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出版者:

作者:Lucier, Alvin

出品人:

页数:215

译者:

出版时间:2012-9

价格:$ 28.19

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isbn号码:9780819572974

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《音乐的无限回响：从节奏的律动到和声的交织》 序言 音乐，如同生命本身，既古老又新生，既神秘又直白。它穿梭于历史的长河，触碰着人类灵魂最深处的共鸣，也在时代的浪潮中不断演变，焕发出新的生命力。我们所处的这个世界，无时无刻不被音乐所包围，从晨曦的鸟鸣，到午夜的静谧，从孩童的歌谣，到史诗般的交响。音乐不仅仅是声音的组合，它是一种语言，一种情感的载体，一种文化的象征，一种跨越时空的连接。 本书《音乐的无限回响》并非一本详尽的乐理手册，也非一部枯燥的音乐史料汇编。它更像是一次深入的音乐之旅，一次对音乐本质的探索，一次对不同时代、不同地域、不同风格音乐的感悟与思考。我们试图剥离那些繁复的术语和理论的束缚，回归音乐最纯粹的体验，去感受节奏的每一次脉动，去聆听旋律的每一次起伏，去品味和声的每一次交织，去理解不同音乐元素是如何共同构建出那令人心潮澎湃、荡气回肠的音乐世界。 我们相信，音乐的魅力在于它的普遍性与个性并存。无论是古典音乐的宏伟庄严，还是爵士乐的自由奔放；无论是民族音乐的淳朴悠扬，还是现代流行音乐的活力四射，它们都拥有各自独特的语言和表达方式，却能以各自的方式打动人心。本书将带领读者穿越这些不同的音乐领域，去发现它们之间的内在联系，去理解它们各自的独特价值，并最终激发读者自身对音乐的更深层次的理解和热爱。 我们希望通过本书，不仅仅是传递知识，更是播撒一种对音乐的欣赏态度，一种对声音世界的敏感度，一种对文化多元性的尊重。音乐是人类共通的情感表达，它能够跨越语言、文化、甚至时代的隔阂。当我们沉浸在一段音乐中，我们可能是在回味一段历史，可能是在宣泄一种情感，也可能是在与远古的灵魂对话。这种连接，是音乐最动人的力量。 让我们一同踏上这段音乐的探索之旅，用耳朵去聆听，用心灵去感受，用思考去理解。愿《音乐的无限回响》能够为你打开一扇通往音乐无限可能的大门，让你在声音的海洋中，找到属于自己的那片蔚蓝。 第一章：节奏的起点——生命的脉搏 宇宙万物，皆有其节奏。从恒星的运转到细胞的分裂，从潮汐的涨落到呼吸的起伏，节奏是构成世界最根本的要素之一。在音乐中，节奏更是其灵魂的跳动，是支撑起一切音乐结构的基石。本章将深入探索节奏的奥秘，从最基础的拍子、节拍，到复杂的节奏型，再到节奏在不同音乐风格中的应用，揭示节奏如何赋予音乐生命力，如何影响我们的情绪和感知。 我们并非从抽象的乐谱开始，而是从最直观的体验入手。试着感受心跳的频率，感受脚步踏在地上的律动，感受日常生活中不同声音的快慢变化。这些都是节奏最原始的体现。在音乐中，我们通过“拍子”（beat）来划分时间，通过“节拍”（meter）来组织这些拍子，形成有规律的强弱交替。二拍子、三拍子、四拍子……这些看似简单的组合，却能创造出截然不同的感觉。比如，二拍子往往给人前进、有力的感觉，如同行军的步伐；三拍子则常带有摇曳、圆润的韵味，如华尔兹的舞步；而四拍子则更为平稳、舒缓，易于理解和接受。 然而，节奏的魅力远不止于此。当我们将简单的节拍进行变化，引入“切分音”（syncopation），即重音落在非重拍上时，音乐便立刻充满了活力和惊喜。这种节奏上的“错位”感，常常能带来一种蓄势待发、打破常规的张力，这在爵士乐、摇滚乐等风格中尤为常见，也是它们吸引人之处。我们还将探讨“速度”（tempo）与节奏的关系，快节奏带来兴奋与急促，慢节奏则引人沉思与舒缓，不同的速度选择，能够直接影响音乐的情绪表达。 本章也将触及更具民族特色的节奏。非洲部落的鼓乐，其复杂的切分音和多层次的节奏叠加，构建出令人迷醉的律动；印度音乐中精妙绝伦的“塔拉”（tala）体系，将无数节拍组织成复杂而有逻辑的循环，展现了深厚的文化底蕴。即使是看似简单的中国民歌，也常常蕴含着独特的节奏处理方式，例如“散拍”的处理，即不拘泥于固定的节拍，随演唱者情感的自由流动而变化，带来一种自然流畅的美感。 