Understanding Film Theory

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出版者:
作者:Etherington-Wright, Christine; Doughty, Ruth;
出品人:
页数:304
译者:
出版时间:2011-9
价格:$ 34.97
装帧:
isbn号码:9780230217119
丛书系列:
图书标签:
  • 美國---United_States
  • 电影
  • Ruth_Doughty
  • Christine_Etherington-Wright
  • 电影理论
  • 电影研究
  • 电影分析
  • 叙事学
  • 形式主义
  • 精神分析
  • 女性主义电影理论
  • 马克思主义电影理论
  • 后结构主义
  • 视觉文化
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具体描述

'This book addresses a very real gap in existing introductory texts that define, explore, and apply key theoretical concepts within the field of film studies.' Alison L. McKee, Assistant Professor, Department of Television-Radio-Film-Theatre, San Jose State University, USA 'This is the book that film students have long been waiting for: a clear, well-written and accessible introduction to film theory. Lucid theoretical exposition and case study film analysis offer readers the most intelligible summary of theory that I have yet encountered.' Paul Sutton, Head of Media, Culture and Language, Roehampton University Film theory has a reputation for being difficult. It is challenging, it takes time and it can frequently leave students feeling inadequate and frustrated. Furthermore, theory can often seem intimidating and oldfashioned and therefore it can be difficult to appreciate its modern-day relevance. Understanding Film Theory aims to disassociate theory from these negative connotations and bring a fresh, modern and accessible approach to the discipline. Each of the fifteen chapters provides an insight into the main areas of debate by introducing key ideas and thinkers. Taking the application of theory as its central theme, the book incorporates a number of exciting and innovative features: 'Reflect and Respond' sections encourage readers to engage critically with theoretical concepts, while seminal texts are concisely summarized without oversimplifying key points. Throughout the book the authors illustrate why theory is important and demonstrate how it can be applied in a meaningful way, with relevant case studies drawn from both classic and contemporary cinema including: Once Upon a Time in the West (1968), Run Lola Run (1998), Moulin Rouge! (2001), Rabbit-Proof Fence (2002), Old Boy (2003), Brokeback Mountain (2005), Mamma Mia! (2008) and Avatar (2009). Additional case studies address key genres ('swashbucklers' and the film musical), film movements (Dogme 95), individual actors (Christian Bale, Judi Dench and Amitabh Bachchan) and directors (Alfred Hitchcock and Guillermo del Toro). Understanding Film Theory is an accessible and comprehensive introduction to film theory. It is the ideal entry point for any student studying film, using clear definitions and explaining complex ideas succinctly. Christine Etherington-Wright is a Senior Lecturer in Film Studies at University of Portsmouth (UK) where she teaches a course on Film Theory. She is the author of Gender, Professions, Discourse (Palgrave, 2008). Ruth Doughty is a Senior Lecturer in Film Studies at University of Portsmouth (UK). She is one of the co-founding editors of the journal Transnational Cinemas and co-edited Sound and Music in Film and Visual Media (2008).

