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出版者:吉林美术出版社

作者:（英）De Agostini出版公司

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2001-06

价格:15.00

装帧:铜版纸彩印平装

isbn号码:9787538608519

丛书系列:西洋美术家画廊

图书标签:

• 艺术
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• 美术画廊
• 现实主义
• 库尔贝
• Courbet,Gustave
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• *长春·吉林美术出版社*
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东方艺术的千年回响：中国古代绘画艺术流变史 本书导读： 《东方艺术的千年回响：中国古代绘画艺术流变史》是一部全面梳理和深入剖析中国绘画发展脉络的鸿篇巨制。本书摒弃了传统艺术史著作中常见的简单罗列和浅尝辄止的叙述方式，而是以高度的学术视野和深厚的文化底蕴，构建了一个宏大而精微的中国古代绘画知识体系。它不仅是一部艺术史，更是一部理解中国哲学思想、社会结构、审美情趣乃至士人精神世界变迁的文化史。 全书分为七个部分，层层递进，以时间为轴，以风格流派为纲，以核心技法和美学思想为内涵，为读者描绘出一幅波澜壮阔的中国绘画长卷。 --- 第一部分：源头活水——史前与先秦的萌芽与雏形 本部分深入探讨了中国绘画艺术的史前基因。我们从新石器时代的彩陶纹饰中寻找最早的几何抽象与图腾崇拜的印记，这些早期符号的组合，蕴含着古人对自然力量的敬畏与沟通的渴望。接着，书中细致考察了商周青铜器上的饕餮纹饰与宴乐图像，阐释了它们如何从实用性装饰向叙事性、象征性图像转化的关键一步。 特别值得一提的是，本书将大量篇幅用于分析帛画的发现与研究。从长沙子弹库楚墓出土的《人物龙凤图》和《人物御车图》中，学者们得以窥见战国至秦汉时期，“意在笔先”的早期雏形，以及色彩运用和线条勾勒中蕴含的浪漫主义色彩与神人观念。我们通过对这些早期遗存的细致摹写与风格比对，力求还原出那个充满神秘主义色彩的艺术开端。 第二部分：奠基与定型——魏晋南北朝的“骨法用笔”与精神觉醒 魏晋南北朝是中国思想史和艺术史上一个至关重要的转型期。在这一时期，随着玄学清谈的兴起和佛教的传入，绘画不再仅仅是记录事件或神佛的形象，而是开始承载深刻的个体精神体验。 本书将重点聚焦于顾恺之的“传神写照”理论，详细解析“以形写神”的内涵，探讨其如何从道家“得意忘形”的思想中汲取养分。通过分析《洛神赋图》的残卷或摹本，我们拆解了顾恺之如何通过线条的顿挫提按来表现人物的内在情绪与气质。此外，佛教造像艺术对绘画的影响是本章的另一大亮点，从敦煌早期的壁画风格中，可以看到外来艺术与本土笔墨技巧的艰难融合与本土化过程。 第三部分：盛世气象——唐代人物画与山水画的勃兴 唐代是中华帝国气象万千的时代，其绘画艺术也达到了前所未有的高度。本书将唐代绘画划分为人物画的鼎盛与山水画的初创两个维度进行阐述。 在人物画方面，我们重塑了吴道子“吴带当风”的艺术面貌，探究其将宗教题材世俗化、赋予人物以生命动感的技巧，并将其与周昉的“丰肥秾丽”的仕女画风进行对比，展现盛唐审美趣味的多元性。 