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出版者:湖北美术出版社

作者:邱久钦等编

出品人:

页数:252

译者:

出版时间:1999-04

价格:98.00元

装帧:精装

isbn号码:9787539408286

丛书系列:

图书标签:

• 民间
• 民间艺术
• 传统文化
• 美术
• 中国传统
• 民俗
• 艺术设计
• 手工艺
• 文化艺术
• 地方文化
• 装饰艺术

《古韵新声：中国古代音乐史纲》 内容简介 本书旨在系统梳理和深入剖析中国古代音乐自远古萌芽至清末民初的漫长发展脉络。它不仅是一部音乐史的编年史，更是一部探寻中华民族精神内核与审美变迁的文化史。全书以严谨的学术态度和生动的叙事笔触，力求展现中国古代音乐的恢弘图景及其对世界文明的独特贡献。 第一编 远古的滥觞与先秦的定型 本篇溯源至上古时代，探讨陶器、骨笛等早期乐器遗存所揭示的原始社会音乐形态。重点分析了“乐”与“礼”的早期结合，即夏商周三代礼乐制度的构建。详细阐述了《周礼》《礼记》中关于雅乐、军乐、宴乐的分类与规范，并结合甲骨文、金文中的乐器记载，复原了早期宫廷雅乐的宏大致骨。 紧接着，本篇聚焦先秦时期诸子百家的音乐思想。孔子“乐而不淫，哀而不伤”的儒家美学，庄子“听于无声，观于无形”的道家玄思，以及墨家对音乐社会功用的实用主义观点，构成了中国古代音乐理论的初始基石。通过对《诗经》中“风”、“雅”、“颂”的音乐特质分析，展示了早期诗歌与音乐的紧密互动关系。 第二编 秦汉大一统与乐律的规范化 秦汉帝国建立后，音乐管理机构的设置与乐律的统一成为重要议题。本书详述了秦朝对音乐的整理工作，并着重研究了汉代“太常”统领下的雅乐复兴与民间乐舞的蓬勃发展。对汉代画像砖、壁画中乐器组合、乐队编制的图像学分析构成本章的重要部分。 本篇深入探讨了汉代乐律学的重大进展，如对“十二律”的精确掌握与应用，以及“律吕调式”的理论成熟。同时，对“相和曲”等重要乐曲的文本与结构进行细致剖析，并引入了对西域音乐，特别是“胡乐”传入对汉代燕乐的影响，揭示了早期中外音乐文化交流的图景。 第三编 魏晋风度的飘逸与隋唐盛乐的辉煌 魏晋南北朝时期，社会动荡与玄学思潮的兴起，使得音乐审美转向注重个人情志的表达。本章细致描绘了“竹林七贤”等文人音乐家的创作心境，分析了“清商乐”的艺术特征，以及佛教音乐在南方的传播与本土化过程。琵琶、箜篌等外来乐器的融入，标志着中原音乐面貌的深刻变化。 隋唐时期，国力强盛，为音乐发展提供了空前的机遇。本书将唐代音乐划分为宫廷雅乐、燕乐和俗乐三个层面进行阐述。对唐代“教坊”的组织结构、乐工培养体系进行了详尽介绍。重点分析了唐代“燕乐”的曲目、曲牌结构及其“曲词”的文学价值。对白居易等诗人与音乐家的合作、对“霓裳羽衣曲”的理论重建尝试，构成本章的高潮部分。同时，也考察了唐代音乐对周边国家如日本、朝鲜的影响。 第四编 宋元词曲的兴盛与“戏曲音乐”的勃发 宋代，市民阶层的崛起推动了通俗音乐的繁荣。本篇将焦点置于“词”的音乐化过程。通过对宋词的格律分析，探究其与燕乐曲牌的对应关系，展现了宋代音乐的精致与婉约之美。对“诸宫调”的出现，标志着叙事性音乐形式的成熟。 元代，杂剧的兴盛使得“戏曲音乐”占据了主导地位。本章详述了元曲的声腔系统、板式变化以及角色行当的音乐演唱规范。通过对关汉卿、王实甫等大家作品中“唱”与“白”的比例分析，揭示了元代音乐在戏剧性表达上的突破。同时，简要回顾了宋元时期古琴音乐（如《神奇秘谱》所载）的传承与发展，展现了文人音乐的另一重要面向。 第五编 明清的集大成与宫廷的衰落 明代继承了元曲的遗产，并形成了更成熟的“南昆北弋”等戏曲声腔体系。本章重点分析了昆曲在音乐、唱法上的程式化发展，以及其对后世戏曲音乐的深远影响。对明代工匠精神在乐器制造上的体现，如制琴工艺的精进，也有细致的描摹。 清代，随着中央集权的加强，宫廷音乐（如南府、太常寺）仍保持一定规模，但创新力有所减弱。本篇侧重探讨清代地方戏曲声腔的勃兴，如京剧的形成，分析了徽汉合流后，京剧在音乐上的兼容并蓄与革新。对民间说唱艺术，如鼓词、弹词的记录与分析，则补充了主流音乐之外的社会音乐图景。最后，简要概述了清末西乐传入，对传统音乐理论和实践带来的冲击与挑战，为中国古代音乐史画上句号。 结语：遗音与未来 本书在梳理历史的同时，亦注重对历史文献、考古发现和现存乐谱的交叉印证，力求提供一个立体、可感知的古代音乐世界。全书辅以大量的图表、乐谱片段及重要器物图解，旨在为音乐史研究者、戏曲研究者及对中国传统文化有兴趣的读者，提供一部全面而富有启发性的参考著作。

