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出版者:中国美术学院出版社

作者:徐明慧

出品人:

页数:46

译者:

出版时间:2001-2

价格:12.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787810198882

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
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• 绘画技巧
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纸艺世界的奇妙旅程：探索立体造型的无限可能 本书并非关于色彩理论或绘画技巧的入门指南，而是带领读者深入探索纸艺（Papercraft）这一迷人领域的实践手册。我们将聚焦于如何利用最基础的材料——纸张，通过精密的切割、折叠、粘合与塑形，创造出令人惊叹的立体结构和栩栩如生的模型。 第一部分：基础奠基——从平面到立体的思维转换 在踏入实操阶段之前，理解纸张作为材料的特性至关重要。本章将详细剖析不同纸张的物理属性，如克重、纤维方向、韧性与挺度，以及这些特性如何影响最终模型的稳定性与细节表现力。 1. 纸张的“性格”与选择： 我们将深入比较铜版纸、卡纸、描图纸和特种艺术纸在进行不同工艺（如复杂折叠、曲线切割）时的表现差异。例如，高克重的卡纸如何支撑大型建筑模型的重量，而薄而韧的纸张如何适应精细的生物造型。 2. 核心技法解析： 详细图解并阐述支撑纸艺结构的三大核心技术： 精确的切割技术： 不仅仅是使用美工刀，更涉及刻痕线（Scoring Line）的深度控制、如何处理尖角和内角，以及运用激光切割辅助工具（如适用情况下的讨论）。 多维度的折叠艺术（Origami & Kirigami 基础）： 区分单次折叠与重复折叠的结构意义，重点讲解“山折”与“谷折”在构建空间曲面中的应用，以及如何避免纸张在折痕处的过度撕裂。 稳固的粘合策略： 讨论不同类型的胶水（白乳胶、快干胶、热熔胶）在不同接缝处的最佳使用时机和用量控制，强调“隐藏接缝”的工艺要求。 第二部分：结构搭建——几何学的纸上实现 纸艺的魅力在于它能将复杂的数学和几何概念转化为触手可及的实体。本部分将集中讲解如何理解和应用基础几何体来搭建复杂模型。 1. 多面体的构建与展开图（Nets）： 我们将以正多面体（如立方体、八面体）为例，详述如何从三维模型反推其二维展开图，并详细分析展开图中“出血位”（Flaps）的设计原则。同时，介绍如何处理非规则多面体的展开，例如在模型表面增加支撑肋。 2. 曲面造型的工程学： 如何用直线与平面模拟和近似一个光滑的曲面是纸艺的一大挑战。本章将介绍两种主要的曲面实现方法： 分面法（Faceting）： 将曲面分解成大量微小平面进行拼接，适用于机械或科幻主题的模型。提供一套计算和布局这些小面的方法论。 带状塑形法（Strip Bending）： 利用纸张的纤维延展性，通过精确的弧度切割和层叠，创建有机流畅的形态，如动物的身体或花瓣。 3. 内部支撑与稳定性设计： 一个成功的纸艺模型，其内在结构比外表更重要。我们将探讨如何在模型内部设置“骨架”或“加强筋”，特别是对于大型或悬空结构的模型，确保其在重力作用下不发生形变或坍塌。 第三部分：主题实践——从蓝图到成品 本部分通过三个不同难度级别的项目案例，将前两部分的理论知识融会贯通，指导读者完成具体的纸艺作品。 案例一：微缩建筑模型（入门级） 侧重于精确的尺寸控制和方正的连接技术。以一座简单的欧洲小木屋为例，重点训练读者对窗户、门洞等开孔的精确处理，以及如何确保屋顶与墙体的垂直度。 案例二：仿生动物模型（进阶级） 选择一只结构相对复杂的鸟类或昆虫作为对象。此项目旨在挑战读者在处理非均匀曲面和细微附件（如翅膀、触角）时的粘合与塑形能力。我们将详细分解动物骨架的“模块化”构建过程。 案例三：机械或幻想装置（高阶级） 这是一个考验结构力学和细节分层的综合项目，例如一个复杂的蒸汽朋克风格齿轮箱或科幻飞船的局部。重点在于部件的层次堆叠、活动部件（如可转动的炮塔或铰链门）的预留空间设计，以及如何使用不同厚度的纸材来表现材质的对比感。 第四部分：后期精修与材料拓展 模型完成后，细节的打磨决定了作品的最终观感。 1. 表面处理与质感模仿： 介绍如何利用涂料（如丙烯颜料）、砂纸或特殊涂层来改变纸张的原始观感，实现木纹、金属光泽或岩石粗粝感的视觉效果。讨论如何使用“做旧”技术增加模型的历史感和真实感。 2. 拓展材料的结合运用： 纸艺并非孤立存在。本章会指导读者如何巧妙地将金属丝、透明塑料片（用于制作窗户或透镜）以及LED微型灯光系统整合进纸艺结构中，提升作品的展示效果。 3. 工具与工作台的优化： 针对进阶创作者，提供一套高效的工作流程建议，包括如何维护精密切割工具、优化工作台的照明与防滑设置，以及建立个人化的图纸管理系统。 本书旨在成为纸艺爱好者从零起步，直至能够独立设计和完成复杂结构项目的实用参考书，强调“动手解决问题”的实践精神。