山水画部分，本书着重分析了李思训父子的“金碧山水”如何奠定了中国山水画的早期风格，以及王维开创的“水墨为上”的文人画倾向的萌芽。通过对壁画和卷轴画的比较，我们清晰地勾勒出唐代绘画从工整写实向写意精神过渡的轨迹。 第四部分：技法革新与文人精神——五代两宋的审美高峰 宋代，尤其是北宋，被公认为中国绘画的黄金时代。这一时期的艺术成就，与宋代理学的发展、士大夫阶层的崛起紧密相关。 本章的核心在于对“意境”的哲学探讨。我们详细解读了郭熙《林泉高致》中关于“可行、可望、可游、可居”的山水哲学，并将其与范宽雄浑壮阔的北方山水（如《溪山行旅图》）进行对照分析，展现了画家如何将个人的宇宙观投射于自然山水之中。 在写生与学院派方面，院体画的精致入微被推向极致，以徽宗瘦金体为代表的院体审美趣味，体现了宋代对物象精微观察的追求。同时，本书也论证了米芾父子“米家山水”中，笔墨语言的探索性，预示了元代水墨画的自由精神。 第五部分：水墨的解放——元代的“写意”革命与士人自画 元代是艺术史上的一个重要转折点，标志着文人画体系的最终确立和独立。本书认为，元代画家在政治失意后，将绘画彻底从服务于宫廷和贵族的工具，转变为抒发个人情操、表现人格操守的载体。 我们系统梳理了“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的艺术思想与笔墨特征。特别着重于倪瓒的“简笔”与“空寂”如何成为其高洁人格的视觉符号，以及黄公望的“皴法”如何将山水画的笔墨表现力推向新的高度。此外，本书还辨析了赵孟頫“复古”主张对后世书法入画的影响，强调了“书画同源”理论在元代的成熟。 第六部分：地域与流派的争鸣——明代的南北分宗与创新 明代绘画呈现出复古与革新并存的复杂局面。本书清晰划分了“南宗”与“北宗”两大脉络，探讨它们在美学观念和技法运用上的差异。 “吴门画派”（代表人物沈周、文徵明、唐寅、仇英）继承元代文人画衣钵，并将其与宋代院体精工结合，形成了既有文人雅致又不失工巧描绘的成熟体系。 与此同时，本书深入剖析了董其昌的理论贡献，他提出的“南北宗论”虽然在学术界存在争议，却深刻影响了明末清初的绘画理论。我们分析了董其昌如何通过“董家样”的笔墨语汇，试图建立一种超越地域、注重笔墨趣味的全新体系。 第七部分：笔墨的深化与传统的自觉——清代绘画的多元发展 清代绘画在康熙、乾隆盛世下，艺术思潮愈发多元。一方面，宫廷画家承继了院体的精致，将中国传统绘画的写实功力推向极致。另一方面，以“四僧”（石涛、八大山人）为代表的前朝遗民艺术家，将亡国之痛转化为极具个人风格的颠覆性笔墨。 石涛对“一画”哲学的探索，打破了传统界限的束缚，其泼墨与造型的自由奔放，展现了对前人技法的彻底消化与重构。而八大山人的“白眼向天”的孤傲形象，则通过极简的造型和强烈的对比，表达了深沉的个体悲剧感。 本书的结尾部分，聚焦于“扬州八怪”，分析他们如何以世俗化、个性化的题材（如花鸟画的夸张变形）来反抗僵化的正统画风，为近代中国绘画的转型做好了必要的艺术准备。 --- 结语： 《东方艺术的千年回响》不仅详述了中国绘画的历史进程，更试图揭示“笔墨”这一核心载体如何贯穿千年，成为中国人表达天地、观照内心世界的独特方式。通过对不同时期风格流变的深入分析，读者将得以领略中国古代绘画艺术所蕴含的独特东方智慧与永恒魅力。全书配有大量高清图例分析，辅以严谨的文献考证，旨在为艺术爱好者、专业研究者提供一个全面、深入且富有启发性的阅读体验。

