李成.晴峦萧寺图

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出版者:湖北美术出版社
作者:陈磊
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2000-02
价格:25.00
装帧:平装
isbn号码:9787539409306
丛书系列:
图书标签:
  • 书画
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具体描述

石膏像素描

宋克静

在整个基础素描写生训练中,石膏像写生是一个重要环节。由于

石膏是静止不动的,有助于学画者对其形体作较长时间深入的观察、

研究、分析和理解,从而达到所要求的学习目的。

要画好石膏像素描,就必须在写生训练中把主要注意力集中到认

识画面的整体与局部的统一关系上来。提高画者准确的观察能力、理

解能力及表现能力。锤炼既能把握整体造型特点、色调空间层次、量

感、质感等,又能作细致深入刻画细节的硬功夫。同时,通过学画石

膏像,可使学画者了解人物的基本形体构造和造型中的一般规律性要

领,为今后画人像打下坚实的基础。

工具选择与准备

初学画石膏像阶段,在工具选择上最好使用铅笔。铅笔按硬软度

分为许多种。最硬的可选到“2H”,最软的可选到“6B”。硬软度不同,

作画时的使用也相对有所区别。如:较软的铅笔多在起稿时和涂形体

暗部大块色调时使用;较硬的铅笔更多在画形体的亮部或刻画细节中

使用。在选择铅笔、纸张作为绘画工具材料时,要注意它有其自身的

黑白色度特点,而这种黑白色度是有限的,要求作画者充分利用这种

有限的工具材料,去表现自然界无限的色阶和形体空间。

作画步骤

①观察:画石膏像前,首先要对所画的对象作全面认真的观察和

了解。在此前提下,选择确定最能表现其形象动态特征的作画角度。采

用抽象几何形体的观察方法,分析石膏像的基本形体构造。如:头呈

椭圆球形、颈呈圆柱形、胸或座子呈方形等。在思考这些形体的同时,

更重要的一点是要设想自己经营的画面效果,包括构图、形体、色调、

空间、主次等关系上的处理及表现方法。这种设想做得越充分,画好

一幅素描就越有把握。

②起稿:在动手作画前,要综合考虑石膏像的基本形态,再适当

地安排画面构图。构图要求饱满,注意上下左右的空距,一般整个石

膏像面积不要小于画面面积的二分之一。画构图的过程也是打轮廓的

开始。用直线画出石膏像的大体基本形,以及头、颈、胸的整体比例

关系和大转折体面关系。根据形体的结构、比例和透视关系,寻找确

定石膏像的主要结构骨点位置,其主要体现在头骨面部的额结节、眉

弓、颧骨、颏结节及下颌角处。这些骨点又是高点,在形体结构中是

不动的。头部的运动是以颈椎为圆心作左右运动和仰俯倾斜,而骨点

在头部的运动中只产生形体透视变化。为了找准这些关键的骨点,要

用直线寻找或弄清这些骨点之间的相互位置关系,同时这些骨点又将

制约形体中的构成及五官形象特征。骨点找准后,再进一步寻找内外

轮廓,把形象轮廓引向深入具体的层面。

石膏像上的骨点和高点如鼻头,凹点如内外眼角、左右嘴角等,

都是重要的位置,这些点将制约形体中的五官形象。

在作画时,任何一个形象都有一个视觉中心,这一中心往往是最

能引起注意的部分。在画石膏头像时,这个中心部分必然会集中在面

部五官上

在大体轮廓画准的基础上,进一步地画准面部五官的造型形象。

