纳比画派作品选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海人民美术

作者:

出品人:

页数:22

译者:

出版时间:2001-1

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787532224937

丛书系列:世界绘画珍品

图书标签:

• 画册
• 美术
• 上海人民美术出版社
• 先知派
• H-繪畫
• 纳比画派
• 象征主义
• 法国绘画
• 现代艺术
• 装饰艺术
• 绘画作品
• 艺术史
• 艺术设计
• 印象派
• 后印象派

《纳比画派作品选》 一、 艺术的革新之潮：纳比画派的诞生与崛起 在19世纪末20世纪初，欧洲艺术的舞台正经历着一场深刻的变革。印象派以其对光影瞬间的捕捉和对日常生活的描绘，颠覆了传统的学院派审美，为后来的艺术发展铺平了道路。然而，年轻的艺术家们并未止步于此，他们开始寻求一种更加内在、更加主观的表达方式，一种能够超越物象表象，触及灵魂深处的艺术语言。正是在这样的时代背景下，纳比画派（Les Nabis）应运而生，成为一股不可忽视的艺术革新力量。 “纳比”（Nabis）一词源自希伯来语，意为“先知”或“启示者”。这个名称本身就预示着这群艺术家渴望引领艺术走向新的方向，传播他们对于艺术真谛的理解。纳比画派的形成并非一蹴而就，它更像是一个有机生长的艺术社群，由一群志同道合的年轻艺术家们在巴黎的艺术学院和沙龙中相互吸引、彼此启发而逐渐聚合。他们的核心成员，如保罗·塞律西耶（Paul Sérusier）、皮埃尔·博纳尔（Pierre Bonnard）、爱德华·维亚尔（Édouard Vuillard）、莫里斯·丹尼斯（Maurice Denis）以及保罗·朗塞（Paul Ranson）等人，虽然在艺术风格上各具特色，但他们却有着共同的艺术追求和哲学理念。 纳比画派的诞生，很大程度上受到了保罗·高更（Paul Gauguin）艺术思想的影响。高更“简化色彩”、“发挥色彩的情感力量”以及“强调装饰性”的理念，为纳比艺术家们提供了重要的启示。他们认为，艺术不应仅仅是对现实世界的模仿，而应是艺术家内心感受和精神世界的投射。因此，他们开始大胆地运用非写实的色彩，追求平面化的构图，并注重线条和色彩的装饰性效果，以期传达出更加强烈的情感和内在的象征意义。 二、 艺术理念的共鸣：超越自然的色彩与形式 纳比画派的核心艺术理念在于“绘画的本质是色彩与线条的组合，而非对客观世界的复制”。他们汲取了象征主义的养分，将艺术视为一种精神的载体，一种通往内在世界的方式。这种理念体现在他们的创作中，便是对现实的“变形”与“简化”。 1. 色彩的革命：情感的载体与精神的语言 与印象派对光影的细致描绘不同，纳比艺术家们运用大胆、鲜艳、甚至是不自然的色彩来表达情感和营造氛围。他们认为色彩本身就具有生命力和情感力量，能够直接触动观者的心灵。例如，塞律西耶在其著名的《护符》中，运用了强烈的蓝、黄、红等色彩，以一种近乎原始的力量感，表达了对自然神秘力量的敬畏。维亚尔则擅长运用柔和、温暖的色彩，营造出一种居家、私密的氛围，将日常生活的片段渲染得充满诗意。博纳尔的色彩则更加奔放，他常常将强烈的对比色并置，创造出令人耳目一新的视觉效果，仿佛在用色彩谱写生活的热情。 2. 形式的探索：平面化与装饰性的追求 纳比艺术家们也对传统绘画中的空间感和透视法进行了大胆的突破。他们倾向于将画面处理得更加平面化，弱化了三维空间的深度，强调画面自身的装饰性。这种对平面化的追求，一方面是对东方艺术（如日本浮世绘）的借鉴，另一方面也是为了更好地突出色彩和线条的构成关系。他们对图案、纹样的运用也十分讲究，将画面转化为一个充满节奏感和韵律感的视觉整体。