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出版者:新华出版社

作者:岳志忠 等

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996-09

价格:12.00

装帧:平装

isbn号码:9787501132850

丛书系列:

图书标签:

• 图案设计
• 装饰画
• 少儿美术
• 绘画入门
• 创意绘画
• 手工DIY
• 艺术启蒙
• 儿童画
• 装饰图案
• 绘画技巧

好的，这是一本名为《古籍修复与保护实务》的图书简介，旨在深入探讨传统纸质文献的维护与再生技术，完全不涉及《少年图案装饰入门》中的任何内容。 --- 图书简介：古籍修复与保护实务 导论：文献生命的延续者 在信息爆炸的时代，我们很容易忽略那些沉默的载体——承载着历史记忆、哲学思辨和工艺美学的古老文献。纸张的脆弱性、墨色的褪变，以及环境的侵蚀，使得每一部存世的古籍都成为了时间的遗珍。然而，这些珍贵的文化瑰宝正面临着不可逆转的衰老。 《古籍修复与保护实务》正是为了应对这一严峻挑战而编写的专业指南。本书摒弃了宏观的文献史叙述，将焦点完全集中于微观的、可操作的修复技术与预防性保护策略上。它是一本献给所有致力于文献保护事业的专业人士、博物馆管理者、档案工作者以及高级手工爱好者的实用手册，旨在构建一套系统、科学且符合国际标准的修复知识体系。 全书共分为五大部分，详尽阐述了从基础物性认知到复杂介入性修复的完整流程。 --- 第一部分：纸张的科学与病理学基础 修复工作的前提是深入了解修复对象。本部分着重于古籍载体——纸张——的材料科学属性及其在漫长历史中所遭受的侵害机制。 1.1 纤维结构解析： 深入探讨中国传统手工纸（如皮纸、麻纸、竹纸）的植物纤维来源、抄造工艺对纸张物理性能的影响。通过高倍显微镜图像分析，揭示不同时代纸张的内在差异，为后续的材料选择提供科学依据。 1.2 化学老化与生物侵蚀： 系统分类阐述纸张老化的化学机理，包括酸性水解、氧化反应等。详细分析霉菌、虫蛀（尤其是蠹虫）对纤维素和木质素的侵蚀模式。书中特别收录了不同类型霉斑的形态学特征图谱，指导修复师准确识别病害源头。 1.3 墨、印、裱糊的复杂关系： 探讨书写材料（如油烟墨、朱砂、蓝靛）与纸张基底的相互作用。分析传统装裱用胶料（如饾饾胶、皮胶）的老化特性及其对文献的二次损害，为慎重地选择脱胶和清洗方案奠定基础。 --- 第二部分：预防性保护——环境控制与存储哲学 “最好的修复是预防性的保护。” 本部分的核心在于如何创造一个稳定的外部环境，以延缓文献的自然衰亡进程。 2.1 气候参数的精准调控： 详细解析温湿度对纸张膨胀收缩、霉菌生长和虫害活性的影响阈值。本书提供了一套针对不同气候区（如高湿南方与干燥北方）的存储环境设定标准与动态监测方法，并介绍先进的温湿度记录仪的应用。 2.2 库房结构与光污染管理： 探讨抗震、防火、防盗的现代化库房设计原则。重点阐述光照对油墨和颜料的破坏性，介绍UV过滤技术、遮光材料的选用，以及如何计算“光照剂量”以保障文献安全。 2.3 包装与容器的材料兼容性测试： 详细对比分析各类无酸纸板、档案级聚酯薄膜（如Mylar-D）和惰性泡沫材料的化学稳定性。本书提供了一套快速评估包装材料对纸张pH值影响的标准测试流程，确保所有接触材料均符合“钝性”原则。 --- 第三部分：修复前的准备与评估 在进行任何物理干预之前，详尽的记录和审慎的评估是不可或缺的伦理要求。 3.1 文献状况记录与摄影技术： 标准化记录表格的填写规范，包括装帧形制、损伤类型、使用材料的初步推断。高分辨率的可见光、紫外光（UV）和红外光（IR）摄影技术在揭示隐形损伤、修补痕迹和早期墨迹特征上的应用实例分析。 3.2 溶剂选择与小规模兼容性测试： 深度解析水基溶剂、醇类、酮类溶剂的极性、沸点及其对不同墨色的溶解力。介绍“滴定测试”和“微量分析”在确定最佳清洗或去污剂配比时的精确操作步骤。 3.3 传统胶料的制作与标准化： 详细教授制作高品质传统修补用胶料的过程，包括黄明胶、动物皮胶的熬制、过滤与浓度校准。强调不同胶料的粘接强度和可逆性差异，指导修复师根据修复部位的受力情况进行选择。 --- 第四部分：核心介入性修复技术详解 本书的精华部分，涵盖了最常用和最尖端的修复技艺，强调“最少干预”原则下的最佳技术选择。 4.1 纸张补洞与通档技术： 详细讲解如何使用相同来源或兼容的纸浆，通过“湿法”和“干法”进行纤维重构。重点演示如何使用专用工具（如打浆器、细目筛）控制浆料的均匀度和纤维长度，以确保新补片的强度与透明度与原纸相匹配。 4.2 虫蛀孔洞的精准嵌补： 针对虫蛀留下的规则或不规则孔洞，教授如何制作精密切割的“补纸片”（Inlay），以及使用极其微量的、具有可逆性的粘合剂将其无痕嵌入的方法，避免过度“覆盖”原件。 4.3 湿法展平与去渍技术： 针对纸张的严重褶皱、水渍和霉斑，提供分步处理流程。重点介绍如何使用压力控制台（Suction Table）进行精准的湿展平操作，以及使用氧化剂或还原剂处理特定类型的污渍，并确保这些化学过程不会损伤纸张的纤维素结构。 4.4 传统装帧的解体与重建： 针对线装、包背装等传统装帧形式，提供安全解体、分离内页和保护原有封面/扉页的技术。详细指导如何重新裁切和修补书脊、制作符合古籍形制的绫绢或纸质书衣。 --- 第五部分：古籍的未来与数字化接口 展望未来，修复工作不再是孤立的技术行为，而是与信息保存战略紧密结合。 5.1 修复记录的数字化归档： 阐述如何将修复前后的所有图像、化学分析报告、材料使用清单整合进一个标准化的数据库中，确保未来研究者能够追踪每一次干预的历史。 5.2 修复介入的伦理边界： 探讨国际文保领域对于“可逆性”、“可识别性”和“最小化干预”的最新伦理标准。本书提供了多个案例分析，讨论在何时应该坚持原状保护，何时可以进行适度的结构性修复。 5.3 新型材料的评估与引入： 介绍近年来材料科学在文保领域的新进展，如纳米纤维素的应用潜力、新型惰性粘合剂的开发，以及对这些新材料在长期稳定性上的批判性评估。 --- 《古籍修复与保护实务》不仅是一本技术手册，更是一部对物质文化遗产深沉敬意的体现。通过对材料的尊重和对技艺的精研，我们得以确保这些穿越时空的文字与图像，能够以最完好的姿态，继续对话未来。这本书将成为您工具箱中最可靠的伙伴。