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坦白说，我一开始对这类题材的书是抱持着一丝疑虑的，总担心它会沦为一本乏味的图鉴，或者充斥着晦涩难懂的符号学解读。然而，《民间美术》这本书却完全颠覆了我的预期。它没有强行将那些充满烟火气的艺术形式“学术化”，反而采取了一种非常贴近生活、带有温度的叙事方式。书中对于“活态传承”的关注尤其令人动容，它不仅仅展示了最终的成品，更深入描绘了这些技艺是如何在特定的社会环境中孕育、发展，并融入到人们的婚丧嫁娶、岁时节令之中的。举例来说，它对皮影戏中那些灯光、幕布与人物互动关系的描述，简直让我如同亲临现场，那光影变幻间，那些木偶仿佛真的有了灵魂，悲欢离合尽在其中。文字的运用极其精炼，绝不拖泥带水，寥寥数语，就能勾勒出一位老艺人手中那双布满老茧、却无比灵巧的手的形象。这种“少即是多”的表达哲学，恰恰是民间艺术精髓的最佳注脚。它让我们明白，真正的艺术，不一定非要被供奉在博物馆的展柜里，它也可以是灶台上那件色彩斑斓的陶罐，是墙角那盏驱邪纳福的灯笼。这本书的价值，在于它为我们重建了传统美学与日常生活的桥梁。

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这本书的结构安排，乍一看像是散乱的民间碎片集合，细品之下，却发现其内在逻辑严丝合缝，充满了匠心独运的编排智慧。它没有采用传统的“时间线”或“地域划分”的僵硬框架，而是以“功能”和“意象”为轴心，引领读者进入一个流动的民间审美世界。比如，关于“生殖崇拜”和“祈福禳灾”主题的章节，将不同材质（如砖雕、布艺、面塑）的艺术品汇集一处，让读者直观地感受到古人对生命延续和趋吉避凶的集体无意识投射。这种跨媒介的对比分析，极大地丰富了理解的维度。我特别欣赏书中对“色彩学”的民间运用解析，那些看似随意的红黄蓝绿，背后其实是遵循着古老的阴阳五行和物候规律，这部分内容写得极为透彻，既有理论支撑，又不失趣味性。读到后期，我甚至开始反思我们现代设计中对色彩的肤浅运用。这本书最成功的一点在于，它没有把自己定位成“评判者”，而是充当了一个“引介人”，它只是谦卑地呈现，然后把解释的权力还给读者，任凭我们根据自己的生活经验去与之共鸣。

