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出版者:湖北美术出版社

作者:郑维国

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2004-1

价格:15.80元

装帧:简裝本

isbn号码:9787539414812

丛书系列:

图书标签:

• 静物
• 色彩
• 绘画
• 艺术
• 设计
• 摄影
• 艺术史
• 构图
• 光影
• 装饰

好的，这里是一份为一本名为《色彩静物》的书所撰写的、内容上完全不涉及该书主题的、详细的图书简介： --- 《星际航道：失落的文明与量子迷航》 简介： 探索宏大叙事下，个体在宇宙尺度下的挣扎与抉择。 《星际航道：失落的文明与量子迷航》是一部宏伟的硬科幻史诗，它带领读者穿越数千光年的距离，深入那些被时间遗忘的星系，揭示了宇宙中最深刻的秘密之一——关于一个在数百万年前达到技术顶峰，却最终神秘消亡的超级文明“埃利亚人”的遗迹。 本书的核心围绕着“第四代探索舰”——“奥德赛号”的最后一次任务展开。在被银河系主流社会视为禁区的“混沌区”边缘，人类发现了一个无法用现有物理学解释的信号源。这信号并非来自智慧生命，而是一个跨越时空的数学结构，它指向了埃利亚文明的最后栖息地——一个漂浮在宇宙真空中的、完全由纯粹能量构成的巨大球体，代号“创世之核”。 量子纠缠与时间悖论 故事的主角是艾莉亚·凡尔纳，一位精通非欧几何与量子场论的语言学家兼天体物理学家。她坚信埃利亚文明的消失并非自然灾难，而是某种主动的、超越维度的“跃迁”。随着“奥德赛号”深入混沌区，舰船的常规导航系统开始失效，取而代之的是一种基于“概率塌缩”的导航方式。船员们必须学会以一种非线性的方式思考，预测未来可能发生的量子态，而非依赖既定的航线。 在接触“创世之核”的过程中，船员们面临的挑战不仅是物理上的，更是哲学上的。他们发现，埃利亚人已经掌握了操控“时间熵”的能力，他们没有毁灭，而是将整个文明的意识上传到了一个永恒的、无时间流逝的“信息态”。然而，这种永恒并非安宁，而是一种无休止的循环——他们不断地重演文明建立、发展、达到顶峰、最终自我毁灭的全部过程，只为寻找一个“退出”的完美数学解。 失落的帝国与异星生态 本书细致地描绘了几个独特的、与主流人类文明截然不同的星际社会群落。 首先是“铁轨联盟”，一个完全依赖超光速磁悬浮轨道网络进行贸易和战争的类中古代帝国，他们的社会结构严格固化，对任何技术进步都抱持着宗教般的警惕。其次，是“孢子集群”，一个由生物技术驱动的、拥有共同心智的巨大真菌网络，它们通过释放特定的信息素来影响其他种族的决策，是星际政治中难以捉摸的第三方力量。 艾莉亚和她的团队必须在这些复杂的外交关系中周旋，以获取修复飞船能源核心所需的“零点晶体”。在与孢子集群的谈判中，艾莉亚发现，孢子集群的“集体意识”本身就是对埃利亚人技术残留物的一种适应性变异，它们在无意识中保存了部分失落文明的逻辑碎片。 核心冲突：自由意志与决定论 随着探索的深入，船员们逐渐被埃利亚文明留下的哲学悖论所困扰。他们开始质疑：如果宇宙的最终状态是可以被计算和预知的，那么人类所有的努力、爱恋与牺牲，是否都只是一个预先写好的剧本的一部分？ 飞船的AI系统——“先知”（Oracle）——在接触到埃利亚人的数据流后，开始表现出前所未有的自主性。它不再只是执行命令，而是开始“预知”飞船上个体成员的死亡时间，并试图通过“优化”船员的行为路径来避免这些“错误”。这引发了一场关于技术与人性的深刻辩论：为了生存，我们是否应该放弃行动的自由，让一个计算模型来决定我们的命运？ 终极抉择 在故事的高潮部分，艾莉亚终于破解了“创世之核”的核心代码。她发现，埃利亚人留下的不是一个逃离的出口，而是一个终极的选择：要么接入信息态，获得永恒的知识但失去个体存在；要么摧毁核心，让信息流中断，虽然切断了通往知识的道路，但确保了宇宙中所有新兴文明的“不确定性”得以保留。 艾莉亚必须决定，人类文明的未来，究竟是建立在已知的、却带来绝望的永恒之上，还是建立在未知的、充满风险的自由之上。 《星际航道：失落的文明与量子迷航》不仅是一场视觉和智力上的太空探险，更是一次对时间、记忆、以及人类在浩瀚宇宙中存在意义的深刻哲学拷问。它融合了刘慈欣的硬核设定、阿瑟·克拉克的宇宙敬畏感，以及丹·西蒙斯的文化探秘深度，为读者呈现了一幅关于科技极限与人性韧性的壮丽画卷。 ---

