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出版者:安徽美术出版社

作者:钱流

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:1995-04

价格:12.00元

装帧:平装

isbn号码:9787539802824

丛书系列:

图书标签:

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《水墨丹青：中国传统绘画的审美与实践》 图书简介 《水墨丹青：中国传统绘画的审美与实践》一书，旨在深入剖析中国水墨画的独特魅力、哲学基础及其在历史长河中的演变脉络。全书从宏观的文化背景入手，细致入微地探讨了“以形写神”的艺术核心，并系统梳理了从魏晋到近现代水墨画流派的风格特征与代表人物。 第一部分：水墨的哲学根基与精神内核 中国画，尤其是水墨艺术，绝非仅仅是技法的堆砌，它根植于深厚的东方哲学思想之中。本书开篇即探讨了儒家、道家和禅宗思想对中国画美学的影响。 道法自然与“气韵生动”： 深入解读谢赫“六法”之首的“气韵生动”，阐释其如何超越对客观物象的简单摹写，转而追求生命力和宇宙精神的契合。通过对山水画中“留白”艺术的分析，揭示“计白当黑”中蕴含的虚实相生、动静相宜的道家智慧。 文人画的兴起与士人精神： 重点阐述了自唐宋以来，以文人自居的画家群体如何将诗、书、画融为一体，形成了区别于宫廷院体画的独特审美趣味。探讨“墨分五色”的境界追求，如何将对色彩的依赖转化为对墨色浓淡干湿变化的极致掌控，从而达到“胸有丘壑”的表达效果。 第二部分：笔墨的技法体系与材料科学 本书详细介绍了中国画的物质基础——笔、墨、纸、砚，并将其视为承载艺术家情感与思想的媒介。 笔法：线条的语言学： 系统梳理了“十八描”等基础线条的运用，并着重分析了如“斧劈皴”、“披麻皴”等在山水画中营造肌理和空间感的技巧。强调线条的力度、速度和提按顿挫如何直接反映画家的性情与修养。 墨法：层次的构建： 细致讲解了墨汁的调配、湿度的控制，以及如何通过层层叠加（罩染）和渲染（破墨、积墨）技法，创造出丰富的水墨层次感。阐释“焦、浓、重、淡、清”五色墨的实际运用，超越了色彩本身的限制。 章法与构图的东方视角： 区别于西方绘画的焦点透视，分析中国画的长卷、立轴、册页等多种装帧形式如何影响构图。探讨了“散点透视”和“高远、平远、深远”等独特的空间处理方法，如何引导观者在时间与空间中游走。 第三部分：题材的象征意义与历史流变 本书对中国画的几大主要题材进行了深入的文化解读和技法剖析。 山水画：天地间的对话： 以“可行、可望、可游、可居”为核心，追溯荆浩、关仝的雄伟气势，董源、巨然的温润秀雅，以及元四家（黄公望、倪瓒等）的简淡意趣。探讨如何通过描绘自然景观来寄托个人情怀和政治抱负。 花鸟画：生命的赞歌与寓意： 详细论述了“写意”与“工笔”在花鸟画中的体现。以写意为主，剖析梅、兰、竹、菊“四君子”的文化象征，以及工笔画中对物象精微观察的价值，例如宋徽宗的瘦骨清像风格。 人物画：历史的瞬间与精神的肖像： 聚焦于顾恺之的“传神论”和吴道子的“吴带当风”。分析人物画如何通过衣纹、眼神、动态来传达人物的社会身份和内在性格，而非仅仅记录外貌。 第四部分：当代水墨的探索与未来展望 本书的后半部分将视角投向近现代，探讨传统水墨在应对西方现代艺术思潮冲击下的转型与创新。 近现代的变革： 梳理石涛“我自成一家”的革新精神，探讨齐白石如何将民间趣味融入文人画的笔墨之中，以及徐悲鸿、张大千等大师在融合中西、开拓水墨新领域的贡献。 当代语境下的创新： 分析当代水墨艺术家如何在保留“笔墨精神”的前提下，利用新的材料、新的观念进行实验。讨论水墨媒介如何参与到当代艺术的对话中，探讨其在全球化背景下的文化身份重塑。 本书特色： 本书不仅具备严谨的学术性，注重对古代绘画理论的精确引用和分析，更注重实践指导。书中穿插了大量经典作品的局部放大解析，并提供了针对性的练习建议，力求使读者在理解水墨美学的同时，也能掌握中国传统绘画的精髓与技巧，最终实现“胸中有丘壑，落笔有乾坤”的艺术追求。它是一部面向专业学习者、艺术史爱好者以及所有对东方美学抱有好奇心的读者的权威指南。