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说实话，我购买这本书的初衷是想找一些现成的模板来应对工作中的一些紧急需求，但阅读后发现，它的价值远超于此。它给予的，是一种底层逻辑的构建能力。内容组织上，它没有陷入对某个特定流派的过度迷恋，而是提供了一套放之四海而皆准的“图案语法”。例如，关于“对称与非对称”的讨论，书中详细展示了如何在保证视觉平衡的前提下，打破刻板的对称性，从而创造出更具现代感和张力的设计。这对我这样一个偏爱现代极简风格的人来说，非常有启发性。它教会我，即便在追求简洁的过程中，也不能丢掉图案本身的“趣味性”。书中还专门开辟了一个章节讨论了“材质对图案表现力的影响”，这一点是很多平面设计入门书会忽略的。它通过模拟不同介质，比如木刻、金属蚀刻或丝网印刷中图案的视觉效果，让读者提前预判自己的设计在实际应用中会呈现出何种质感。这种前瞻性的指导，对于避免后期制作中的失误至关重要。而且，书中的色彩搭配示例也十分大胆且实用，它不拘泥于传统的配色方案，而是引入了一些非常规的色彩组合，并解释了这些组合背后的心理学效应，让人在学习色彩搭配时，多了一层理性支撑。

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我对艺术学习中的“工具与媒介”的探讨情有独钟，这本书在这方面的深度远超我的预期。它没有仅仅停留在软件操作的层面（当然，对于基础的排版软件应用也做了必要的提及），而是把重点放在了不同传统媒介对图案最终形态的决定性影响上。比如，作者详细对比了用钢笔勾线和用毛笔晕染同一几何图形时，视觉上产生的巨大差异，以及这种差异如何影响整体的风格倾向——前者强调锐利和精确，后者则更具流动性和生命力。书中还穿插了一些关于“时间维度”对图案的影响的讨论，比如老旧印章上图案的磨损感、瓷器釉彩流动留下的痕迹等，这些“不完美”如何反而增加了图案的艺术价值，引发了我对“完成度”的重新思考。对于我这样追求完美主义的人来说，这本书提供了一种更具人文关怀的视角，即艺术的美感往往存在于控制与失控的边界地带。此外，书中对“图案在三维空间中的应用”也进行了初步的探讨，虽然不是核心内容，但它作为一个延伸思考的触点，让我开始想象如何将这些二维的平面图案转化为立体的雕塑或空间装置，极大地激发了我的跨学科创作热情。这本书不仅是图案入门，更像是一本关于“设计哲学”的导论。

