民间皮影 中国民间美术丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:湖北美术出版社

作者:李绵璐

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-03

价格:22.00

装帧:平装

isbn号码:9787539409481

丛书系列:

图书标签:

• 皮影
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• 美术之概论
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• 非物质文化遗产
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好的，这是一份针对《民间皮影 中国民间美术丛书》之外的其他图书的详细简介，内容力求丰富，不含任何关于皮影戏或该丛书的信息。 --- 《丝路遗珍：敦煌壁画中的佛教造像艺术探微》 引言 敦煌莫高窟，这座位于古丝绸之路咽喉地带的艺术宝库，以其跨越千年的壁画、塑像和建筑，向世人诉说着信仰的传承与艺术的辉煌。本书并非简单地罗列壁画的图像，而是聚焦于敦煌艺术的核心——佛教造像，深入剖析其在不同历史时期（从十六国到元代）的演变脉络、审美特征及其所承载的文化交流的深层意蕴。我们试图通过对壁画中佛、菩萨、弟子、天王等形象的精微观察与系统梳理，展现敦煌艺术作为中西文化交汇点的独特魅力。 第一部：信仰的初现与早期的融合（十六国至北魏时期） 本书的第一部分将时间轴拉回至佛教艺术在河西走廊扎根的初期。十六国时期的壁画，如早期洞窟中的“僧人行列图”和“佛本生故事”，展现出强烈的异域色彩和质朴的生命力。这一时期，犍陀罗艺术风格与本土审美相互渗透，形成了早期的“西域风”。 早期佛像的特征： 重点分析早期佛像面部的“高鼻深目”、“褒衣博带”的特征，探讨这种造型如何反映了中亚艺术的直接影响。我们将详细比对不同洞窟中佛陀的袈裟纹理和身体比例，揭示其在图像学上的早期定型过程。 《说文解字》式的叙事： 探讨此时期本生故事壁画的叙事方式，如何以连环画的形式，将复杂的佛教教义转化为清晰、直观的视觉语言，为后世的佛教故事画奠定基础。 第二部：盛唐气象与艺术的巅峰（唐代） 唐代是敦煌艺术最为繁荣的阶段。盛唐的恢弘气度，不仅体现在中原王朝的国力上，更深刻地烙印在了敦煌壁画的造像艺术中。这一时期的造像，达到了写实与理想化完美结合的境界。 菩萨形象的世俗化与审美革命： 深入解析反字洞和中唐时期菩萨形象的转变。从早期略显拘谨的菩萨，到盛唐时期雍容华贵、体态丰腴的“盛唐气象”。我们将重点分析菩萨的珠宝佩饰、璎珞和手印（Mudra）的细微变化，这些细节反映了当时宫廷审美和世俗审美的融合。 “力士与飞天”的动态美学： 盛唐飞天的飘逸灵动达到了前所未有的高度。本书将通过对飞天动态、衣带飘举的研究，探讨唐代“律动美学”的形成。同时，对壁画中的金刚、力士形象的肌肉结构和威严感的描绘进行细致的辨析，揭示其作为佛教护法的力量象征。 “经变”的史诗构建： 重点选取如《弥勒经变》《法华经变》等大型壁画，分析其如何通过复杂的空间布局、多层次的人物关系，构建出一个宏大的佛教世界图景。这不仅是艺术创作，更是一种宇宙观的视觉表达。 第三部：晚唐五代的地方风格与多元发展 安史之乱后，敦煌政权更迭频繁，艺术风格也随之呈现出多元化和地方化的趋势。五代时期的于阗王室和归义军政权，为敦煌艺术注入了新的生命力。 宋代影响的引入： 探讨宋代绘画技法对敦煌晚期壁画的影响，尤其是在人物面部的细腻刻画和远景处理上的变化。 供养人形象的研究： 详细梳理晚唐五代供养人形象的服饰、发型和社会地位的变化，这些形象是研究当时社会风貌和民族交融的珍贵“活化石”。我们将对比不同时期供养人壁画的尺寸、位置和绘画精细度，以侧面反映当时的政治和经济状况。 第四部：技法解析与材料科学 本书的第四部分从技术层面解构敦煌壁画的制作工艺，这是理解其耐久性的关键。 “土”的艺术： 敦煌壁画的载体是当地的黄土层。我们将详细介绍壁画的“起稿”（墨线勾勒）、“打底”（草泥层）、“面层”（白灰层）的制作流程，以及不同时期对壁画基层处理方法的差异。 矿物颜料的化学密码： 对壁画中核心颜料——石青、石绿、朱砂、赭石的来源、研磨技术和稳定性进行分析。通过对某些特定色块（如唐代石青的厚重感）的物质成分的探讨，揭示古代工匠对色彩的理解和运用达到了何种高度。 结语：丝路艺术的长久回响 《丝路遗珍》旨在提供一个多维度的视角，让读者不仅能“看”到敦煌的壮美，更能“理解”其背后复杂的历史、宗教与技术交织的脉络。敦煌的佛教造像艺术，是中华文明兼容并蓄、不断创新的最佳例证。它所代表的艺术精神，至今仍是激励当代艺术创作的源泉。本书配有大量高清线描图、色彩还原图和细节放大图，力求为专业研究者提供可靠的参考，也为普通爱好者开启一扇通往千年辉煌的艺术之门。 ---