莫里斯·丹尼斯在其艺术理论中明确提出，“请记住，一幅画，在成为一匹战马、一个裸体或任何别的场景之前，首先是一个由色彩和线条组成的平面”。这番话恰恰点明了纳比画派在形式探索上的核心观点。 3. 主题的延伸：日常生活的神圣化与象征主义的渗透 纳比画派的作品题材广泛，但他们最钟爱的便是日常生活场景，如室内景致、家庭生活、人物肖像等。然而，他们并非简单地记录，而是将这些平凡的场景“神圣化”，赋予其更深层次的含义。通过对色彩、光影和构图的独特处理，他们将寻常的画面转化为充满诗意和象征性的意境。例如，维亚尔描绘的女性肖像，常常在温馨的居家环境中，但画面中流露出的宁静、孤独或若有所思的神情，都充满了耐人寻味的艺术感染力。同时，纳比画派也受到了象征主义的影响，他们常常在作品中融入宗教、神话、寓言等元素，通过视觉符号来表达抽象的情感和哲学思考。 三、 风格的多样性与共同的创新精神 尽管纳比画派的成员们共享着相似的艺术理念，但他们的个人风格却呈现出鲜明的多样性，这使得整个画派更加丰富多彩。 保罗·塞律西耶（Paul Sérusier）： 作为画派的理论奠基人之一，塞律西耶的作品充满了神秘主义和象征主义的色彩。他的《护符》被视为纳比画派的宣言之作，其大胆的色彩运用和平面化的构图，对后来的艺术家产生了深远影响。 皮埃尔·博纳尔（Pierre Bonnard）： 博纳尔以其对色彩的极致运用而闻名。他的作品充满了鲜活的生命力，色彩明亮、饱满，如同大自然的颂歌。他对光影的独特处理，以及对生活细节的敏锐捕捉，使得他的作品具有独特的魅力。 爱德华·维亚尔（Édouard Vuillard）： 维亚尔的作品以其细腻的情感和温馨的氛围著称。他擅长描绘室内场景和人物肖像，通过柔和的色彩和巧妙的构图，营造出一种宁静、私密而又充满诗意的空间。 莫里斯·丹尼斯（Maurice Denis）： 丹尼斯是纳比画派的重要理论家和画家。他的作品在色彩和形式上都进行了大胆的探索，同时也融入了大量的宗教和象征主义元素。他对于艺术本质的深刻思考，为纳比画派提供了重要的理论支持。 保罗·朗塞（Paul Ranson）： 朗塞是纳比画派的早期成员，他的作品风格独特，常常带有东方韵味和装饰性。他创立的“纳比画室”，成为了画派成员们交流和学习的重要场所。 除了这些核心成员，还有许多艺术家受到了纳比画派的影响，并在自己的创作中融入了他们的艺术理念，共同推动了艺术的进步。 四、 艺术遗产的传承：对现代艺术的深远影响 纳比画派虽然在历史上存在的时间不长，但其艺术成就和影响却是深远的。他们对色彩、形式和表现手法的革新，为20世纪的艺术发展奠定了基础。 对色彩表现的解放： 纳比画派对色彩的独立价值的肯定，极大地解放了色彩的表现力，为后来的野兽派、表现主义等艺术流派的发展提供了重要的启示。 对形式语言的探索： 他们对平面化、装饰性形式的追求，以及对线条和构图的重视，深刻影响了装饰艺术、平面设计等领域，也为后来的抽象艺术提供了理论上的可能。 对日常生活的艺术化： 纳比画派将平凡的日常生活场景提升到艺术的高度，这种对生活的热爱和对细微之处的关注，也成为后来许多艺术家创作的重要主题。 对艺术精神的追求： 纳比画派对艺术的内在精神和情感表达的强调，始终是艺术发展过程中不可或缺的一部分。他们所倡导的“超越自然”的艺术理念，至今仍能引起艺术家的共鸣。 《纳比画派作品选》不仅是对这一重要艺术流派的梳理和呈现，更是对一次伟大艺术变革的回顾与致敬。通过欣赏这些作品，我们能够深入了解19世纪末20世纪初艺术的脉络，感受艺术家们不畏传统、勇于创新的精神，以及他们为人类艺术宝库留下的宝贵财富。这些作品，无论是在色彩的运用、形式的创新，还是在主题的选择上，都展现了艺术家们对艺术真谛的深刻洞察和不懈追求，它们至今仍能激发我们的思考，启迪我们的灵感，让我们在欣赏美的同时，也感受到艺术的生命力与时代的回响。