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这本《民间美术》的装帧设计真是让人眼前一亮，那种带着泥土芬芳和岁月沉淀的质感，仿佛一下子就把你拉回到了遥远的乡间小院，空气里弥漫着手工制作的温暖气息。从封面那几抹粗粝却又饱含生命力的色彩中，我看到了那些代代相传的匠人精神，他们没有学院派的雕琢，却有着直击人心的淳朴力量。内页的纸张选择也十分考究，微微泛黄的色调，让那些木刻、剪纸、刺绣的图片显得更加有历史的厚重感，不像那些光鲜亮丽的当代艺术品，它更像一本老相册，每一页都藏着一个家族的故事。书中的排版布局也很有意思，没有那种密密麻麻的学术理论堆砌，而是留足了“呼吸”的空间，让人可以静下心来，细细品味那些花鸟虫鱼、神话传说如何在民间艺人的手中幻化为现实的图腾。我特别喜欢它对不同地域纹样差异的呈现，比如陕北的剪纸如何粗犷热烈，而江南的苏绣又是如何细腻婉转，这种对比不仅仅是技法的不同，更像是地域性格的直接投射。这本书更像是一份邀请函，邀请我们放下手机，用指尖去感受那种未被工业化完全侵蚀的、活生生的美学传统。读完之后，你会发现，那些我们日常忽略的窗花、泥塑、乃至农具上的雕刻，原来都蕴含着如此深厚的文化密码，让人不由得心生敬畏。

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这本书的文字功底深厚，但绝非故作高深，它成功地做到了“雅俗共赏”的平衡。它的行文风格时而如山涧清泉般灵动跳脱，带领读者在不同的艺术形态间自由穿梭；时而又如老旧的磨刀石般沉稳厚重，对一些核心的民间信仰和符号进行深入的剖析。我个人对其中关于“民间叙事”的梳理印象最为深刻。它将那些散见于戏剧脸谱、年画、乃至家具装饰上的故事片段，串联成了一部宏大的、口述的民间历史。你会发现，那些看似重复的图案，其实是不同地区对同一主题（比如“送子”或“丰收”）的地域性变奏。这种组织方式非常聪明，它避免了将民间艺术碎片化处理的弊端，而是强调了它们作为一个统一文化体系的内在关联性。阅读过程中，我多次停下来，拿出手机去搜索书里提到的那些具体的窑址或村落，这种强烈的探寻欲，正是这本书的成功之处——它激发了读者对真实世界的探索热情，而不是仅仅停留在纸面的知识获取。它不仅是一本介绍民间美术的书，更像是一张通往传统文化腹地的“探险地图”。

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拿到这本《民间美术》时，我就有一种强烈的预感：这绝不是那种能在图书馆快速翻阅完毕的书籍，它需要时间去“消化”。尤其是其中关于特定工艺制作流程的详尽记录，简直是教科书级别的细致。譬如，描述一件扎染作品从选料、浸泡、捆扎到最后染色的每一步骤，文字的精确度仿佛让人能闻到靛蓝染料特有的味道，感受到布料纤维被紧紧收束时的阻力。更难能可贵的是，作者没有停留在工艺的表层，而是探讨了这些工艺背后蕴含的“时间观”。民间艺术往往是慢工出细活，它与现代生活的快节奏格格不入，而这本书通过对这些“慢节奏”的描摹，实则是在批判性地反思我们这个时代对效率的过度崇拜。书中插入的一些对老艺人的访谈录，更是点睛之笔，那些朴素的语言、对天时的敬畏、对自然的顺从，比任何宏大的理论都更具说服力。读完这部分内容，你会由衷地感到，那些流淌在指尖的智慧，才是真正难以被复制的“非物质遗产”。

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