在探索节奏的过程中，我们将强调一种“身体性”的感受。节奏不仅仅是耳朵听到的，更是身体可以去模仿、去感受的。尝试跟着音乐轻轻敲击桌面，用脚步去丈量节拍，你会发现，节奏能够轻易地将你带入音乐之中，让你不仅仅是旁观者，更是参与者。节奏，是音乐最直接的邀请，它邀请我们加入这场由时间构成的盛宴。 第二章：旋律的呼吸——情感的诉说 如果说节奏是音乐的骨架，那么旋律便是音乐的血肉，是承载情感、诉说故事的主角。一段动人的旋律，能够穿越时空，触动我们内心最柔软的部分，留下深刻的印记。本章将聚焦于旋律的构成、发展以及其在不同音乐中的表现形式，探索旋律如何成为音乐中最具辨识度和感染力的元素。 旋律的本质，是音高在时间上的有序排列。当我们听到一组具有音乐性的音符组合，它们在音高上的起伏、连接，便构成了旋律。最简单的旋律，可以是几个音符的简单递进或回旋，但即使是这样简单的组合，如果处理得当，也能产生 remarkable 的效果。比如，西方音乐中的“音阶”（scale）和“音程”（interval），便是构建旋律的基础。音阶提供了旋律的“调性”框架，而音程则决定了音符之间的距离和关系，从而影响旋律的走向和性格。 我们会注意到，有些旋律听起来欢快明朗，有些则显得忧伤低沉。这很大程度上与旋律的“调式”（mode）有关，例如“大调”通常给人明亮、积极的感觉，而“小调”则更容易表达悲伤、沉静的情绪。除了调式的选择，旋律的“线条”（contour）也至关重要。向上进行的旋律可能象征着上升、希望；向下进行的旋律则可能暗示着沉重、失落。旋律的“重复”（repetition）和“变化”（variation），是保持听众兴趣的关键。一段反复出现的动机（motif），能够加深听众的印象，而对这个动机进行巧妙的变化，则能带来新鲜感和发展感。 不同文化背景下的旋律，呈现出截然不同的风貌。中国古典音乐中的旋律，常常注重“五声音阶”的运用，其音程关系与西方音乐的七声音阶有所不同，形成了独特的“空灵”或“古朴”的韵味。例如，古琴曲中的旋律，常常悠长而富有哲理，仿佛在与自然对话。而印度的“拉格”（raga）体系，则更为复杂，它不仅包含特定的音高组合，还包含特定的情绪特征、演奏时间和装饰音，赋予了旋律极其丰富的内涵。 爵士乐中的旋律，则以其“即兴”（improvisation）而闻名。在既定的和声框架下，乐手能够自由地创造出充满个人风格的旋律，这种不确定性正是爵士乐的魅力所在。而流行音乐中的旋律，则往往更注重“易于记忆”和“朗朗上口”，能够迅速地被大众接受和传唱。 本章将鼓励读者去“哼唱”旋律，去“感受”旋律在喉咙、胸腔中的震动，去体会旋律如何与我们的呼吸产生共鸣。旋律的呼吸，是音乐的情感表达最直接的方式，它能够传递喜悦、悲伤、愤怒、爱恋，甚至是难以言喻的思绪。通过对旋律的深入理解，我们将能够更好地捕捉音乐的情感线索，并学会如何用自己的方式去“歌唱”属于自己的旋律。 第三章：和声的交织——色彩的渲染 当两个或两个以上的音同时发出，它们之间的关系便构成了“和声”。和声并非仅仅是音符的堆叠，它是音乐的色彩，是情感的烘托，是能够极大地丰富音乐表现力的重要维度。本章将深入探究和声的奥秘，从最基础的和弦概念，到复杂的和声进行，再到不同音乐风格中的和声运用，揭示和声如何为音乐增添层次感、厚度和情感的深度。 和声的起点，是“音程”（interval）与“和弦”（chord）。两个音同时发出的和谐与否，取决于它们之间的音程关系。协和的音程听起来稳定、悦耳，不协和的音程则可能带来紧张、冲突感。当我们组合三个或更多音，便构成了“和弦”。最基础的和弦是“三和弦”（triad），例如“主和弦”（tonic chord）、“属和弦”（dominant chord）、“下属和弦”（subdominant chord）等，它们构成了音乐中最基本的功能性框架。 和弦的“进行”（progression）是和声的核心。不同的和弦组合按照一定的规律排列，便形成了“和声进行”，这种进行能够引导音乐的情绪走向，制造期待、解决、紧张、释放等效果。例如，从主和弦到属和弦，再回到主和弦，是音乐中最常见也最能带来稳定感的“终止式”（cadence）。而一些更为复杂的和声进行，则能制造出令人意想不到的色彩和情感张力。 我们将探讨不同“调式”（key）下的和声特点。大调的和声通常明亮、积极，小调的和声则偏向阴郁、内省。此外，还有许多非传统的和声处理方式，例如“不协和和声”（dissonance）的运用，它能够制造出强烈的戏剧性效果，在现代音乐和电影配乐中尤为常见。 