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出版者:人民出版

作者:路应昆

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2002-1-19

价格:20.00元

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isbn号码:9787810850674

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《诗乐合鸣：中国古典文学中的音乐美学探微》 作者：[此处可虚构一位资深学者或研究机构名称] 出版社：[此处可虚构一家知名学术出版社] --- 内容简介： 《诗乐合鸣：中国古典文学中的音乐美学探微》并非一部关于舞台表演艺术的专著，而是一部深入挖掘中国古典诗歌、辞赋、小说乃至散文中蕴含的音乐精神与美学旨趣的学术力作。本书的核心在于探讨“诗”与“乐”在中国传统文化语境下，如何超越简单的伴奏或主题烘托关系，升华为一种相互渗透、彼此成就的艺术范式。 本书全面梳理了先秦至清末，中国文人墨客如何运用音乐的结构、节奏、韵律、意境乃至演奏观念，来构建其文学作品的内在骨架与审美张力。我们试图揭示，文学如何承载音乐的形而上追求，以及音乐如何为文学的抒情达意提供了一种超越语言边界的维度。 全书结构清晰，层层递进，分为五大部分，共十五章。 第一部分：乐的源起与诗的雏形——先秦文献中的声律初探（约300字） 本部分追溯了“诗”与“乐”在中国文明伊始的血脉联系。《诗经》作为中国文学的源头之一，其“赋、比、兴”的手法，无不烙印着早期民歌与祭祀乐舞的痕迹。我们细致分析了《国风》中乐歌体的结构特点，并结合出土的简帛文献和先秦礼乐制度，考察了雅乐体系对早期诗歌声韵规范的奠定作用。重点探讨了“宫、商、角、徵、羽”五音在早期哲学思辨中与自然、道德的对应关系，以及这种对应如何内化为早期文人对音韵和谐的追求。此处不涉及戏曲的程式化唱腔或板式结构，而是侧重于文学本体对“乐感”的自觉汲取。 第二部分：辞赋的恢弘与音乐的叙事——汉代“声韵之美”的自觉（约350字） 汉代是辞赋登峰造极的时代，其鸿篇巨制往往追求气势磅礴、铺陈夸饰的风格。本章着重剖析了汉赋，特别是司马相如、扬雄等大家的作品中，如何通过排比、对仗、层递等句法结构，模拟出大型乐曲的“散序”与“铺陈”之效。我们引入了“复调叙事”的概念，探讨赋体如何通过语言的交错变化，营造出类似于管弦合奏时的层次感与动态美。此外，书中还深入考察了汉代“相和歌辞”的体裁特征，解析了文学如何在这种宫廷音乐的框架下，发展出既宏大又精致的韵律美学。与戏曲的“唱念做打”中的音乐化身段不同，本部分关注的是文学文本内部的音律流动和节奏张力。 第三部分：声律的精炼与意境的营造——魏晋南北朝至唐宋的格律之变（约400字） 这一部分是本书的理论核心之一。唐代近体诗的成熟标志着中国诗歌在声律上的极致精炼。本书并非简单介绍格律诗的平仄对仗规则，而是着力于探讨这些规则背后隐藏的音乐学逻辑。我们对比了唐诗中不同声调组合（如“孤平”、“三连仄”）所产生的不同情绪张力，以及这种张力如何服务于诗人对“空灵”、“沉郁”、“雄浑”等特定意境的捕捉。例如，王维诗中的禅意空寂，如何通过长短句的错落和声母的选择来实现；杜甫诗中的沉郁顿挫，又如何体现了乐曲中复杂对位和变奏的手法。 同时，本书也探讨了宋词的音乐性。宋词从燕乐歌谱中脱胎而出，其“慢板”、“过拍”、“换头”等音乐性语汇，直接影响了词牌的格律。我们分析了苏轼的豪放与李清照的婉约，如何分别对应了大型套曲与小令在节奏把握上的差异，强调了词的音乐性在于其对旋律起伏的模拟，而非舞台表演的腔体差异。 第四部分：文学中的“乐府”精神与“曲”的衍生（约300字） 本章将视角转向了叙事文学与抒情文学中对“乐府”精神的继承。我们关注的是，当文学作品主动模仿或引用民间歌谣、宴饮小曲时，其语言形态发生的变化。这包括小说中人物对话的韵白、民间俗文学中的“打油”诗句，以及文人笔记中记录的市井歌谣。这些内容虽然与后世成熟的戏曲音乐体系有所区别，但却展现了文学对民间音乐形态的吸收和转化过程，是文学与民间音乐保持活力的重要途径。我们考察了这些“曲”的片段如何丰富了文学作品的世俗气息和现场感，而非其作为成熟的舞台剧本的音乐结构。 第五部分：审美的超越——诗乐交融中的“气韵生动”与“言外之意”（约150字） 最后一部分，本书回归到中国古典美学的哲学高度。我们总结了诗与乐的交融最终指向的审美目标——“气韵生动”与“言外之意”。音乐的非指涉性，使得它成为文学承载超越具体事件的、形而上的情感和哲理的最佳载体。通过对具体文本的分析，我们阐释了古典文人如何利用语言的节奏、音色，达到类似于听者在聆听高妙音乐时所体验到的那种“心领神会”的审美境界。 总结： 《诗乐合鸣》旨在为读者提供一个审视中国古典文学的新视角——一个以音乐美学为尺度的镜头。它将带领读者穿越历史长河，聆听那些深藏在文字之中的、未经舞台渲染的、最纯粹的诗歌与音乐的对话。本书是文学研究者、音乐史学者，以及所有热爱中国古典艺术的读者不可或缺的案头之作。