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我一直是个对视觉艺术有偏爱的人，但我对很多学院派的艺术理论书感到头疼，因为它们总是在故纸堆里打转。然而，这套关于中国民间艺术的丛书，却成功地在保持专业深度的同时，做到了极佳的可读性。它叙事的方式很巧妙，不像干巴巴的教科书。比如在讲到戏曲脸谱的色彩运用时，作者穿插了一个关于某个地方戏班兴衰的小故事，一下子就把冰冷的色彩理论和鲜活的人间烟火气联系了起来。这种叙事技巧，让原本可能枯燥的工艺史变得引人入胜。我发现自己很容易被代入到那个情境中去，想象着艺人们在昏黄的油灯下，如何一笔一笔地勾勒出属于他们那个时代的理想与悲欢。它让我感受到的，是一种跨越时空的共鸣，一种对质朴生命力的由衷赞叹。

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这套关于中国民间艺术的丛书，光是封面设计就透着一股浓浓的乡土气息和历史的厚重感，特别是那烫金的纹饰，让我想起小时候在老家庙会上看到的那些老物件。我特意翻阅了其中几册，比如关于剪纸和泥塑的那几本，内容编排得非常扎实，几乎是以学术研究的严谨性来对待这些“小道艺术”。里面的图版质量高得惊人，很多细节纹理都清晰可见，看得出编辑团队在资料搜集上下了血本。特别是对于某些濒临失传的地域性技艺，书里不仅有图例，还有详细的工艺流程描述，甚至引述了老艺人的口述历史。我感觉自己像是在翻阅一本活着的非遗档案，而不是简单的画册。它强迫你去思考，这些看似朴素的民间手艺，是如何在几千年的历史长河中，承载了那么多哲学思想和审美情趣的。对于任何一个想深入了解中国传统文化“根”在哪里的人来说，这套丛书都是一座无法绕开的宝库，阅读过程本身就是一次精神上的洗礼。

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说实话，我刚拿到这套书的时候，心里是有点犯嘀咕的，毕竟“民间艺术”这个主题太宽泛了，很容易写得流于表面，变成那种旅游纪念品店里卖的廉价图册。但事实证明，我的担忧完全是多余的。这丛书的作者们显然不是泛泛而谈的，他们聚焦于“物”与“技”，而非仅仅是“美”。我特别欣赏其中几册对特定材料处理的深入剖析，比如关于竹编和漆器的章节，详细对比了南北方在取材、编织密度、上漆工艺上的差异，甚至还涉及到了气候对材料耐久性的影响。这种“硬核”的专业性，让它瞬间拔高了档次。它不是在“赞美”民间艺术有多美，而是在“解构”它为何能存在、如何发展。读完后，你对那些朴素的图案和造型，会产生一种全新的、带着敬畏感的理解。它让你明白，每一刀的刻痕、每一次的揉捏，都凝结着劳动者的智慧和与自然环境的抗争与和解。

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这套书给我的总体感受，是一种“脚踏实地”的力量感。它没有过度拔高民间艺术的地位，也没有刻意去迎合某种时尚的审美潮流。它只是冷静、客观地记录和展示了那些扎根于土地、与普通百姓日常生活紧密相连的创造力。书中的排版设计也体现了这种务实精神——布局简洁明了，图文穿插得当，最大限度地保证了信息的有效传达。我特别喜欢其中对“工具”的介绍部分，详细描述了那些被磨得锃亮、布满使用痕迹的凿子、刻刀和模具。正是这些陪伴了匠人一生的工具，才塑造了我们今天看到的那些精妙绝伦的民间艺术品。这套书让我深刻体会到，艺术的最高境界或许并非高高在上，而是润物无声地融入生活，成为生命本身的一部分。

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作为一名长期关注工艺美术史的爱好者，我必须承认，市面上关于这个领域的系统性出版物并不多见，很多零散的文章质量也参差不齐。所以，当这套“中国民间美术丛书”横空出世时，它的系统性结构就显得尤为珍贵。它不是随机挑选几个热门题材来做文章，而是试图构建一个完整的谱系。我注意到，丛书的编排逻辑是层层递进的，从地域文化的根源性，到具体技法的演变，再到艺术符号的文化寓意，都有明确的板块划分。这种规划性，使得读者在阅读时可以清晰地构建起自己对中国民间艺术整体面貌的认知地图。对于想要进行深入学术研究的人来说，它的参考文献和注释部分也做得非常详尽，提供了进一步探索的阶梯。它提供的不只是知识，更是一种研究方法论的示范。

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需要黑暗，需要光。

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