。我们将深入分析“快-慢-快”的乐章布局是如何确立的，以及托纳利式（Ritornello Form）如何成为协奏曲的骨架——乐队齐奏与独奏乐器之间的交替与竞争，体现了巴洛克时期对动态对比的偏爱。 在键盘音乐领域，寓言体奏鸣曲（Sonata da Chiesa）与室外体奏鸣曲（Sonata da Camera）的差异将被阐释。此外，我们还将考察法国的宫廷音乐传统，特别是吕利（Jean-Baptiste Lully）对法国歌剧的“法式序曲”的规范化，以及他对芭蕾舞音乐的贡献，这些元素展现了巴洛克艺术在宏大叙事和仪式感上的极致追求。 第三部分：巴洛克风格的巅峰——对位与情感的融合（约1700-1750） 巴洛克音乐在十八世纪初达到了技术与情感表达的完美结合。这一时期的核心在于对复调（Polyphony）技艺的登峰造极，以及对既有形式的深刻挖掘与拓展。 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）是本部分的绝对焦点。我们将跳出对其“天才”的简单赞颂，而是聚焦于其作品的技术分析。深入剖析《平均律键盘曲集》如何系统性地探索了十二平均律的可能性；对赋格（Fugue）这一复调典范的结构原理（如呈示部、展开部、再现部的处理）进行细致的解构，并研究巴赫如何在严谨的对位框架内，依旧保持极高的情感深度与个人色彩。他的宗教作品，如《马太受难曲》，则展示了巴洛克音乐在精神层面最崇高的成就。 与此同时，乔治·弗雷德里克·亨德尔（George Frideric Handel）的创作轨迹提供了另一种视角。本书将对比亨德尔在歌剧领域的成功（特别是意大利语正歌剧）与他在英国定居后对英格兰清唱剧（Oratorio）的革新。亨德尔如何将意大利式的戏剧性与英国对合唱力量的偏爱相结合，创造出如《弥赛亚》这样具有史诗般力量的作品，将是讨论的重点。 此外，我们将探讨巴洛克晚期的一些重要发展：如维瓦尔第（Antonio Vivaldi）对协奏曲的程式化与加速发展，以及多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）的单乐章键盘奏鸣曲中展现出的新颖的调性处理与技术挑战。 第四部分：风格的过渡——向洛可可与古典主义的悄然转变 巴洛克音乐的晚期，其复杂性和沉重感也孕育了对其的反叛。本书最后部分将探讨“敏感风格”（Empfindsamer Stil）的兴起，这是对巴洛克“激昂情感”的一种内省式回应。 我们将分析卡尔·菲利普·伊曼纽尔·巴赫（C.P.E. Bach）的音乐如何通过突然的情绪变化、更简化的织体以及对旋律线条的强调，预示着新时代的到来。这种对清晰、自然与平衡的追求，正是为海顿和莫扎特所开创的古典主义风格铺平了道路。巴洛克时代的严谨结构虽然逐渐隐退，但其在和声基础、体裁规范以及器乐表达上的巨大遗产，为接下来的音乐发展提供了坚不可摧的基石。 本书特色： 聚焦于“功能”而非“标签”： 深入分析和声语言、对位技巧以及体裁结构如何服务于巴洛克艺术家的情感表达目标。 器乐与声乐并重： 平衡考察歌剧、协奏曲、赋格等主要体裁的演变路径。 跨地域比较： 探讨意大利的活力、法国的规范化以及德意志的沉思性如何在巴洛克框架下交织融合。 通过对这一黄金时代的细致梳理，《巴洛克音乐的辉煌与演变》旨在为严肃的音乐爱好者和学者提供一个全面、深入且富有洞察力的指南，理解音乐史上这一最富于装饰性、结构性和戏剧张力的篇章。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的阅读体验充满了挑战性，它要求读者具备相当的专注度和一定的背景知识储备，但这绝非一本“故作高深”的学术著作。作者在构建其论述时，采用了多层次的交叉引用和参照，使得每一个章节都像是精心编织的挂毯，每一个细节都与其他部分相互呼应。例如，书中对于特定“声音景观”的描述，往往会引申出当时特定的社会政治气候，这种宏观与微观的紧密结合，构建了一个极富张力的阅读体验。它的语言风格，在保持学术严谨性的同时，又充满了学者特有的激情与批判性，时而如同精密的外科手术刀般剖析结构，时而又如同激昂的评论家般发出时代的呐喊。我感觉自己不是在被动地接收知识，而是在和一位极富洞察力的向导，共同探索一片尚未被完全命名的艺术大陆。