首先要准确画出面部中心处的两眉、两眼和鼻子间的造型关系。两眉、

两眼和鼻子构成的这一部位呈准三角形,同时又起着连结上下左右的

作用。有经验的画家往往把这个部位当作头部形象的支点看待。两眼

距离的宽度、鼻子的长度往往又是确定其他部位长度和宽度的比例标

准。若把这一部位的基本比例关系画错,那么其他方面就很难画准确。

另外,两眼和鼻子的角度走向最能体现形体的透视关系。因此,画准

这一部位显得尤为重要。

作画者在打轮廓时不仅要把形体比例、透视关系画准,而且要在

线条的运用上体现形体的纵深空间关系。因此,在用线表现形体轮廓

时应有轻、重、虚、实之分。说得具体点,就是离视点近的转折点线

应表现得清楚肯定,颜色也稍重些。离视点远的形应稍浅和弱一些。位

于形体高处的明暗转折线应重些实些,处于形体底下的明暗转折线可

浅可虚些。这样做可使形体产生空间和立体感,有利于及时判断形体

的正确与错误。

③涂大色调:形体的轮廓调整完后,开始涂大体明暗色调关系。

画大体明暗色调,应从明暗对比最为强烈、色调最深的部位画起。这

些部位往往离视点较近,又处在明暗交界线的位置上。一般从近处往

远处画,从深色调往浅色调画,逐渐拉开形体空间和色调层次的深浅

关系。为了有把握地作画,开始时,画出各部分的明暗交界线和投影

线,从视觉中心的五官画出初步的明暗色调,这一层色调关系可画得

浅一些。再次加深色调时,注意区别暗部色调中的明暗交界线、反光、

投影间的明度差别和虚实关系。在画背景色调时,靠近形体亮部边缘

的背景可稍画深一些,这样做是为了烘托形体亮部的形体。

在以后的作画过程中,每加深一层色调关系,形体内容就相对地

丰富具体一些。用这种方法作画容易控制画面,对初学者来说也易于

掌握。

④深入刻画:在深入刻画阶段,必须进一步加深对形体内容的理

解和认识。明暗色调的表现目的是刻画形体内容,而不单单是有深有

浅的颜色。为了加深理解,在深入塑造形体时,必须对这一阶段的主

要问题,即整体与局部的关系作认真地了解和研究。局部的形体变化

体现在局部色调对比上的变化,画面大形体的变化体现在整体色调的

对比和层次关系上。为在深入刻画时更准确地把握整体关系,作画时

要经常退后到一定距离观察画面的总体色调效果,或眯起眼睛观察整

体色调关系。这样可以及时调整画面中出现的各种问题,也可克服局

部观察所产生的盲目性。

除了在深入刻画中注意整体关系外,还要表现出石膏形体的坚实

感。不能把石膏画得软弱无力,像一团棉花,要做到宁方勿圆。尤其

是在表现呈圆形的大体面时,更要认真地做到这一点,使大效果上有

圆中见方的感觉。另外在视觉中心处,如眼睛、鼻子、嘴等部位,要

作重点细致的刻画。适当的分出更多的体面转折,形成丰富的过渡层

次,使形象更生动、更完美。

⑤调整完成:整理画面是完成一幅画的最后阶段。是对所表现物

形体本身与空间关系从大效果上对各局部、各方面作全面的调整。

在调整时,作画者要更多地从画面需要出发,强调或减弱某一局部色

调的深浅对比关系,从而获得所需要的画面效果。如:检查亮部的形

体色调关系,确认是否在深入塑造形体中将亮部画灰,失去了亮部色

调的节奏,造成了画面整体黑、白、灰三大关系的失调。这样,应及

时作亮部调整。一般暗部的反光要相对地减弱一些,细节也不宜过多

地强调,要求概括一点。此外、从虚、实,主、次关系角度上讲,形

体的亮部是实,暗部为虚,从主次上讲也是同一道理。总之,要使画