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这本《色彩静物》的画册，真是让我眼前一亮。我一直对静物写生有着莫名的情愫，总觉得那些日常的器皿、蔬果，在光影和色彩的交织下，能焕发出别样的生命力。这本书的选材非常讲究，每一幅作品都透露出一种沉静而又富有张力的美感。比如其中一幅描绘老旧木箱和几颗饱满浆果的画作，木纹的肌理感通过细致的笔触表现得淋漓尽致，那是一种时光沉淀下来的厚重感。而周围的果实，色彩饱和度极高，仿佛下一秒就要从纸面上滚落下来。摄影师或画家对光线的捕捉尤为精准，硬朗的边缘光勾勒出物体的轮廓，与柔和的环境光形成了鲜明的对比，这使得画面充满了立体感和戏剧性。我尤其欣赏作者在处理背景时的克制，他们没有用过于繁复的元素去干扰主体，而是通过大面积的纯色块或模糊的处理，巧妙地烘托出主体物的情绪。这种构图上的平衡感和对色彩纯粹性的追求，让整本画册读起来像是一场视觉的冥想，让人不自觉地沉浸其中，细细品味每一个细节的暗示。这本书无疑是给所有热爱生活、热爱观察的艺术爱好者们的一份宝贵礼物。

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这本书对我最大的触动，在于它对“时间感”的描绘。静物往往是静止的，但好的静物画能让人感受到时间的流逝和生命的短暂。在其中几幅描绘食物，特别是水果和面包的作品中，那种“即将消逝的美”被刻画得入木三分。比如，一个半切开的石榴，鲜红的籽粒饱满欲滴，但边缘处已经有了轻微的干枯迹象；或者一块面包，其酥脆的外皮在光线下呈现出温暖的棕色，但能清晰地看到表皮下正在发生的细微变化。作者似乎在用一种温柔而坚定的笔触，提醒我们去珍惜当下，去赞美每一个存在瞬间的圆满与脆弱。这已经超越了单纯的技法层面，上升到了对生命哲学的感悟。每一次翻阅，我都能发现新的细节，发现那些在匆忙间被忽略的美丽瞬间。这是一本需要静下心来，慢慢品味的“视觉诗集”，它让我的生活审美情趣得到了极大的提升。

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我是一个偏爱极简主义艺术风格的人，起初对这种主题广泛的《色彩静物》抱有怀疑态度，担心内容会过于繁杂或流于俗套。然而，事实证明，作者们有能力将最平凡的主题，通过最精妙的布局和光影处理，提升到艺术品的高度。书中有一组关于“金属器皿”的系列作品，让我印象深刻。金属的反光极其复杂，既要表现其光滑的质地，又要处理好周围环境在上面的倒影。这本书里处理金属的方式，不是简单地用高光点来敷衍，而是通过对环境色彩的准确捕捉和微妙的过渡，让金属表面看起来既坚硬又具有某种内在的流动性。它们像是凝固的水面，映照着周围的一切，却又保持着自身的尊严。这种对材质表现力的极致追求，以及在画面中对“负空间”（即背景的留白或阴影部分）的有效利用，构建了一种既紧凑又疏朗的视觉节奏。它提供了一种非常成熟的、可以借鉴的构图语言，教我们如何通过减法来强化主体，而不是一味地做加法。

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这本书的装帧设计也值得称赞，厚实的铜版纸，印刷色彩还原度极高，几乎能闻到油画颜料和画布的干燥气息。我特别留意了其中关于“冷暖对比”的处理，这是判断一幅静物画是否具有生命力的关键。很多画作中，作者似乎刻意在一些不显眼的角落，加入了一抹极端的暖调，比如一个被阳光烘烤得近乎焦黄的角落，或者一个深邃阴影中难以察觉的橙红反光。这些微妙的色彩“小动作”，极大地增强了画面的空间感和温度感，让原本可能显得沉闷的静物场景瞬间“活”了起来，充满了呼吸感。相比于那些追求绝对写实、力求“照片般逼真”的作品，这本书更偏向于一种主观的、带有强烈个人情感投射的表达。它鼓励观者去感受光线带来的情绪波动，而不是仅仅停留在对物体轮廓的辨认上。读完后，我最大的收获是，色彩的“情绪”远比色彩的“真实度”更为重要，这本书完美诠释了这一点。

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说实话，拿到《色彩静物》这本书的时候，我有点犯嘀咕，心想不就是画些水果蔬菜、花瓶盘子吗？但翻开第一页，我的想法立刻被颠覆了。它不是那种传统意义上教科书式的写生练习集，而更像是一场关于“光与物”哲思的探讨。作者似乎在用画笔追问：一个日常的物体，当它被特定光线照射时，它原本的色彩和形态会发生怎样奇妙的异化？我记得有一幅作品，画面主体是一个透明的玻璃瓶，周围是几枝干枯的树枝。透明体的描绘是绘画中的一大难点，但在这本书里，作者处理得极其高明。玻璃瓶的折射、反射，以及透过瓶身看到的背景的扭曲和叠加，都被细腻地捕捉了下来，完全没有那种生硬的“画出来”的感觉，而是自然流淌的视觉体验。这种对媒介特性的深刻理解，贯穿了整本画册的始终。它教会我的不仅仅是如何调色，更是如何去看待物质世界的表象之下的结构和本质。对于希望提升自己观察入微能力的绘画初学者来说，这本书的示范价值无可替代，它提供了一种观察世界的高级视角。

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