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出版者:中国少年儿童出版社

作者:卢中南

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:1999-07

价格:17.50

装帧:平装

isbn号码:9787500740605

丛书系列:

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《光影流转：当代电影摄影技术深度解析》 本书导言： 在光影构筑的魔幻世界里，电影摄影师如同手握画笔的艺术家，用镜头捕捉、塑造和传达导演的叙事意图与情感内核。本书并非传统意义上对某一特定流派或历史时期的梳理，而是将目光聚焦于当代电影制作的“幕后推手”——摄影技术。我们深入探讨光线如何成为叙事语言，色彩如何承载情绪张力，以及前沿的数字影像技术如何重塑我们对“真实”的认知。本书旨在为电影专业人士、高阶电影爱好者以及对视觉艺术有深刻追求的读者，提供一个全面、深入且极具实操参考价值的技术与美学融合指南。 第一部分：光影的物质性与哲学意涵 第一章：光的驯服：从自然光到人工布景 本章将系统分析光线在电影中的三大基本功能：照明（Illumination）、塑形（Modeling）和气氛渲染（Atmosphere）。我们从基础的三点布光法（Key Light, Fill Light, Back Light）出发，探讨它们如何服务于不同叙事场景的需求——从古典好莱坞的硬朗明暗对比，到欧洲艺术电影中追求的自然主义柔和过渡。重点分析“负空间”在布光中的作用，即“不光”之处如何引导观众的注意力，并营造出叙事上的悬念或压抑感。 深入探讨专业影棚中复杂灯光系统的构建，包括钨丝灯、HMI灯、LED阵列的演变及其色温控制的精确性。我们还将讨论环保和效率日益成为主流的趋势下，如何利用高功率LED系统模拟出极为复杂的自然光环境，例如“穿过百叶窗的阳光”或“阴天下的漫射光”，并探讨现代摄影指导（Director of Photography, DP）在前期准备阶段，如何通过灯光脚本（Lighting Script）预设每一个镜头的明暗节奏。 第二章：色彩的心理学：从化学乳剂到数字调色台 色彩不仅仅是视觉的装饰，它是情感的直接通路。本章追溯了电影色彩系统的发展脉络：从早期银盐胶片固有的颗粒感和有限的色彩容差，到现代数字传感器对光谱的超高还原能力。我们将细致剖析色彩理论（色相、饱和度、明度）在电影中的实际应用。 重点分析“色彩调色”（Color Grading）的艺术性与技术性。探讨不同文化背景和历史时期中，特定色彩倾向所代表的隐喻——例如，蓝色调的疏离感，琥珀色的怀旧感。书中详尽介绍色彩分级（Color Correction）与风格化调色（Stylistic Grading）的区别，并以数部获得奥斯卡最佳摄影奖的影片为例，解构其标志性的调色方案，分析其对故事情节的推动作用。同时，讨论RAW格式工作流程中，色彩空间管理（如ACES工作流）的重要性，确保从摄影机到最终银幕的色彩一致性与最大动态范围。 第二部分：镜头语言与影像结构 第三章：焦距的叙事：视角的选择与空间构建 镜头，作为摄影师的“眼睛”，其焦距的选择直接决定了观众对场景的感知。本章彻底解析超广角、标准焦距和长焦镜头所带来的空间畸变和心理效应。 