具体描述
作者简介
画家简介
宋 范宽（10世纪），华原人。名中正，字中立。为人风仪峭古，磊
落不拘世俗。山水师李成、荆浩，画山水认为“与其师人，不若师造
化”。后卜居终南、太华，置身自然，尽得画意。其用笔朴茂刚健，用墨
深厚明快。“对景造意，不取繁饰，写山真骨，自为一家”。《溪山行旅
图》构图厚重浑沦，令观者有真山压面之感，为中国绘画史上不朽名
作。
宋 郭熙（11世纪），温县人。字淳夫。画师李成，既运用淡墨手法，
又重视大气明暗的空间表现，创造理想化意境。《早春图》笔墨轻重适
宜，技巧娴熟，所作卷云皴，是对火成岩山峰的生动写照，为北宋画首
屈一指的精品。
宋 马远（12世纪中叶―13世纪上叶），河中人。号钦山。与夏圭同
为南宋画院后期的著名画家。画学李唐，精于山水，用焦墨画树石，以
大斧劈带水墨为皴。画峭峰直上不见其顶，或绝壁直下不见其脚，风格
独特，世称“马一角”。
元 黄公望（1269―1354），富阳人。字子久，号一峰、大痴道人。画
师董源、巨然，善山水。与吴镇、王蒙、倪瓒合为元“四大家”，居其冠
首。
元 王蒙（1308―1385），字叔明，浙江吴兴人。赵孟�的外孙，主要
师法赵孟�和 董源、巨然，而用笔从郭熙卷云皴中化出，开创了一种乱
头粗服的表现方法，最大限度地发挥了用笔用墨的效能。是元代富有
创造性的山水画家，为元代“四大家”之一。
元 倪瓒（1301―1374），无锡人。字元镇，号云林。性淡泊，好读书，
诗文风靡一时。信奉道教，后参禅学，晚年弃田宅求舟放情山水。《容
膝斋图》为云林72岁时所画。
明 沈周（1427―1509），长洲人。字启南，号石田、白石翁。山水袭
承家学，临宋元名迹得其变化之妙，早年学王蒙，中年师法黄公望，晚
年以吴镇为宗，居明中期吴派主导地位。《庐山高图》是贺其师陈宽
70岁所画，以庐山主峰喻其师寿，成于石田41岁精力充沛时。巨幅细
笔为其早年难得之杰作。
明 董其昌（1555―1636），字玄宰，号思白，华亭（今松江）人。工画
山水，出入董、巨、倪、黄，后世称为“华亭派”。继承了元代山水画家在
纸本上干笔皴擦的技法，又汲取董源、巨然在绢本“水晕墨章”的用墨
方法。用笔松秀灵逸中有温雅拙厚之态。其艺术见解及艺术实践对清
代画坛有很大的影响。
明 蓝瑛（1585―约1666），字田叔，钱塘（今浙江杭州）人。初期遍
学唐、宋、元诸家，早年笔墨较为秀润，变化自如，框廓多用中锋，皴擦
处着意干笔。融宋、元人画法，自成一派。
清 僧弘仁（1610―1663），字渐江，别号梅花古衲。歙县人。明亡后
出家为僧。山水学倪瓒笔法，有时长笺巨幅，结构繁密，气势雄伟，又出
于倪法之外。他的画用笔刚劲，清逸、方整中有沉厚、苍劲、圆浑的拙
趣，看似简约，实含腴润，于瘦劲中见凝练。
清 髡残（约1612―1673），号石�，又号残道者，电住道人。俗姓
刘。原籍湖广武陵（今湖南常德）人。山水画风格雄奇磊落，画法“从元
人人手，力追北宋，气尚遒炼”，苍茫繁密，取法于王蒙；圆浑苍厚，则
近似沈周。山石多用披麻、解索一类皴法，惯用秃的中锋干笔，笔道显
得苍而毛。与石涛并称为“二石”。
清 朱耷（1626―1704），明宗室弋阳王裔孙，曾出家为僧，字个山，
号八大山人。画山水，学董其昌，上追黄公望。多取荒寒萧疏之景，寄情
于景，不落常套，自有创造。善用墨，尤以用笔见长，董其昌以淡毫取
润，八大山人干擦而能滋润明洁。笔情恣纵，不拘于法，苍劲圆秀，逸气
横生。
清 僧元济（约1642―约1718），号石涛，别号清湘老人、大涤子等
等。俗家姓朱，名若极，为明靖江王后裔，广西全州人。画风笔情纵恣，
淋漓洒脱，善用水墨。以生活感受为本自写性灵。山水画总体上讲是承