电影的语言与结构:解构光影背后的思想脉络 一本深入探究电影叙事、美学与文化意蕴的权威指南 本书旨在为电影爱好者、学生以及专业人士提供一个全面而深入的框架,用以理解电影作为一种独特的艺术形式是如何运作的,以及它如何与更广阔的社会、历史和哲学语境进行对话。我们不聚焦于单一的理论流派,而是致力于剖析构成电影分析的基石——那些塑造了我们观看和解释影像的底层机制。 第一部分:电影的物质性与感知基础 本部分将从电影制作的物理和生理层面入手,探究光影如何转化为具有意义的体验。我们将超越对“情节”的肤浅关注,转而审视电影媒介本身的特质。 1. 光学、运动与时间的建构: 电影的核心在于运动的幻觉。我们将详尽分析早期电影技术(如放映原理、摄影机运动)如何被后来的叙事实践所驯化和利用。重点探讨如何通过剪辑节奏、景别选择和摄影机角度,精确地控制观众对时间和空间的感知。从普多夫金的“思想之链”到爱森斯坦的“蒙太奇原理”,我们考察了如何通过对不同镜头的并置,在观众的意识中创造出超越单个镜头所能表达的综合意义。 2. 视觉的心理学:格式塔理论与凝视的权力: 电影的视觉呈现不仅仅是镜头的堆叠,更是一系列经过设计的视觉刺激,旨在引发特定的心理反应。本章深入探讨格式塔心理学(Gestalt Psychology)在电影视觉组织中的应用——如何引导观众的注意力,构建知觉的完整性。更进一步,我们将审视“凝视”(The Gaze)的复杂性,分析镜头如何确立主体与客体的关系,以及这种关系如何受到意识形态的影响。我们讨论“不可见的观看者”的角色,以及电影如何构建和解构现实的表象。 3. 声音景观:超越对白的听觉维度: 声音在现代电影中已不再是背景的补充,而成为叙事和情感体验的核心要素。本章详细划分了电影声音的类型:画外音、画内音、同期声与非同期声,并分析了它们在引导观众情绪和暗示潜在主题中的作用。我们将研究声音设计如何建立空间感、界定人物关系,以及如何利用噪音、音乐和寂静来制造张力或实现抒情效果。 第二部分:叙事结构与意义的生产 电影的“故事”往往是其最易被理解的部分,但其背后的结构逻辑却蕴含着深刻的文化编码。本部分关注电影如何组织信息,并构建其世界观。 4. 经典好莱坞模式的范式与解构: 我们首先确立基于三幕结构、目的导向的人物弧光和透明式叙事的经典叙事模式(Classical Hollywood Narrative, CHN)的特征。这不仅是对“如何讲故事”的技术分析,更是对该模式所内含的线性时间观、个人主义英雄观和意识形态平衡的考察。随后,我们将分析后经典电影(Post-Classical Cinema)如何通过非线性叙事、模糊的角色动机和开放式结局来挑战甚至颠覆这一传统结构。 5. 符号学在电影中的应用:符号、能指与所指: 借鉴索绪尔和皮尔斯的符号学理论,本章将电影分解为一组可分析的符号系统。探讨图像(如服装、布景、道具)如何充当“能指”(Signifier),并指向特定的“所指”(Signified),从而在银幕上构建起文化和意识形态的意义网络。分析特定符号(如“雨夜”、“镜子”)在不同电影语境中的意义漂移和固定。 6. 空间、地点与异托邦: 电影场景中的空间不仅仅是背景,它本身就是行动的参与者和意义的承载者。本章考察电影如何利用建筑设计、室内布置和地理环境来反映人物的心理状态或社会阶层。我们将区分“物理空间”与“心理空间”,并研究电影如何通过对“地方感”(Sense of Place)的营造,实现对观众情感的调动。 第三部分:电影与文化、意识形态的交织 电影是社会文化的回声,也是重塑社会观念的强大工具。本部分将电影置于更宏大的历史与权力结构中进行审视。 7. 电影的意识形态功能:再现与缺席: 本章聚焦于电影作为意识形态机器的作用。我们分析电影是如何通过对特定社会群体、历史事件或政治议题的“再现”(Representation)来维护或挑战主流价值观的。重点讨论“缺失的再现”(Absent Representation)——即哪些声音和经验被系统性地排除在主流叙事之外,以及这种排除本身所产生的意识形态后果。 8. 流派(Genre)的形成、循环与批判: 电影流派(如西部片、黑色电影、科幻片)不仅仅是市场分类,它们是文化契约的集合,承载着一套可预期的主题、角色原型和美学规范。本部分追踪不同流派的起源、发展轨迹,以及它们如何在一个时代中反映(或逃避)该时代的社会焦虑。同时,探讨“流派的颠覆”(Genre Subversion)——当电影故意打破流派期待时,所产生的批判性张力。 9. 电影作为历史见证:媒介的真实性辩论: 电影自诞生之日起,就伴随着对其“真实性”的争论,尤其是在纪录片和伪纪录片领域。本章探讨电影如何构建“历史感”,以及历史事件在光影媒介中被“重写”或“选择性呈现”的过程。我们将分析纪录片伦理、目击者的不可靠性,以及影像在政治宣传和记忆构建中的作用。 结语:走向积极的观影实践 本书的最终目标,是培养一种积极的、批判性的观影态度。理解电影理论并非要剥夺观看的乐趣,而是要增强我们解读影像的能力,使我们能够识别出那些隐藏在光影背后的结构、意图和权力运作。通过掌握这些分析工具,观众得以从被动的接受者转变为主动的阐释者,真正地“理解”电影是如何塑造我们对世界的认知。

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坦白说,我最初拿起这本书时,是带着一种“硬着头皮也要啃完”的功利心态,毕竟在这个领域,理论入门书往往枯燥得像在嚼蜡。然而,这本书的行文风格出乎意料地充满了活力和戏谑感,作者似乎毫不忌讳地在严肃的分析中穿插一些恰到好处的自嘲或对过往理论家的“善意调侃”。这种轻松的基调,极大地降低了理解门槛。例如,在解释结构主义与后结构主义的巨大分野时,作者没有陷入冗长的哲学辩论,而是用了一个极其生动的比喻——将两种理论比作两种不同的建筑风格,一个追求宏大叙事下的完美对称,另一个则热衷于解构一切既有框架的裂缝。这个比喻瞬间击中了我的理解痛点。这种“将高深理论日常化”的能力,是很多理论家梦寐以求却难以企及的。它让我体会到,真正的智慧,是能够将复杂事物以最简洁、最富有人情味的方式表达出来,而不是故作高深,让人望而却步。