我们分析广角镜头如何夸张前景、压缩景深，用于制造压迫感或全景式的环境交代；以及长焦镜头如何“扁平化”空间，将背景与主体紧密耦合，常用于表现隔离、窥视或快速的焦点转移。书中特别设置了关于“变焦”（Zoom）与“推拉”（Dolly/Crane Movement）的对比分析，探讨运动在空间叙事中的区别——变焦的“入侵感”与推拉的“沉浸感”。此外，对浅景深（Shallow Depth of Field）和深景深（Deep Focus）的哲学讨论不可或缺，引用威尔斯《公民凯恩》等经典案例，阐释如何利用焦点清晰度来分配观众的注意力优先级。 第四章：运动的语法：摄影机运动与节奏控制 电影的“运动”是其区别于其他视觉艺术形式的核心要素。本章详细拆解了不同摄影机运动方式的语法意义：平移（Pan/Tilt）、摇摄（Crane/Jib）、轨道移动（Tracking Shot）以及手持摄影（Handheld）。 我们探讨了稳定器（Steadicam/Gimbal）技术如何实现流畅的跟随视角，模拟角色的内心流动或环境的包容性。着重分析现代动作场面中，无人机摄影和高速摄影（High-Speed Cinematography）如何创造出超乎人眼观察极限的视觉体验。同时，本书深入研究剪辑节奏与摄影机运动的配合，例如如何在快速剪辑中通过特定的运动来提供视觉锚点，或如何利用长镜头（Long Take）来建立空间连续性和时间上的紧张感。 第三部分：数字革命与未来趋势 第五章：传感器的进化：像素、动态范围与量子表现 当代电影制作已全面进入数字时代，但对“画质”的追求从未停止。本章侧重于对高规格数字摄影机核心部件——图像传感器的深度剖析。我们不仅比较不同画幅（全画幅、中画幅、Super 35）的优劣，更关注量子效率（QE）、宽容度（Dynamic Range）的实际意义。 详尽解释了RAW和Log文件的采集原理，以及它们在后期制作中提供的信息弹性。书中包含对高帧率（HFR）技术的专题讨论，分析其在提升动作清晰度与可能引发“肥皂剧效应”之间的平衡点。此外，探讨了HDR（高动态范围）视频标准在电影放映中的应用与挑战，预示着更接近人眼真实视觉感受的未来。 第六章：虚拟制片与空间融合：LED墙与实时渲染 虚拟制片（Virtual Production, VP）是近年来电影摄影领域最具颠覆性的变革。本章将虚拟摄影棚的核心技术——实时渲染引擎（如Unreal Engine）与巨型LED显示墙——的结合机制进行了详尽的流程梳理。 分析摄影师在VP环境中所扮演的新角色：他们不再仅仅是记录现实，而是实时地与虚拟环境进行光线和视角的交互。探讨了“视差（Parallax）”控制、焦平面锁定以及如何通过VP技术实现传统绿幕无法比拟的、真实的反射光和环境光照，从而极大简化后期合成的难度。本书强调，VP并非替代实景拍摄，而是作为一种强大的创作工具，拓展了摄影师对无法到达或想象之场景的掌控力。 结语：摄影指导的未来视野 本书最后总结了在技术爆炸时代，优秀摄影指导所需具备的核心素质：技术精湛、美学敏感、以及高效的跨部门沟通能力。电影摄影的未来将是技术融合的艺术，是对“真实”边界的持续探索与重塑。 本书特色： 技术与美学的平衡： 理论阐述深入浅出，同时结合大量实战案例进行分析。 前沿聚焦： 详细覆盖了虚拟制片、HDR等最新的行业技术标准。 面向实践： 包含大量的术语解析、工作流程图示和DP的决策树分析。 （总计字数约为1500字）