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这本书的学术严谨性毋庸置疑，书后详尽的注释和参考文献列表，清晰地勾勒出了作者深厚的学术功底和广阔的阅读视野。每一次翻阅，都能感受到作者在考证史料时所付出的巨大心血，许多看似寻常的观点，背后都有着扎实的文献支撑。这种对待知识的敬畏态度，是当下许多快餐式写作中非常稀缺的品质。然而，对于像我这样，更关注舞台实践和演员身心投入的读者来说，书中对于技术层面，例如身段、唱腔的物理性训练过程的描述，可以更进一步。理论的构建固然重要，但艺术终究是要在舞台上呈现的，如果能有更多关于“如何将理论转化为汗水浇灌出的舞台魅力”的实践性探讨，相信会更贴近表演者的真实需求。目前的侧重点似乎更偏向于“是什么”和“为什么”，而“怎么做”的部分略显单薄。

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初读此书的引言部分，我便被作者那深邃而独到的洞察力所震撼。他似乎不仅仅是在梳理历史脉络或技艺规范，而是试图从更宏观的文化哲学层面去解构一门古老艺术的生命力与时代适应性。行文之间，夹杂着许多充满画面感的比喻，将那些抽象的理论具象化，即便是初涉该领域的新手，也能迅速抓住核心要义。作者的语言风格老辣而精准，避免了许多同类著作中常见的冗长和晦涩，逻辑链条清晰有力，仿佛一位经验丰富的智者在娓娓道来。尤其欣赏他对“程式化”与“个性化”之间辩证关系的论述，视角犀利，直击要害。唯一让我略感遗憾的是，在某些涉及地方剧种流派差异的细微之处，论述略显宏观，如果能再增加一两个具体的、鲜活的案例来支撑论点，想必会更加丰满有力，让读者对理论的理解更上一层楼。

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从一个纯粹的艺术爱好者角度出发，这本书带给我的是一种知识上的满足感和精神上的震撼。它成功地搭建了一座桥梁，连接了我对古老文明的敬畏之心与对当代艺术创新的渴望。书中的许多分析角度非常新颖，打破了我过去对这门艺术的固有印象和刻板认知。每一次合上书本，我都感觉自己的审美视野被拓宽了，对舞台上那些看似不经意的眼神、手势，都有了更深层次的理解和共鸣。它的文字力量，如同精湛的唱腔，直击人心，韵味悠长。如果说有什么可以改进的地方，或许是希望作者能够在配图的选择上更加丰富和多样化，毕竟，视觉辅助对于理解表演艺术的复杂性至关重要。现有的插图虽然质量上乘，但如果能增加一些不同历史时期、不同剧种的舞台照或手绘图示，哪怕是黑白也好，定能让理论更具象化，让读者体验更立体。

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这本书的章节划分和内容组织，体现出一种古典的平衡美学。结构布局层层递进，从源头溯源，到流派纷呈，再到现代转型，脉络清晰，一气呵成。阅读过程中，我发现自己很容易沉浸其中，时间仿佛都慢了下来，完全被作者构建的世界所吸引。他对于传统艺术在现代社会中如何寻找立足点的探讨，尤为发人深省，没有流于肤浅的呼吁，而是提出了具有建设性的思考框架。这种对未来的审慎乐观，让这本书读起来不仅有厚重感，更有前瞻性。不过，我注意到书中似乎对某一特定历史时期的发展变化着墨较多，对于其他某些时期的论述，篇幅稍显不足，使得整体的叙事重量略有偏斜。如果能对不同历史阶段的繁荣与衰落进行更均衡的对比分析，这部作品的史学价值将更趋于圆满。

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这部书的装帧设计着实让人眼前一亮，硬壳精装，拿到手里分量十足，一看就知道是下了心思的作品。封面采用了一种雅致的深蓝色调，烫金的书名在灯光下熠熠生辉，显得格外有文化底蕴。纸张的选择也十分考究，细腻而有韧性，阅读体验极佳，即便是长时间翻阅，手指也不会感到疲惫。内页的排版布局疏密得当，字体清晰易读，段落间的留白恰到好处，这对于一本需要细细品味的学术性著作来说，无疑是极大的加分项。不过，我个人更偏爱那种带有一些古典花纹装饰的扉页设计，虽然这本书的简洁现代风也很有格调，但在细节的古典韵味上，似乎少了一丝韵味，或许这只是我个人的偏好，但好的书籍设计，理应在内容与形式上达到完美的平衡。整体而言，从收藏价值和阅读舒适度来看，这本书的硬件标准绝对是顶级水准，让人爱不释手。

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