董源、巨然的“南画”体格，求苍茫、浑厚、柔润的情趣。天才横溢，为清
初极富创造性的杰出画家。
清 龚贤，字岂贤，号半千。昆山人，寓居金陵（南京）。其山水画的
特点主要表现在墨法的运用上。墨法从董源、巨然中变出，层层积染，
沉雄深厚，有苍润韵致，后世称为“金陵八家”之一。
清 王�（1632―1717），字石谷，号耕烟老人、剑门樵客、乌目山
人。善山水，为清初正统派的代表人物。画风崇古保守，偏重于师法古
人，对宋、元名家潜心钻研，合南北画宗为一手，以“能”见长。客观地
评价王�：在全面研究继承传统绘画方面为后人作出了贡献，并能结
合真境抒写胸怀，其作品清丽隽永，有自己独到的感受。
近代 黄宾虹（1865―1955），字朴存，号宾、予向。浙江金华人。自
叙“先摹元画，以其用笔、用墨佳；次摹明画，以其结构平稳、不易人邪
道；再摹唐画，使学能追古；最后临摹宋画，以其法备变化多。”生平
遍历祖国名山大川，对古代画论的分析，颇多独到的见解。山水画善积
墨，浓墨苍润，浑厚华滋，独具风格，继承传统而能推陈出新，为近代山
水画大师。
近代 黄秋园（1914―1977），字明琦，号大觉子、半个僧、清风老人
等。江西南昌人。未经名师，业余作画。主张先临摹、师古人而后写生，
师造化。取宋元之法，“能深刻领悟‘二石’的丘壑不泥形而取神，笔
墨尚写心而状物的精诣”，融笔墨丘壑为一体。李可染评其画“有石笔
墨之圆厚，石涛意境之清新，王蒙布局之茂密，含英咀华，自成家法。苍
苍茫茫，烟云满纸，望之气象万千，扑人眉宇”。为现代山水画大家。
目录信息
读后感
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用户评价
我是在一个手艺人朋友的推荐下接触到这本书的，他当时说这本书对“观察力的训练”有奇效。我一直对色彩搭配颇有研究，自诩对红黄蓝的微妙关系有着自己的理解，但这本书彻底颠覆了我对“色彩”的传统认知。我本来预期看到的是关于三原色、补色、对比色的系统论述，或者至少是一些关于如何调配出特定颜色的配方。结果，这本书的内容更像是对光线在不同材质表面折射、漫射后所产生的“视觉感受”的记录。例如，其中对一块旧木板的处理，它没有用任何复杂的技法去描绘木纹，而是通过极其微妙的、几近于同一色调的深浅变化，让你真切感受到木头那种被时间打磨过的温润质感。这种处理方式，让我开始反思自己过去过于依赖颜料本身固有色来作画的习惯。它似乎在提醒我，真正的色彩，并非存在于颜料管中，而是存在于光线与物体接触的那个瞬间，以及我们眼睛所接收到的信号中。这种对“瞬间性”的捕捉，使得整本书的调性显得既古典又现代。它不像那些速成的教学书那样急于给出结论，反而更像是在提问：你真的看到你所画的那个苹果的颜色了吗？它不是一个简单的红色，它有着周围环境的微弱反射，有着自身表皮的蜡质光泽，以及被光线照射后产生的微妙蓝色阴影。这本书的价值，或许就在于它将一个原本技术性的领域，提升到了哲学思辨的高度。
评分说实话，这本书的“教学”成分是我最不满意，但也最欣赏的地方。我买来是想速成一下素描或色彩技巧的，结果发现它更像是某种“匠人精神”的记录文档。我翻遍全书，没找到“如何握笔”、“如何调出特定色号”之类的实操建议。如果一个完全没有基础的新手拿到这本书，可能会感到无所适从，甚至会觉得作者是在故弄玄虚。然而，随着我反复阅读和对比书中的作品与我自己的习作，我逐渐领悟到，这本书真正的“教学”在于其“示范”的极高标准。它展示的是一种可以达到的、近乎完美的视觉呈现效果，这种效果是通过极度专注和长期的积累才能达到的。它更像是一份“目标蓝图”，而不是“操作指南”。这种“只展示结果，不解释过程”的手法，迫使读者必须自己去思考和试验。比如，书中对一个梨子的描绘，其表面的微小瑕疵和凹凸感，通过色彩的细微波动表现出来，而不是用线条勾勒。这种微妙的处理，让我明白了传统绘画中那种“神似”的重要性远超“形似”。这本书考验的不是读者的模仿能力，而是其内心的耐心和对美的永不妥协的追求。