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我最近在研究材料科学与艺术表现的关系，恰好翻阅了这本关于“画框与装裱艺术”的专业书籍。说实话，在接触这本书之前，我一直认为画框只是一个用来保护和悬挂作品的附属品，但这本书彻底颠覆了我的看法。它详细介绍了从古埃及到近现代，不同文化背景下，装裱材料（木材、石膏、金属）的选择标准、制作工艺，以及不同历史时期对“边框”本身的审美取向。最让我震撼的是关于镀金技术和红金、黄金的区别，以及如何根据作品的色调来选择最能衬托其光泽的边框处理方式。书中还收录了大量不同风格画框的剖面图，展示了其内部的榫卯结构和承重设计，工艺之复杂令人叹服。这本书不仅是为策展人或画廊主准备的，对于所有关注作品“最终呈现”的创作者来说，它提供了关于“结束语”的全新视角——一个合适的装裱，能够将作品的感染力提升数倍。

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这是一本关于“空间感与环境光”的摄影后期处理指南，它聚焦于如何通过数字技术模拟真实世界的光学现象，以达到超越普通照片的艺术效果。这本书的实战性极强，它没有停留在软件界面的介绍上，而是深入探讨了“光如何塑造空间”。例如，它会用大量的案例演示如何通过精确控制径向滤镜和渐变工具来模拟清晨穿过窗帘的丁达尔效应，或者如何利用图层混合模式来重现雾气弥漫时空气的散射感。作者对色彩分级的理解非常到位，他强调“情绪”的构建是通过微小的亮度差异和色相偏移来实现的，而不是粗暴地拉高饱和度。我跟着书中的一个关于“室内冷暖对比”的教程实践后，我发现我拍摄的室内静物照立刻就有了那种电影般的立体感和故事性。对于那些想让自己的数字图像拥有“空气感”和“存在感”的后期制作者来说，这本书的价值无可估量。

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关于素描基础的这本教材，我只能说，如果你还在为如何处理形体结构和光影关系而感到迷茫，那么赶紧入手它。它没有过多花哨的理论，而是直接切入了核心——从几何体到复杂人体的结构解剖，每一步都分解得极其细致入微。我特别欣赏它对“体积感”的强调，作者反复指出，素描的本质是把二维的纸面变成三维的实体，为此，它提供了多种光照条件下的阴影绘制技巧，包括边缘光的捕捉、反光的利用等等，这些都是我在其他教材中找不到的细致指导。书中的人体骨骼和肌肉线条图，虽然是线稿形式，但精准度令人惊叹，即便是初学者也能依循这些图示来理解肌肉的起止点和拉伸状态。我花了整整一个月的时间，严格按照书中的步骤练习静物组合，最大的收获是学会了如何“观察”而非仅仅是“描摹”，那份对透视和比例的把控力得到了质的飞跃。这本书是真正的“硬核”训练手册，适合那些愿意沉下心来打牢基本功的严肃学习者。

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这本关于色彩理论的权威著作简直是艺术家的福音！我过去在调色时总是感觉凭运气，对某些复杂的中间色调把握不准，总觉得画面“差点意思”。但这本书系统地阐述了光谱的构成、颜料的物理特性以及色彩混合的科学原理，让我对“冷暖”和“纯度”有了全新的、近乎工程师般的理解。特别是其中关于“视觉混合”和“同时对比效应”的章节，简直是打开了我对绘画感知的大门。作者用大量的图例，清晰地展示了如何通过细微的色彩调整来创造空间深度和光影氛围。我记得有几页专门分析了文艺复兴时期大师们的调色板，那种对古代颜料处理工艺的考究，看得人拍案叫绝。这本书不只是教你“怎么做”，更重要的是让你明白“为什么会是这样”，它赋予了色彩运用一种逻辑上的严谨性，让我的创作过程从“感觉”驱动转向了“理性”支撑，我现在调色时自信多了，画面层次感也比以前丰富了太多，对于那些希望将色彩运用提升到理论高度的画者来说，这无疑是一本必读的参考书。

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这本关于艺术史的选集，内容组织得非常巧妙，它避开了传统编年史的枯燥叙事，而是以“主题”为线索串联起各个时期的重要流派和艺术家。我最喜欢它对“宗教图像学”的探讨，作者深入剖析了中世纪到巴洛克时期，艺术家们是如何巧妙地将复杂的教义、象征意义融入到看似日常的场景中，每一个手势、每一件器物背后都隐藏着特定的信息。阅读时，我仿佛拿到了一把解读古代密码的钥匙，过去那些看不懂的画作突然变得生动起来，充满了对话感。而且，它对不同媒介的过渡也分析得很好，比如从中世纪坦培拉到早期油画，媒介变化如何反作用于艺术表达的细腻程度。书中配图质量极高，很多细节放大图展示了颜料层的肌理，让我对不同时代材料的运用有了直观感受。这本书真正做到了让历史“活”起来，拓展了我对艺术作品深层含义的认知边界。

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