面形象更为突出又不失整体关系,做到这一点对一幅好的石膏素描是

非常必要的。

好的,这是一份关于不同主题图书的详细简介,不涉及《李成·晴峦萧寺图》的内容。 --- 一、 历史与文明系列 1. 《帝国黄昏:拜占庭的千年挽歌》 简介: 本书深入剖析了拜占庭帝国,这个横跨千年的东罗马文明的兴衰史。从君士坦丁大帝的奠基之始,到查士丁尼大帝的辉煌复兴,再到尼西亚帝国的苟延残喘,直至公元1453年君士坦丁堡的陷落,作者以细腻的笔触勾勒出帝国复杂而多舛的命运轨迹。 我们不再仅仅关注宏大的战役和帝王的功过,而是聚焦于塑造拜占庭社会的内在力量:东正教神学对国家政治的深刻影响,宫廷内部错综复杂的权力斗争(如伊庇鲁斯家族与帕拉奥洛戈斯家族的角力),以及其独特的法律体系和行政管理模式。 书中详细考察了拜占庭在文化、艺术和科技领域的卓越成就。例如,对圣索菲亚大教堂建筑艺术的解析,对“凤凰涅槃”式文化重建的探究,以及拜占庭手稿保存技术对西方文艺复兴思想传播的关键作用。 重点章节探讨了帝国末期,面对塞尔柱突厥、十字军东征以及最终奥斯曼帝国的步步紧逼时,拜占庭精英阶层在宗教、意识形态和军事战略上所做的艰难抉择。这是一部关于一个伟大文明如何在夹缝中求存,如何在坚守传统与适应现实之间挣扎的史诗,揭示了其衰亡背后,超越军事失败的深层文化与社会动因。 2. 《丝绸之路的拓荒者:粟特商人与欧亚贸易网络》 简介: 本书将目光投向了古代欧亚大陆贸易网络中最活跃、却又最常被忽视的一群人——粟特商人。他们并非强大的帝国统治者,却凭借着惊人的商业天赋和不屈的冒险精神,在公元四世纪到十世纪间,构筑了一条横贯中亚、连接罗马帝国与中华帝国的商业动脉。 《拓荒者》追溯了粟特人的起源地——今乌兹别克斯坦的粟特地区,详细描述了他们如何建立起遍布丝绸之路沿线的商业殖民地和贸易代理人网络。书中结合了最新的考古发现,如吐鲁番出土的粟特文书、敦煌的民间契约,还原了这些商队生活的真实面貌:他们如何应对沙漠中的恶劣环境、如何处理跨文化婚姻、以及他们信仰的琐罗亚斯德教(祆教)如何在东方生根发芽。 本书深入分析了粟特人在促进文化交流中的关键作用,他们不仅贩运丝绸、香料和贵金属,更是宗教思想、工艺技术(如玻璃制造、金属冶炼)和语言文字传播的载体。通过对粟特语族群的考察,我们可以理解一个“无国籍”的商业社群,如何在不同文明的碰撞与融合中,构建起一个高效且稳定的经济共同体。这部作品是对那些在历史大潮中默默推动全球化进程的小人物的致敬。 --- 二、 科学与思想系列 3. 《量子纠缠的哲学回响:从EPR悖论到多世界诠释》 简介: 本书旨在为非专业读者构建一座理解量子力学核心概念及其深远哲学意涵的桥梁。它从爱因斯坦、波多尔斯基和罗森提出的“EPR佯谬”开始,引导读者逐步进入量子世界那令人不安的“非定域性”与“不确定性”。 核心部分聚焦于“量子纠缠”这一奇特现象——两个粒子之间无论相隔多远,其状态依然瞬间关联。作者详细梳理了贝尔不等式实验如何确凿地证实了这种非定域性关联的存在,并解释了这如何挑战了我们对实在性(Reality)和局域性(Locality)的经典认知。 书中随后对主流的量子力学诠释进行了深入探讨和比较:哥本哈根诠释(概率性与波函数坍缩)、德布罗意-玻姆的导引波理论(隐藏变量)、以及休·埃弗雷特的“多世界诠释”(MWI)。作者以清晰的逻辑和丰富的比喻,展现了每种诠释在本体论(Ontology)和认识论(Epistemology)层面带来的巨大分野。 《哲学回响》不仅仅是物理学普及读物,它更是对“我们如何认识世界”的深刻反思。