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这本画册简直是为我这种对手绘和装饰艺术充满好奇心的新手量身定制的！拿到手的时候，首先吸引我的是它的装帧设计，那种细腻的纸张触感，让人忍不住想马上打开它。里面的内容排版极其用心，不是那种枯燥的理论堆砌，而是像一位经验丰富的老师傅手把手教你基础。初学者最怕的就是无从下手，但这本书从最基础的点线面开始，用非常直观的图例展示了如何将简单的几何图形演变成富有韵律感的图案。特别是关于“重复与变化”那一章，作者用了很多非常巧妙的例子，比如如何通过旋转、镜像或者色彩的微调，让一个简单的元素焕发出截然不同的生命力，这对我来说简直是醍醐灌顶。我以前总觉得装饰图案设计需要极高的天赋，但这本书让我意识到，更多的是方法和练习。它里面提供了一些练习模块，让你可以在书页旁边直接动手尝试，这种互动性极大地提高了学习的积极性。而且，作者在介绍每一种装饰风格时，都会穿插一些小故事或者背景知识，让这些图案不仅仅是冰冷的图形，更承载了文化和历史的厚重感，极大地丰富了我的审美视野。我特别喜欢其中关于“留白”的处理，很多初学者容易犯的错误就是把画面塞得太满，而这本书清晰地阐述了空间布局的重要性，让画面呼吸起来，这种高级的审美观念，对于一个新手来说，无疑是宝贵的财富。

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这本关于图案装饰的指南，与其说是一本教程，不如说是一本“创意思维的加速器”。我最欣赏它的地方在于，它非常强调“个性化表达”。很多入门书籍会告诉你“要这样做”，而这本书更多地是提供“你可以这样做，也可以那样做，取决于你想表达什么”。它深入探讨了符号学在图案设计中的应用。作者通过分析古代图腾和现代标志，揭示了图案如何承载信息、传递情感。这对我来说，是一个巨大的思维拓展，我开始思考，我设计的每一个小圆圈、每一条曲线，是否都在无意识中传达了某种信息？书中还提供了一些非常实用的“灵感速记”技巧，教导读者如何快速捕捉生活中的瞬间灵感，并将其转化为可用的设计元素。比如，它建议用速写本记录雨滴落在水面形成的涟漪，然后从中提炼出可以用于边框设计的有机曲线。这种将抽象的艺术理念落地到日常观察的方法，极大地提升了我作为设计者的敏感度。书末的“自我诊断”环节也很有意思，它通过几个小小的测试，帮助读者确定自己更倾向于哪种风格体系，从而能更有针对性地进行后续的深入学习和实践，体现了对读者个体差异的尊重。

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我对设计类书籍通常抱着一种谨慎的态度，因为很多市面上的“入门”读物往往是浅尝辄止，或者直接堆砌了大量高深莫测的术语，让人望而却步。然而，这本关于图案装饰的教材，给我带来了极大的惊喜。它的叙事节奏把握得非常精准，不是那种填鸭式的灌输，更像是一场循序渐进的视觉漫步。开篇就用了很大篇幅来剖析“结构”——这是我以前完全忽略的关键点。书中用分解图的方式，将复杂的洛可可风格或者巴洛克式的繁复花纹，层层剥开，还原成最核心的骨架，让你清楚地看到它们是如何搭建起来的。这种“解构主义”的教学方法，极大地降低了理解难度。更让我赞叹的是，作者对不同文化背景下图案的演变进行了细致的对比。比如，对比了东方剪纸艺术的简洁与西方中世纪彩色玻璃窗的华丽，这种跨文化的参照，不仅拓宽了读者的视野，也让我们在进行自己的创作时，能够有更广阔的灵感来源。书中对“韵律感”的讲解尤为精彩，它不是空谈理论，而是通过不同粗细线条的交错、疏密关系的控制，来实际演示如何创造出流动的视觉效果。我发现自己开始有意识地去观察生活中的纹理，无论是建筑上的雕花还是布料上的印花，都能从中找到这本书里讲解的影子。这本书真正教会我的，是如何“看”图案，而不是仅仅“画”图案。

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