评分这本书的装帧设计本身就是一种视觉体验。纸张的质感非常厚重，印刷的色彩还原度极高，几乎能让人感受到原作的呼吸。我特别喜欢它选取的静物主题——它们都极其日常化，没有宏大的叙事，没有戏剧性的冲突，只有水杯、水果、布料、器皿。然而，正是这种“平凡”的主题，让作者有空间去挖掘它们深层次的美感。我注意到，书中对“空”的处理也十分出色。很多画面留白的处理，并非简单的背景虚化，而是通过对比，反衬出主体物体的存在感和分量。这种对空间感和“留白艺术”的运用，让我联想到了东方美学中的意境表达。整本书传递出来的是一种非常内敛、沉静的气质，它不会用刺眼的颜色或夸张的对比来吸引眼球，而是邀请你走近、再走近，直到你发现那些隐藏在平凡之下的、关于光、关于物质、关于时间流逝的秘密。对我而言，这本书更像是一本能够净化心灵的艺术品，它提供的不是速成的技巧，而是一种持续终生的、对“观看”的重新定义。每次翻阅，都能从同样的画面中读出新的感悟，这是任何一本纯粹的工具书所无法比拟的深度。
评分作为一名平面设计师，我购买这本书的初衷是想从中汲取一些高级的视觉灵感，特别是在处理品牌视觉中的“质感”表达时。我经常需要在屏幕上模拟出丝绸的光滑、陶瓷的温润或金属的冰冷，而这本书，虽然主题是静物，却为我打开了一扇通往“材质美学”的大门。书中描绘的那些日常物件，比如一只玻璃花瓶，它的透明度、折射度和对背景的干扰，被处理得极其精妙。我仔细研究了作者如何用最少的笔触来定义一个复杂的材质，这对我冲击很大。在设计中，我们常常陷入过度描绘的误区，试图用大量的细节去堆砌“真实感”，但这本书展示了“减法”的力量。它教会我，材质的辨识度往往不在于描绘多少细节，而在于准确捕捉其“光泽的属性”。例如，金属的高光是锐利而集中的，而绒布的光泽则是弥散且柔和的。这本书没有提供任何关于如何使用软件或工具的指导，但它通过对光影物理特性的精准拿捏，让我对如何用数字工具来重现这些自然现象有了更深层次的理解。它让我从一个“软件操作者”的心态，转变成了一个“光线观察者”的心态，这对于任何视觉创作者来说，都是一次宝贵的升级。
评分这本书的封面设计着实吸引人，那种低饱和度的色彩搭配，让人一眼就觉得内心宁静。我原本是抱着学习绘画技巧的目的买的，期待能从中找到一些突破瓶颈的灵感。然而，当我翻开第一页，映入眼帘的并不是复杂的构图讲解或是光影关系的解析，而是一系列看似随意的、却又暗藏玄机的静物组合图。我原以为是教学作品集，却发现每幅画作的旁边，几乎没有太多的文字说明，只是一些简单的标题，比如“午后光影”或是“静默的果实”。这种克制到近乎冷淡的呈现方式，让我一开始有些摸不着头脑，甚至怀疑自己是不是买错了一本艺术家的个人画册。我尝试去模仿其中一组茶具的描绘，发现即便是最简单的马克杯和茶壶，作者在处理其表面的反光和纹理时，都展现出一种近乎虔诚的细致。这种细致并非单纯的技术展示，而更像是一种对物体精神的捕捉，让人在临摹的过程中，不得不放慢自己的呼吸和笔触，去感受物体本身存在的“重量”与“温度”。这本书更像是一本引导性的冥想录，而不是一本技术手册。它没有直接告诉你“怎么做”，而是通过展示“已经完成的”极致美感，让你在潜移默化中去追寻那种“为什么会美”的答案。对于初学者来说，这可能会是一种挑战，因为缺乏清晰的步骤指引；但对于已经有一定基础，渴望提升审美境界的画者来说，它提供了一种全新的、向内探索的视角。
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