它探讨了观察者的角色、测量的本质,以及在微观层面上,因果律是否仍然是我们赖以理解宇宙的唯一基础。 4. 《气候变化与城市适应性:面向韧性未来的规划蓝图》 简介: 本书聚焦于全球气候变化背景下,特大城市群体所面临的严峻挑战及其迫切需要的适应性策略。这不是一本预警灾难的著作,而是一份聚焦于解决方案和城市治理模式创新的实用指南。 作者首先建立了详细的气候风险评估模型,分析了海平面上升、极端热浪、突发性强降雨以及城市热岛效应等因素对城市基础设施(交通、能源、水利)和公共卫生系统构成的复合威胁。 随后,全书的核心部分转向了“韧性城市”(Resilience City)的构建。书中详细介绍了全球领先城市在不同适应策略上的实践案例: 基于自然的解决方案(NbS): 如鹿特丹的“海绵城市”设计、新加坡对垂直绿化的创新应用,以增强生态系统的自我调节能力。 软基础设施的强化: 探讨了预警系统升级、社区层面的灾害管理网络构建,以及如何通过数据分析优化应急资源分配。 社会经济韧性: 关注气候变化对社会公平的影响,提出如何通过调整土地使用规划和保障弱势群体的住房安全,来减少气候不平等。 《规划蓝图》强调,城市适应性并非简单的工程加固,而是一场涉及技术、政策、社区参与和社会制度的全面转型。它为城市规划师、政策制定者以及关注可持续发展的公众,提供了一套系统化、前瞻性的行动框架。 --- 三、 文学与艺术系列 5. 《巴洛克音乐的戏剧性张力:卡瓦蒂的对位与情感表达》 简介: 本书专注于十六世纪末至十八世纪中叶的巴洛克音乐,特别是对意大利作曲家卡瓦蒂(假借此名,指代特定风格的代表人物)作品中“戏剧性张力”的解构。巴洛克音乐以其强烈的装饰性、宏大的结构和对听者情感的直接调动而著称,本书试图揭示其背后的数学结构与情感哲学的统一。 重点分析了卡瓦蒂在不同体裁中的创新:从清唱剧(Oratorio)中对叙事节奏的掌控,到奏鸣曲(Sonata)中对乐器声部的精妙配置。作者详细剖析了“对位法”(Counterpoint)在巴洛克时期的演变,阐释了如何通过不和谐音的精心运用和解决,来模拟人类内心的冲突与挣扎。 书中特别开辟章节探讨了“情感理论”(Doctrine of Affections)在巴洛克音乐中的应用,即通过特定的旋律动机、节奏型和调性选择,来象征和唤起特定的单一情感(如狂喜、悲伤或愤怒)。本书结合了乐谱分析与历史语境,帮助读者理解,巴洛克艺术的浮华外表下,蕴藏着对人类经验复杂性的深刻洞察。 6. 《魔幻现实主义的地理学转向:拉丁美洲的边界与记忆》 简介: 本书深入探讨了二十世纪中后期在拉丁美洲蓬勃发展的“魔幻现实主义”文学流派,但视角聚焦于其如何通过对特定地理空间(如亚马逊雨林、安第斯山脉的内陆小镇、加勒比海岸的港口城市)的描绘,来重塑历史记忆与民族身份。 魔幻现实主义的魅力在于将奇幻元素植入日常叙事,模糊了真实与虚构的界限。本书认为,这种文学手法并非简单的浪漫主义想象,而是对殖民历史、政治动荡以及多元文化冲突的深层心理投射。 书中选取了数部关键小说进行案例分析,探讨了“边界”主题:物质的边界(河流、山脉、城市与乡村的隔离)、时间的边界(历史的循环与中断)、以及精神的边界(本土信仰与西方理性之间的交织)。例如,对一个虚构的、被遗忘的村庄的描绘,实则是对国家核心叙事的一种挑战与颠覆。 《地理学转向》强调了文学空间是如何成为抵抗中心化历史叙事、维护地方性知识和个体记忆的强大工具。它揭示了魔幻现实主义文学如何通过地理意象的重塑,完成了一次深刻的文化“地理回归”。