不同音乐风格的和声运用，也展现出鲜明的个性。古典音乐的和声体系较为严谨，注重功能的清晰和逻辑的严密，例如巴赫的赋格，其严谨的和声织体令人叹为观止。而爵士乐的和声则更为丰富和自由，常常运用大量的“七和弦”、“九和弦”甚至更复杂的和弦，以及大量的“转调”（modulation）和“替代和弦”（substitution），创造出色彩斑斓、变化无穷的音响效果。 中国传统音乐的和声（或称“合音”）概念与西方音乐有所不同。在许多民族器乐合奏中，并不强调严格的西方和声功能，而是更注重旋律线条的独立性与相互呼应，以及不同音色之间的融合，形成一种更加“平面化”或“重叠式”的音响效果。例如，丝竹合奏中，不同乐器同时演奏各自的旋律，却能够产生和谐统一的美感。 本章将鼓励读者去“聆听”和声。试着去分辨音乐中同时响起的不同音，去感受它们组合在一起产生的“感觉”。当一段旋律配合着丰富的和声响起时，你会发现，即使是同一段旋律，在不同的和声伴奏下，所传达的情感也会截然不同。和声，如同为音乐披上了不同的“衣裳”，让音乐的情感表达更加细腻、深刻、色彩斑斓。 第四章：音色与织体——音乐的肌理 除了节奏、旋律和和声，音乐还有两个至关重要的维度：音色（timbre）和织体（texture）。音色是每种乐器或人声独特的“声音质感”，而织体则是音乐中不同声部或音符是如何相互交织、组合的。它们共同构成了音乐的“肌理”，决定了音乐听起来是粗犷还是细腻，是宏大还是轻盈。 音色，是音乐最直观的“个性”。一把小提琴的尖锐嘹亮，大提琴的低沉浑厚，钢琴的清脆明快，人声的柔情婉转，每一个声音都有其独特的“色彩”。本章将探讨不同乐器的音色特点，以及它们在音乐中扮演的角色。例如，管弦乐队中，弦乐组的悠扬抒情，铜管组的辉煌有力，木管组的丰富变化，打击乐组的节奏支撑，它们各司其职，又相互配合，共同织就了宏伟的音乐画卷。 我们将关注声乐，人声是最古老、也最具表现力的乐器。从歌剧的嘹亮花腔，到民谣的质朴纯真，再到流行音乐的技巧变化，人声的音色本身就蕴含着丰富的情感。我们将探讨不同演唱技巧如何改变人声的音色，从而影响情感的表达。 织体，则是音乐“结构”的体现。最简单的织体是“单音音乐”（monophony），即只有一条旋律线，如独唱或独奏。当两条或多条独立的旋律线同时进行时，我们称之为“复调音乐”（polyphony），巴赫的赋格便是复调音乐的典范，其精妙的对位（counterpoint）如同两条或多条河流在交汇、缠绕，却又保持着各自独立的流动。 当一条清晰的主旋律线，伴随着由和弦构成的伴奏时，我们称之为“主调音乐”（homophony），这是流行音乐中最常见的织体形式，清晰易懂，便于演唱。此外，还有“多重主调”（polyhomophony）等更为复杂的织体形式。 不同文化背景下的音乐，其织体处理方式也各具特色。中国传统音乐中的“合奏”，虽然常有多个声部，但并不总是遵循严格的西方复调或主调原则，而是更倾向于“旋律的平行”或“节奏的叠加”，形成一种独特的“疏朗”或“繁密”的音响效果。 本章将鼓励读者去“辨认”音色和织体。在聆听音乐时，尝试去区分不同的乐器声音，去感受它们是如何组合在一起的。是清晰的主旋律配上简单的伴奏？还是多条旋律线相互交织，层层叠叠？这种对音色和织体的感知，能够帮助我们更深入地理解音乐的构架，欣赏音乐的“工艺”，并体会不同音乐风格在声音处理上的独到之处。 结语：音乐的永恒回响 音乐，正如宇宙中的星辰，繁复而又统一；又如生命的河流，奔腾不息，永不停歇。我们在这段旅程中，触摸了节奏的脉搏，聆听了旋律的诉说，品味了和声的交织，辨认了音色与织体的肌理。然而，这仅仅是音乐广阔世界的一瞥。 音乐的魅力在于它的无限可能。每一段旋律，每一次和声的碰撞，每一种音色的组合，都可以被赋予新的生命，被赋予新的意义。它是历史的见证，是情感的出口，是文化的载体，更是人类精神的共鸣。 我们希望，《音乐的无限回响》能够为你打开一扇窗，让你看到音乐背后所蕴含的无限深度与广度。它不强求你成为一个音乐理论家，而是鼓励你成为一个更敏锐的聆听者，一个更自由的感受者。 请继续你的音乐探索之旅。去发现那些触动你心灵的旋律，去感受那些让你心潮澎湃的节奏，去品味那些让你沉醉的和声。去尝试理解不同文化中的音乐表达，去拥抱音乐的多元化。 音乐，是一种语言，一种连接，一种永恒的艺术。愿它在你生命的长河中，永远激荡出最动人的回响。