评分☆☆☆☆☆

这本书的笔触之细腻，简直让我感觉自己就是坐在那些先锋音乐的初演现场，空气中弥漫着紧张和不解。它对特定音乐事件的描述，比如“野性的和声”在早期巴黎乐坛引发的骚动，或者后来的达拉姆施塔特夏季课程上，新一代作曲家如何试图彻底割裂与过去的联系，那种场面感是其他音乐史著作难以企及的。作者对于材料的掌握精确得令人心惊，但更令人敬佩的是其叙事的高超技巧——他知道何时应该放慢节奏，聚焦于某一首作品的结构细节，何时又该加快步伐，概述一个时代思潮的演变。阅读过程中，我常常需要停下来，去回味那些被引用的乐谱片段所暗示的听觉体验，这本书提供了一个绝佳的“解码器”，让我得以窥见那些看似混乱的音响背后，隐藏着的严密结构和深刻意图。这不只是一本音乐史，更像是一部关于“艺术如何应对剧变时代”的深度文献。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的价值在于，它彻底打破了那种“技术进步论”的音乐史观，转而关注“意义的危机”。它不把后来的发展简单地看作是对前辈的简单继承或超越，而是将整个二十世纪的音乐景观描绘成一场持续不断的、关于“音乐本质是什么”的哲学辩论。我特别喜欢作者对于“后现代”阶段的论述，那种对元叙事的解构，以及对通俗文化与严肃艺术之间界限的模糊化处理，展现出一种既清醒又充满戏谑意味的立场。书中对于极简主义的分析，尤其让我耳目一新，它不仅仅将其视为对复杂性的反动，更是一种对时间感知和审美疲劳的深刻洞察。这种对音乐现象背后的文化心理的捕捉，使得这本书超越了音乐学的范畴，具有了更广阔的文化研究意义。阅读它，就像是拿到了一把钥匙，能打开理解当代艺术困境的复杂门锁。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我立刻被它那种扑面而来的、对于二十世纪音乐变革的磅礴叙事感所吸引。作者似乎有一种魔力，能将那些晦涩难懂的十二音体系、序列主义的冰冷逻辑，转化为一幕幕充满张力的戏剧场景。它没有停留在枯燥的理论推导上，而是深入到作曲家们的心灵世界，展现了斯特拉文斯基在传统与革新之间的挣扎，勋伯格在失去调性根基后的孤独探索。我尤其欣赏书中对“现代性”这一概念的深度剖析，它不仅仅是关于音高和节奏的革命，更是一种对西方文化主体性危机的哲学回应。每一次翻页，都像是在穿越一个又一个思想的迷宫，从布列瑟斯对音色的极致雕琢，到约翰·凯奇对“偶然性”的哲学拥抱，这本书成功地将音乐史的线性叙事打碎，重塑为一幅充满反思和对话的立体图景。它迫使我重新审视自己对“美”与“和谐”的既有认知，是一次对听觉习惯的彻底洗礼。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我印象深刻的一点，是它对待“失败”和“边缘化”声音的态度。很多音乐史倾向于只关注那些最终被主流确认为“大师”的作品和流派，但这本书却花了大量的篇幅去挖掘那些被历史浪潮淹没的实验性尝试，那些在当时看来是怪诞、不成功，但却为后来的发展埋下了伏笔的努力。它对那些短暂存在的音乐社团、那些只出版了一两张唱片的作曲家，都给予了充分的关注和分析。这种“抢救式”的史学书写，极大地丰富了我对二十世纪音乐图景的认知，让我明白任何重大的艺术突破，都是建立在无数次尝试与挫折之上的。这本书如同一个强大的透镜，聚焦于那些微弱但至关重要的光点，展现了一幅远比教科书上所描绘的更为复杂、也更具人性光辉的音乐变迁史。

评分☆☆☆☆☆

写的真不后现代。

评分☆☆☆☆☆

宋老师也是才子一位。现代/后现代议题本就纷繁复杂，音乐领域即使在现在的英/德语世界也无甚确切定论。00年代初期国内已经能有这种水平的材料翔实、思辨极强的作品真是难得。本科生认真读一遍会收获很大，无论在对于现代音乐理解方面还是提升美学思辨能力方面。ps错字病句不少，如有新修版，编辑尚需认真校对一番。

评分☆☆☆☆☆

太啰嗦了。。。还有些句子也不通

评分☆☆☆☆☆

太啰嗦了。。。还有些句子也不通

评分☆☆☆☆☆

太啰嗦了。。。还有些句子也不通