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读后感

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用户评价

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从装帧设计的角度来看,这本图册无疑是收藏级的精品。纸张的选择非常考究,那种略带粗粝感的宣纸质地,完美地呼应了画作中那种古朴、沧桑的历史厚重感。装裱的工艺也体现了匠人的耐心与专业,尤其是对边框和留白的处理,达到了古典美学的极致平衡。每一幅图的色彩还原度都非常高,即便是最细微的赭石或花青的层次变化,也得到了精准的再现,这对于欣赏传统绘画来说至关重要。装订的细节处更是体现了对读者的尊重,翻页时手感舒适,没有廉价书籍的生硬感。这不仅仅是一本书,更像是一件精心制作的艺术品,值得放在书架上细细品味,供后人观瞻。它的物理形态本身,就已经是对所承载艺术价值的最好致敬。

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这部作品给我带来的震撼,主要来自于它对“时间感”的独特处理。它似乎能让观者跳脱出线性的时间概念,进入一种永恒的循环之中。画中描绘的景物,无论是参天的古树还是斑驳的石阶,都承载着漫长岁月的痕迹。画家似乎在用画笔记录的不是一个瞬间,而是无数个瞬间的叠加与消融。这种对历史的敬畏感,通过画面中那种静谧到近乎凝固的氛围传递出来,让人产生一种强烈的“在场感”,仿佛自己真的站在那个古老的山门前,感受着历史的回音。它的感染力是缓慢渗透的,初看可能只觉得景色优美,但多看几遍后,那种深藏于笔墨之间的“时间重量”便会逐渐显现,令人心生敬畏。

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读完这部作品的文本部分,我感受到的是一种近乎于哲学的沉思。作者的笔触非常克制,没有用华丽的辞藻堆砌,而是用一种近乎白描的手法,勾勒出在特定时间和空间下,个体精神世界的微妙波动。书中对于“空”与“有”的探讨,并非空泛的理论说教,而是巧妙地融入到对日常生活场景的描摹之中。比如,对一盏孤灯下僧侣独坐的侧写,那种沉静的力量几乎要穿透纸面扑面而来。它迫使我反思自己日常生活的匆忙和浮躁,重新审视那些被我们忽略的、构成生命底色的简单元素。语言的节奏感把握得极好,时而舒缓悠长,如溪水潺潺,时而陡然收紧,如同山间骤雨,这种韵律变化极大地增强了阅读的代入感和情感张力。这是一部需要静下心来,细细品味的内省之作。

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与其他追求视觉冲击力的当代艺术作品相比,这部画册展现出一种令人耳目一新的“内敛的力量”。它不喧哗,不张扬,所有的情感和意境都凝聚在那些看似不经意的笔触之中。例如,在描绘人物活动时,画中人物的姿态往往是背对或者侧对观者,这种处理方式有效地避免了叙事性带来的局限,而是将焦点完全聚焦于他们所处的环境和他们所散发出的那种与自然融为一体的禅意状态。这需要观者主动地参与进来,用自己的想象力和情感去填补那些留白之处。这种互动性,使得每一次观赏都成为一次独特的“再创作”体验,充满了探索的乐趣,也体现了高超的艺术驾驭能力,不愧为经典之作。

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这本描绘了壮丽山河与幽深禅意的画册,简直是视觉上的盛宴。翻开扉页,首先映入眼帘的是那层峦叠嶂,云雾缭绕的意境,仿佛能闻到松针的清香和寺庙香火的味道。画家对光影的把握极为细腻,特别是那晨曦初露时,穿过松林洒在古寺飞檐上的几缕金光,处理得既写实又富有诗意。这种对自然景色的刻画,远超出了单纯的“记录”,更像是一种心灵的对话。你看那几笔点苔的墨色,虽小,却极大地增强了画面的层次感和生命力,让人不由自主地驻足凝视良久,思考这人与自然、与古老文明之间的微妙关系。整幅作品布局大气磅礴,却又不失细节处的精致,展现了画家深厚的功底和对传统山水画精神的深刻理解。每一次翻阅,都能从中解读出新的韵味,每一次的感受都与上次不同,这大概就是优秀艺术品的魅力所在吧。

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