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我必须强调,这本书的批判性力量是压倒性的。它不是一本赞美电影的“粉丝手册”,而是一部旨在揭露电影作为一种意识形态工具的“解剖刀”。作者对好莱坞经典叙事模式的剖析,细致到令人不寒而栗。书中毫不留情地指出了那些被奉为圭臬的“普世价值”叙事,是如何巧妙地服务于特定的资本和政治意图的。比如,它对“英雄之旅”范式的解构,不再是简单地指出其重复性,而是深入挖掘了这种叙事在当代如何被用作对社会异议的“回收机制”——即所有反抗最终都会被纳入主流框架,并被最终的和谐结局所稀释和消解。这种深刻的怀疑精神贯穿始终,促使读者从欣赏者转变为一个警惕的审视者。读完后,再去看任何一部主流商业片,都会觉得那些光鲜亮丽的影像背后似乎隐藏着某种刻意的“视而不见”,这本书教会了我如何去寻找那些被故意隐藏起来的断裂和矛盾。

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这本书的跨学科视野令人叹为观止。我通常认为电影理论的研究范围相对集中,大多围绕着美学、符号学或意识形态批判打转。但这本书的视野远超于此,它大胆地将认知心理学、现象学,甚至社会学中的最新研究成果引入到对电影文本的分析之中。特别是书中探讨“时间性”的那一章,它巧妙地融合了伯格森的绵延概念和最新的神经科学对人类记忆重构机制的研究,来解释为什么特定的剪辑手法能引发观众强烈的情感共鸣,而不是停留在传统的“形式决定内容”的简单命题上。这种多维度的交叉对话,使得书中对任何一部具体电影的分析都显得异常丰满和立体。它不再是孤立地看待电影的内部结构,而是将电影视为一个与观众的生理、文化背景、以及更宏大的社会结构相互作用的复杂系统。对于希望将自己的学术研究拓展到更广阔领域的读者来说,这本书无疑提供了一个极佳的范例和跳板。

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这本书简直是电影理论界的“通灵者”,我原以为自己已经对各种晦涩难懂的学术术语免疫了,结果一翻开它,我的世界观就被彻底颠覆了。它没有给我那种高高在上、拒人于千里之外的学者腔调,反而像一个经验丰富的老朋友,带着你深入电影这片迷宫。作者的叙事风格极其流畅,简直是娓娓道来,但其中的思想深度却如同深海潜流,暗流涌动。比如,书中对蒙太ஜ்理论的重新审视,完全抛弃了教科书上那种机械的堆砌,而是将其置于历史和文化语境中进行剖析,让我猛然意识到,我们过去理解的很多“经典”其实是被某种特定的意识形态所塑造的。它不是在告诉你“应该”怎么看电影,而是在教你“如何”去质疑你正在看到的一切。我尤其喜欢它探讨“凝视”(Gaze)的部分,那种从福柯到拉康再到女性主义批判的梳理,逻辑清晰却又充满挑战性,让我开始审视自己在银幕前作为观众的权力与盲区。读完后,我感觉自己像是突然获得了某种“电影世界的X光片”,看什么都带上了一层新的透视。这本书的价值不在于提供了最终答案,而在于它提供了一套无与伦比的提问工具。

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这本书的排版和设计简直是艺术品级别的,光是捧在手里摩挲那种纸张的质感,就已经是一种享受了。封面设计采用了极其简约却又充满张力的黑白构图,让人一看就知道这不是一本“快消品”。内页的字体选择和行距处理都经过了精心考量,即便是面对大段的哲学思辨,阅读起来也丝毫没有压迫感。更令人惊喜的是,它在关键概念出现时,采用了非常巧妙的视觉强调手法,比如某些核心术语会被特意用一种几乎难以察觉的浅灰色背景突出出来,这使得我们在吸收复杂信息时,视觉焦点能够自然地被引导。我平时阅读学术著作时,经常需要频繁地来回翻阅索引或脚注,但这本书的内部逻辑组织似乎是经过了大师级的编排,章节之间的过渡自然得如同呼吸一般顺畅。你不会觉得自己在读一篇生硬的论文集,而更像是跟随一位技艺高超的向导,穿梭于各种理论的花园。这种对“阅读体验”本身的重视,让它在众多理论书籍中脱颖而出,甚至让人产生一种想要收藏而非仅仅是阅读的冲动。

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