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这本书给我的最深印象，是一种强烈的“回归本质”的冲动。纳比派（Les Nabis）这个名字本身就带有一种神秘的、小圈子的色彩，而作品选集恰恰捕捉到了这种亲密感。许多画作的主题都围绕着私人化的空间——卧室、工作室、花园的一角，充满了生活气息却又被赋予了某种神圣感。我发现，当我不再用传统美学的标准去衡量这些作品时，它们的美感反而更加强烈地爆发出来。例如，那些女性形象的描绘，她们的姿态常常是沉静的、近乎冥想的，眼神里流露出一种超脱尘世的宁静。这让我联想到当时社会思潮中对现代生活疲惫感的反思，艺术家们似乎在用这种回归自然、回归内在的方式进行抵抗。这种内敛的、充满诗意的表达，远比那些呼啸而过的宏大历史题材更能触动人心，读完之后，感觉自己的心也跟着沉淀了下来。

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我得说，这本书的编排和印刷质量绝对是顶级的享受。装帧拿在手里就有一种沉甸甸的质感，仿佛捧着一份珍贵的历史文献。更让我惊喜的是，每一幅作品的色彩还原度极高，那些纳比派画家惯用的、那种介于印象派的明亮和象征派的幽暗之间的微妙过渡色，都被忠实地再现了出来。我花了好几个下午，只是对着其中几幅室内静物画出神。它们构图大胆，常常采用一种近乎宗教画般的垂直视角，将日常用品——一束鲜花、几本书、一把椅子——置于一个被光线和阴影戏剧化了的空间中。这不是简单的描摹，而是一种仪式感的营造。这些作品的细节处理极其精妙，那些细小的装饰图案，或是桌布上微妙的纹理，都显示出画家对平面构成和装饰艺术的深刻理解。我发现，这本书不仅仅展示了他们的绘画，更展示了他们如何试图将艺术融入生活的方方面面，这种全方位的艺术视野，非常值得细细品味和借鉴。

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坦白说，我最初是带着一种“凑热闹”的心态翻开这本书的，毕竟纳比画派在艺术史的舞台上似乎不像莫奈或塞尚那样光芒万丈。然而，这本书的编排策略非常高明，它通过精选的作品和克制的文字，成功地塑造了一个自洽的艺术世界。我尤其欣赏书中对“合成主义”的阐释。它不是简单地将不同元素拼凑在一起，而是一种有机融合，即将色彩的装饰性、线条的概括性与象征意义进行深度耦合。书中的配图，从早期的相对具象，到后期近乎图案化的风格，展示了一个清晰的进化路径。这些作品的魅力在于它们的“未完成感”——它们拒绝给观者一个明确的答案，而是留下广阔的想象空间。阅读过程中，我常常停下来，试图去解读那些看似简单却又意味深长的构图，每一次凝视，都能发现新的层次感，这是一种非常高质量的视觉阅读体验，远超我预期的收获。

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作为一名对艺术史有基础了解的读者，我原以为对纳比派的认识已经比较全面了，但这本书提供的深度解读让我大开眼界。它不仅仅罗列了主要作品，更穿插了大量当时评论家的独到见解和艺术家之间的书信往来片段。这些文字材料，如同显微镜一般，将艺术家们在创作理念上的分歧与共识展现得淋漓尽致。我尤其对他们如何处理“平面化”这一概念感到着迷。他们似乎在刻意避免三维空间的幻觉，而是强调画布作为“被覆盖的平面”的本质。这种对媒介本身的自觉，放在那个时代是非常前卫的。书中的论述清晰地梳理了他们如何从对高更的追随，逐步发展出自己独特的、更加强调装饰性和精神性的视觉语言。这种从“模仿自然”到“创造符号”的转变过程，在书中得到了非常详尽而富有逻辑性的阐述，读来让人对艺术的演变轨迹有了更立体的认识。

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这本《纳比画派作品选》简直是打开了我对十九世纪末法国艺术界的一扇窗，尤其是那些被学院派光环掩盖的、充满个人情感和象征主义色彩的探索者们。初翻阅时，我立刻被那种温暖而略带忧郁的色调所吸引。它不是传统写实主义那种冰冷的记录，而更像是画家们内心世界的私密日记。那些风景画，比如描绘布列塔尼乡村的场景，笔触看似随意，却精准地捕捉了光影变幻中流露出的精神性。特别是对人物形象的处理，往往带着一种略微夸张的、近乎插画般的扁平化，这使得画面中的情感表达更加直接、强烈。我特别欣赏那些作品中对“符号”的运用，每一个物件、每一种颜色似乎都承载着超出其物理形态的意义，引导着观者去追寻更深层次的哲学或宗教内涵。阅读这本书的过程，与其说是欣赏艺术，不如说是一场与艺术家心领神会的精神对话。他们那种对“自然”的重新解读，将自然的表象转化为一种内化的、主观的体验，对我这个习惯了宏大叙事的读者来说，是一种非常清新且富有启发的冲击。

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明信片啊。。。想了解纳比画派，结果居然这是本书，额。。。。

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今天突然在抽屉里翻出这套作品选里的四张片。。。。。。。。。。11年买的，那时候很喜欢，现在只剩下四张了。。。

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明信片啊。。。想了解纳比画派，结果居然这是本书，额。。。。

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这才叫色彩

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这才叫色彩