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如果说内容晦涩是缺点，那么这本书在结构上的松散更是雪上加霜。它不像是一本结构严谨的学术专著，更像是一堆散落的讲义笔记被勉强用胶水粘合在一起。不同的章节之间几乎找不到逻辑上的承接关系，前一章还在高谈阔论“十七世纪巴洛克时期的情感表达方式”，下一章却突然跳跃到了对某位当代电子音乐制作人的访谈片段，而且这个访谈片段的引入显得极其突兀，没有任何过渡性的语言来暗示这种风格的转变。我试图从头到尾梳理出一条清晰的脉络，但每次都感觉自己被抛入了一个新的、互不关联的主题领域。这使得这本书的阅读价值大打折扣，因为它无法提供一个系统性的知识体系。我更倾向于认为，作者可能只是收集了一堆自己觉得有趣的“灵感碎片”，然后懒得去进行系统的整理和编辑，便匆匆付梓，这对于购买正版书籍的读者来说，是一种不负责任的行为。

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这本书的行文风格实在是令人费解，简直可以用“故作高深”来形容。我尝试着去理解作者试图构建的论点，但那种句子结构之冗长、词汇选择之晦涩，简直像是在挑战读者的耐心极限。每一段落都像是一座由复杂的从句和罕见的术语搭建起来的迷宫，你必须小心翼翼地在里面穿行，而且大部分时候，当你终于走到“尽头”时，却发现所谓的“结论”不过是一个循环论证的起点。例如，书中有一章专门讨论“时间在音乐体验中的非线性流动性”，我原本期待能读到关于德彪西或斯特拉文斯基作品中时间感的分析，结果里面用了大量晦涩难懂的现象学术语来描述“等待一个音符解决的心理张力”，读完三页，我依然不清楚这跟具体的音乐实例有什么关系。这绝不是一本能让你在通勤路上轻松翻阅的作品，它要求你必须全神贯注，像在破译一份密码本，这对一个追求知识传递效率的现代读者来说，简直是种折磨。我希望阅读是享受，而不是一场持续不断的智力搏击。