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说实话，我原本对“西洋美术家”这类书抱持着一种敬而远之的态度，总觉得里面充斥着只有学院派才能理解的术语，生怕自己看不懂那些复杂的构图分析和象征意义。然而，这本册子的编排方式完全颠覆了我的印象。它的排版设计极具巧思，留白恰到好处，让那些原本密不透风的艺术史知识变得可以呼吸。我最欣赏的是它对艺术家个人生平与创作高峰期的关联性描写。例如，在讲述某一时期荷兰画家的作品时，它并没有停留在描绘日常生活的表面，而是深入挖掘了当时社会结构和宗教氛围如何塑造了他们对“真实”的理解。那种细腻的笔触，让人感觉自己不是在看画，而是在参与一场跨越时空的深度访谈。这本书的语言风格是那种沉稳而又不失温度的，像一位经验丰富的策展人在耳边轻声讲解，既有学者的严谨，又有引人入胜的叙事魅力。

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这本厚厚的画册，光是捧在手里，就能感受到纸张的质感和油墨的沉静。我原以为这是一本图录集，没想到它更像是一部流动的史诗。从文艺复兴的曙光，到巴洛克的光影交错，再到印象派那令人心醉的色彩斑斓，每一页都像是时间的一扇窗，让我得以窥见那些巨匠们创作时的心境。尤其是对提香晚期作品的解析部分，没有过多晦涩的理论，而是用一种近乎叙事的口吻，描绘了那种在金色光晕中逐渐消融的生命力，那种色彩的厚重感，仿佛能穿透纸面，直达我的灵魂深处。我尤其喜欢它对不同画派之间影响脉络的梳理，它不是简单的罗列作品，而是构建了一个庞大的艺术生态系统，让你明白为什么某个运动会催生出下一个，那种传承与反叛的张力，让人读来拍案叫绝。这绝对不是那种可以快速翻阅的书，它需要你慢下来，像对待一位老朋友那样，去品味每一笔、每一道光影背后的故事与哲思。

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这本书的阅读体验，对我来说更像是一次精神上的漫游。我很少在一本书里找到如此强大的代入感。它不只是展示“这是谁的作品”，更着重于回答“他们为什么这么画”。我花了好几天时间沉浸在关于后印象派转折点的章节里。梵高和高更那种强烈的、近乎偏执的艺术追求，在这本书里被描绘得入木三分。作者似乎对艺术家的内心世界有着惊人的洞察力，他们笔下的那些天才们，不再是高高在上的神祇，而是有血有肉、挣扎于创作泥淖中的凡人。尤其是对那些失败的尝试和被时代遗忘的尝试者的篇章，更是充满了对艺术道路上孤独探索者的敬意。这种人文关怀的深度，远超出了普通艺术史书籍的范畴，让我对这些名字背后的精神力量产生了由衷的敬佩。

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我一直是个偏爱素描和雕塑的读者，对于油画中那些过于绚烂的色彩常常感到有些不知所措。但奇怪的是，当我翻开这本画廊集时，那些原本让我感到压力的色彩反而变得有逻辑可循了。它似乎有一套独特的“色彩解码器”，尤其是在介绍浪漫主义和象征主义画作时，它对色彩的心理学解读非常到位。比如，它能清晰地阐释出德拉克洛瓦笔下的红色是如何燃烧着激情与反抗，而勃克林笔下的暗蓝又是如何凝固着对死亡的沉思。这种对视觉语言的深度剖析，极大地拓宽了我对“美”的边界。更值得一提的是，这本书的装帧质量高得惊人，印刷色彩还原度极高，那些原本应该在博物馆才能近距离欣赏的笔触细节，在这本书里都得到了最大程度的再现。这简直就是一台可以随身携带的微型美术馆。

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我通常对需要大量背景知识才能理解的书籍感到畏惧，但这本书的结构设计非常人性化。它巧妙地采用了“主题优先于时间线”的叙事方式，让我在不同时期和流派之间自由穿梭，而不会感到迷失方向。比如，我可以先深入了解某一特定主题——比如“光线的处理”——然后这本书会带着我对比不同时代，从卡拉瓦乔的极端明暗对比，到透纳对自然光线的捕捉，再到莫奈对瞬间光影的捕捉，这种跨越世纪的对话，构建了一种奇妙的共鸣感。这种组织方式极大地激发了我主动探索的欲望，它不是填鸭式地灌输信息，而是像一个经验丰富的导游，指引你发现不同展厅之间的关联。对于初学者来说，它提供了清晰的路径；对于资深爱好者来说，它提供了重新审视经典的独特视角。这本书，绝对是书架上不可或缺的瑰宝。

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