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我必须承认，在购买之前我曾对“入门”这个词抱有疑虑，通常意味着内容浅薄，经不起推敲。但《色彩技法入门》彻底颠覆了我的看法。它巧妙地融合了学术的严谨性与实践操作的灵活性。例如，在讲解“色彩的层次感”时，作者不仅提供了传统的三层或五层上色法，还提出了一种基于“视觉残留”原理的创新渐变技巧。这种技巧对于表现光滑的金属质感或湿润的皮肤非常有帮助，效果立竿见影。翻阅全书，你会发现作者仿佛能预判到读者在学习过程中会遇到的每一个技术难点，并提前准备好了解决方案。书中的配图质量极高，印刷清晰，色彩还原度令人信服，这对于一本关于色彩的书来说至关重要——如果书上的颜色都印错了，那所有的理论都将是空中楼阁。这本书的厚重感和内容密度，让它完全配得上“工具书”的地位，它将是我未来很长一段时间内案头必备的参考资料。

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说实话，市面上关于绘画技巧的书籍浩如烟海，大多都流于表面，要么是纯理论的枯燥说教，要么是纯粹的“照着画”教程，真正能深入浅出地剖析“为什么”和“怎么做”的书少之又少。然而，当我翻开这本《色彩技法入门》时，我立刻感受到了它的深度和诚意。它的结构安排堪称教科书级别的严谨，但叙述语言却保持了一种近乎导师般的亲切感。我尤其对其中关于“色彩和谐与冲突”那一章节印象深刻。作者并没有简单地给出互补色或邻近色的定义，而是深入探讨了不同文化背景下对色彩的感知差异，这让我对色彩的理解不再局限在物理层面，而是上升到了美学和人文的高度。书中的案例分析更是精彩绝伦，选取了多个不同风格的经典作品进行拆解，清晰地展示了大师们是如何运用色彩来塑造情绪和引导视线的。对于我这种希望从模仿走向原创的进阶学习者来说，这种深层次的解析简直是如获至宝，它教会我的不是如何调色，而是如何“思考”色彩。

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这本新入手的画册真是让我眼前一亮！我一直都在寻找一本既能系统讲解基础理论，又能在实践中提供清晰指导的艺术入门书籍，而《色彩技法入门》恰好满足了我的需求。首先，它的排版设计极其用心，色彩的运用本身就是一种视觉的享受，让人在阅读过程中感到愉悦而非枯燥。书中对于色彩理论的阐述，从最基础的光学原理到心理感受，循序渐进，非常适合零基础的初学者。我特别欣赏作者并没有简单地堆砌复杂的术语，而是用大量生活化的例子来解释抽象的概念，比如用“夏日晴空”来比喻高明度的冷色调，用“秋日落叶”来描绘低饱和度的暖色组合。这种接地气的讲解方式，极大地降低了学习的门槛，让我很快就能理解并运用这些知识。更重要的是，书中提供的实操步骤详尽到令人感动，即便是面对复杂的调色盘，作者也能指导你如何一步步准确地调出所需的颜色，并且附带了大量的范例，让你知道如何将理论知识转化为实际的画面效果。这本书，无疑为我开启了一扇通往色彩世界的大门。

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这本《色彩技法入门》给我的感觉，就像是得到了一个耐心的、全知全能的私人教师的指导。我过去在尝试油画或者水彩的时候，最大的困扰就是“颜色总是不对劲”，调出来的颜色灰暗、混浊，或者饱和度失控。这本书直接针对性地解决了这些痛点。它的核心价值在于对“色彩的湿性处理”和“不同媒介的特性相容性”的探讨。比如，书中详细对比了水性颜料和油性颜料在干燥过程中颜色深浅的变化规律，以及如何根据这个规律提前调整初始用色，避免了后期修改的巨大工程。这部分内容在其他入门书中是极少涉及的。此外，作者还非常贴心地加入了关于“光照环境对色彩观察的影响”的章节，让我明白为什么在不同的光线下，我的画作看起来效果会天差地别。现在，我对着光线练习时，明显能感觉到自己对环境色的捕捉能力得到了质的飞跃。它不只是教我如何涂色，更教会我如何像一个真正的艺术家那样去“看”世界。

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从一个纯粹的视觉学习者的角度来看，《色彩技法入门》在“色彩心理学”和“应用场景”的结合上做得非常出色。它不仅仅局限于绘画，更延伸到了设计、摄影乃至服装搭配的领域。书中有一个章节专门分析了不同文化中对特定色彩的集体潜意识反应，比如红色在东方与西方的象征意义差异，这为我理解国际化的设计项目提供了极大的帮助。我曾尝试用书中的“色彩情绪板”快速构建一套网页界面的视觉方案，仅仅根据作者提供的几个关键词组合（如“信任”、“活力”、“静谧”），就能迅速搭建起一个稳定且富有感染力的主色调。这本书的价值在于它的广度和适用性，它将色彩从一种单纯的绘画技法，提升成了一种强大的沟通工具。它不仅提升了我的动手能力，更重要的是，它重塑了我对视觉语言的认知框架，让我明白色彩不仅仅是颜料的混合，更是情感和信息的传递载体。这本书的价值远远超出了其定价。

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