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最让我感到困惑的是这本书的目标受众定位。它似乎想吸引所有人，结果却疏远了所有人。对于初学者来说，它里面用到的专业术语和理论前提根本无法理解，就像一个从未接触过乐理的人被扔进了一个高级作曲研讨会一样；而对于资深研究者而言，它又显得过于泛泛而谈，缺乏必要的深度和新颖的研究视角。它既没有提供扎实的入门知识，也没有带来前沿的学术突破。我读到一些关于“音乐与环境感知”的讨论，作者似乎试图建立一种全新的认知框架，但其论证过程充满了循环论证和主观臆断，缺乏必要的实验数据或可靠的文献支撑，更像是一种个人化的“清谈”。总而言之，这本书更像是作者个人的思想漫游记录，而非一本具有指导意义或知识积累价值的“Music 109”。我花费了时间，但收获甚少，更多的是一种“我到底读了什么”的迷茫感。

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从装帧和印刷质量上来说，虽然纸张的触感还算可以，但内部的排版设计实在让人不敢恭维。字体选择上显得非常老旧，有一种上世纪七八十年代教科书的影儿，而且行距的设置也极为不合理，使得大段的文字堆积在一起，视觉上造成了极大的压迫感。更令人发指的是，书中引用的一些图表和插图——如果那能称之为图表的话——简直是低分辨率的灾难。那些用来解释复杂乐理概念的示意图，模糊不清，线条几乎糊成一团，我不得不拿出手机，在网上搜索相关的标准图例来辅助理解作者试图表达的内容，这完全偏离了“一本书应该自洽”的基本原则。一本严肃的音乐类书籍，对视觉呈现的重视程度应该和内容本身一样重要，这本书显然在这方面投入的精力极其有限，让阅读体验大打折扣，仿佛在看一份未经校对的草稿。

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这部《Music 109》的封面设计得相当引人注目，那种深邃的蓝色调配上抽象的音符线条，一下子就抓住了我的眼球。我抱着极大的期待翻开了第一页，心想这定是一本关于现代音乐理论或者某种特定流派深入剖析的著作。然而，随着阅读的深入，我发现这本书的内容似乎完全脱离了我对“Music 109”这个编号所预期的——即那种严谨的、学术性的音乐课程教材的范畴。我原本以为会看到关于和声进行、对位法或者至少是二十世纪作曲技巧的详尽阐述，结果里面充斥着大量关于古典建筑美学与声学空间感之间的隐喻性探讨。这感觉就像是买了一本号称是“高等代数”的书，结果里面讲的却是“中世纪诗歌的韵律结构”。那种落差感是相当强烈的，让我不禁怀疑是不是拿错了书，或者出版方在市场定位上出现了某种严重的偏差。它更像是一本哲学随笔，披着音乐研究的外衣，但其核心议题显然指向了更形而上的领域，这对于一个只想夯实音乐基础的读者来说，无疑是一种时间和精力的双重浪费，阅读体验变得异常“跳跃”和费解。

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