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这本书的配套资源（如果它有的话）或者说它自身所能引发的联想，让人感觉非常“实用主义”，它不仅仅满足于“写得好看”，更追求“写得有效率”。我是一个工作繁忙的人，每次只能抽出零碎时间练习，这本书恰好满足了我的需求。它将复杂的练习拆解成非常小的“模块化”单元。比如，它有一小节专门讲“写出饱满的横”，只用了半页纸的篇幅，但包含了三种不同起笔方式和对应效果的对比。我可以在等咖啡泡好的五分钟内，集中精力反复练习这一种笔法，立马就能感受到进步。此外，书中对不同场合用笔的选择也有独到见解，比如在写信札时应选择圆润流畅的风格，而在撰写碑文仿制时则需要强调力量感和棱角分明。这种贴合日常实际的应用性指导，让“写字”这件事从一个遥远的艺术追求，落到了我可以随时随地实践的技能提升上，实用性满分。

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我尝试过市面上好几本关于书法练习的书籍，它们大多侧重于“像”字帖，要求你严格复制范本，但这本书的视角显然更为开阔。它似乎更关心的是“为什么”要这么写，而不是“怎么”写成那样。比如，作者对“间架结构”的分析，简直就是一本建筑学入门读物。他将一个汉字的重心、平衡轴、以及笔画之间的呼应关系，用清晰的几何概念进行了拆解。我印象深刻的是关于“左右结构”的对比分析，作者指出，并不是所有左边部分都比右边部分“轻”，而是要看“气势”的导向，有时左侧需要稳住阵脚，有时右侧则需要蓄势待发。这种结构上的辩证法，让我对每一个汉字的内部组织有了更深层次的理解。读完这部分内容，我再拿起笔来，感觉自己不再是单纯地描摹符号，而是在构建一个微型的空间结构，这极大地提升了我对书写这件事的敬畏感和创作欲望。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种温润的触感，像是经过精心打磨的玉石，拿在手里便觉沉静。内页的纸张选择也非常考究，墨色的洇散控制得恰到好处，即便是用略带湿润的笔尖触碰，字迹也能保持清晰的轮廓。我特别欣赏作者在排版上展现出的那种克制与典雅，每一页的留白都如同呼吸的空间，让观者的目光可以自由地游走，不至于被密集的字迹所压迫。初翻阅时，我便被其中几页摹写范例中那种行云流水的笔法所吸引，那不是机械的模仿，而更像是一种心性的流淌，每一个起笔、行笔、收笔都蕴含着深思熟虑后的自然。书中对不同书体（比如楷书的结构对称之美，行书的连带与气韵）的介绍，并非仅仅停留在理论层面，而是通过大量高清的局部放大图，细致入微地展示了运笔的轨迹和力度变化，这一点对于追求细节的练习者来说，无疑是极大的帮助。整体而言，这是一本从视觉到触觉都能带来愉悦体验的艺术品，它不仅仅是一本工具书，更像是一本可以陈列在书桌一角的雅玩。

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阅读这本书的过程，更像是一次与古人跨越时空的对话，它成功地营造了一种浓厚的文化氛围，让人沉浸其中。书中引用的古代文人墨客关于笔法的思考片段，穿插得恰到好处，既增加了内容的厚度，又避免了说教的枯燥。我尤其欣赏作者在谈到“墨分五色”时所营造的意境，他描述了浓墨如漆的厚重与淡墨如烟的飘逸，这不仅仅是关于墨的物理属性，更是关于作者心境的写照。读到此处，我仿佛能闻到空气中弥漫的松烟香，感觉到毛笔在宣纸上滑行的沙沙声。这种对书写“意境”的描绘，远超出了技术层面，它将汉字的书写提升到了一种哲学和美学的层面，促使读者去思考：我希望我的字表达出什么样的“气场”？这本书的最高境界，或许就是让你在不知不觉中，开始思考自己的“书写哲学”，这才是真正有价值的阅读体验。

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这本书的讲解方式实在是太“接地气”了，它没有用那些晦涩难懂的术语来吓退初学者，而是像一位和蔼的长辈在耳边细语，手把手地教你“秘诀”。我尤其喜欢作者对于“执笔姿势”的描述，他没有简单地说“要握紧”，而是详细解释了手指关节的受力点，以及如何通过放松手腕来带动气息，这立刻解决了困扰我多年的手腕僵硬问题。接着，在谈到“点画的提按”时，作者竟然引入了“音乐的节奏感”来类比，比如哪个笔画需要“渐强”，哪个需要“渐弱”的收尾，这种跨领域的联想，让抽象的笔法练习变得生动起来，我一尝试，果然感觉笔下的线条立刻有了“生命力”。最让我感到惊喜的是，书中似乎对“书写心理学”也有所涉猎，它提醒读者在练习时要保持“心无旁骛”的状态，将外界的喧嚣隔绝，专注于墨与纸的接触。这种注重内在修养的强调，使得这本书的价值超越了单纯的技法传授，它提供了一种沉淀心性的途径。

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